В поиске издателя для своего первого альбома The Beatles обратились в звукозаписывающую компанию Decca Records – и получили отказ. Впоследствии главу фирмы Дика Роу стали называть «человеком, отказавшим Beatles». Первая неудача не помешала ливерпульской четверке подписать контракт с компанией EMI в июне 1962 года и стать одной из ключевых групп в истории рока. В окончательный состав The Beatles вошли: Джон Леннон, Пол Маккартни, Джордж Харрисон и присоединившийся последним Ринго Старр.

Студия фирмы EMI называлась Abbey Road и располагалась в доме 3 на… Abbey Road в Лондоне. В честь этой улицы The Beatles назвали свой одиннадцатый альбом, и на знаменитой фотографии именно ее они пересекают по пешеходному переходу. Что касается Дика Роу, то он сумел восстановить свою репутацию спустя год, когда подписал контракт с группой The Rolling Stones.

А вы знаете?

В начале 1960-х годов маркетинговая стратегия звукозаписывающих компаний состояла в отказе от бита в пользу твиста, который тогда появился в Соединенных Штатах. Песня Чабби Чекера Let’s Twist Again молниеносно стала лидером продаж в Великобритании. Поэтому легко понять удивление компании Decca Records по поводу того ошеломительного успеха, которого добились The Beatles со своим мерсибитом, поджанром бита.

Второго января 1958 года Римский оперный театр открывает сезон оперой «Норма» Винченцо Беллини, главную партию в которой поет Мария Каллас. Знаменитое сопрано находится на пике славы. Дочь греческих эмигрантов, обосновавшихся в Нью-Йорке, она рано завоевала международное признание и стала звездой миланского театра Ла Скала. Множество известных людей, включая президента Италии, собрались в Римской опере, чтобы услышать пение Марии Каллас. Однако на этой сцене ее словно подменили: голос звучит слабо и сипло… После окончания первого акта примадонна заявляет, что ей нездоровится, – и больше не появляется. В зале разразился настоящий скандал, который тут же подхватывает пресса. Певица слывет неуравновешенной и склонной к капризам. Может быть, это именно такой случай? Или причина этого фиаско – пьяная вечеринка накануне спектакля?

Скандал воспринят как первый признак начавшегося заката карьеры Марии Каллас. Она умерла 16 сентября 1977 года в своей парижской квартире при загадочных обстоятельствах.

Третьего января 1997 года четыре франкоязычные радиостанции – Radio France, Radio-Canada, RTBF и Radio Suisse Romande – обнародовали результаты совместного исследования, посвященного французскому языку. Проведенный масштабный опрос выявил «самую красивую франкоязычную песню всех времен». Победила песня Жака Бреля «Не покидай меня» (Ne me quitte pas), написанная в 1959 году.

Соавтором Бреля был пианист Жерар Жуанне, который, впрочем, никогда не упоминался, потому что в то время еще не был зарегистрирован в SACEM (Общество композиторов и музыкальных издателей). До сих пор остается тайной, кому посвящена эта песня. Известно, что Жак Брель незадолго до ее написания расстался с любовницей, Сюзанн Габриэлло. Однако Стефан Луази, биограф певца, утверждает, что Жак Брель адресовал песню жене.

Японский художник Он Кавара стал известен благодаря серии картин Today («Сегодня»). Он начал работать над ней 4 января 1966 года и продолжил писать ее день за днем на протяжении пяти десятилетий вплоть до самой смерти. Он Кавара разработал четкий протокол создания картины и неотступно следовал ему, варьируя только размер и цвет фона. В центре холста, записанного темным локальным цветом, Кавара наносил крупным типографским шрифтом дату создания произведения.

Каждую картину художник помещал в сделанную на заказ картонную коробку, куда также вкладывал страницу из газеты, выпущенной в день ее написания в том городе, где находился. Кавара писал серию нерегулярно: иногда он создавал несколько работ за один день, а иногда между датами на холстах появлялись лакуны в несколько недель.

В начале 1875 года более двух тысяч гостей собралось на торжественное открытие Парижской оперы в присутствии президента Республики, маршала Мак-Магона. На тот момент это был самый большой театр в мире. Конкурс на архитектурный проект этого здания был устроен еще при Наполеоне III, за 15 лет до открытия Оперы.

Первенство досталось проекту Шарля Гарнье. Постройка, посвященная музыке и танцу, позволила архитектору вписать свое имя в историю: сегодня здание называют не иначе как Опера Гарнье, или дворец Гарнье. Несмотря на то что строительство затянулось, в результате было создано прославленное архитектурное произведение.

Опера Гарнье, Париж, Франция. 1875 © Catarina Belova / shutterstock.com

Стометровый фасад, богато декорированный скульптурой, равно как и внушительная парадная лестница в вестибюле придали Опере уникальный, безошибочно узнаваемый облик. В 1964 году Опера Гарнье стала также «витриной» для живописного произведения: Андре Мальро, который в то время был министром культуры, доверил роспись плафона художнику Марку Шагалу. Мастерски исполненная яркая фреска площадью 220 кв. м подверглась, однако, критике за то, что нарушила ансамбль Оперы, выдержанный в классическом стиле.

А вы знаете?

В 1907 году французская компания «Граммофон» записала 24 пластинки с голосами величайших оперных певцов, музыкантов и драматических артистов. Диски были помещены в две урны, запечатаны и захоронены в подвале Оперы Гарнье. Архив Оперы отвечал за сохранность пластинок и их неприкосновенность в течение 100 лет! Цель акции состояла в том, чтобы познакомить будущие поколения со средствами записи и воспроизведения музыки, а также с лучшими голосами своего времени. Только в 2008 году диски изъяли из урн, отреставрировали и перевели в формат CD.

Можно ли приписать авторство произведения художнику, если оно было выполнено другим человеком? Такой удивительный вопрос появился в результате спора, итогом которого стало установление правила. История начинается в 1963 году, когда Эгер де Лёвенфельд создал скульптуру «Гермес 1963» и подписал ее именем Жоржа Брака. Последний – знаменитый французский художник и скульптор, соавтор Пабло Пикассо в создании кубизма – не принимал участия в этой работе.

Итак, кому же принадлежит авторство скульптуры – Эгеру де Лёвенфельду или Жоржу Браку? Покупатель, приобретший отливку этой скульптуры, выполненную в 2002 году, счел себя обманутым и попросил отменить сделку, полагая, что Жорж Брак не является автором произведения. Тем не менее проведенное исследование обнаружило контракт, подписанный Браком, согласно которому Эгер де Лёвенфельд получил право выполнять ряд произведений в соответствии с указаниями художника и под его контролем, а также подписывать их именем Брака.

Шестого января 2021 года кассационный суд постановил, что автором произведения искусства может считаться художник, не принимавший непосредственного участия в его создании. Более того, авторство может быть присвоено даже после смерти художника при условии, что произведение выполнено в соответствии с его инструкциями, пожеланиями и под его контролем. Признавая договор, заключенный между Браком и де Лёвенфельдом, суд, таким образом, счел скульптуру «Гермес 1963» оригинальной работой Жоржа Брака.

Великий Сфинкс Гизы – это колоссальная каменная статуя в виде мифического существа с телом льва и головой человека. Он символизирует божественную ипостась фараона, силу и власть правителя Древнего Египта. Существуют и другие толкования образа сфинкса. Одно из них приписывает статуе функцию стража пирамид, где покоятся фараоны. Сфинкс находится на западном берегу Нила, в городе Эль-Гиза недалеко от Каира, столицы Египта. Размер Сфинкса, высеченного из цельного куска известняка, составляет 22 м в высоту, 73 м в длину и 14 м в ширину.

По одной из научных гипотез эту гигантскую скульптуру древние египтяне создали около 2500 года до н. э. во время правления фараона Хефрена. Это не только одна из самых крупных в мире статуй, но и самая большая скульптура, высеченная из каменного монолита, а также один из самых ранних дошедших до нашего времени памятников. Главный враг Сфинкса – это песок, поскольку с течением времени он разрушает известняк. Уже в древности Великий Сфинкс был наполовину скрыт под песчаными заносами. Первые попытки откопать статую предпринимались при фараонах Тутмосе IV и Рамзесе II. В середине XIX века из-под песчаных заносов виднелась только голова Великого Сфинкса.

Великий сфинкс в Гизе, Египет. Ок. 2500 г. до н. э. © Wikimedia Commons

Впервые статую полностью расчистила команда французских археологов во главе с египтологом Эмилем Барэзом. Седьмого января 1926 года газета «Журналь де Деба Политик э Литэрэр» сообщила, что Великий Сфинкс Гизы окончательно освобожден из-под песка. Работа археологов вызвала, однако, острую полемику: нашлись критики, заявившие, что Сфинкс во многом утратил таинственность, обнажив после расчистки плохо сохранившиеся части.

А вы знаете?

Сломанный нос – своего рода особая примета Сфинкса из Гизы. Одни ученые полагают, что он был поврежден в эпоху Античности, другие относят эту утрату к VII веку, когда Египет завоевали мусульмане. Некоторые историки утверждают, что нос был намеренно сбит исламскими военными, видевшими в Сфинксе языческого идола и бросившими ему таким образом вызов. Другие исследователи считают, что статуя утратила нос под воздействием ветровой эрозии и песчаных бурь. Помимо носа Великому Сфинксу недостает также части головного убора и накладной церемониальной бороды. Фрагменты последней хранятся в Британском и Каирском музеях.

В 1889 году американский инженер Герман Холлерит получает патент на табулятор – электромеханическую машину для обработки числовой и буквенной информации, записанной на перфокартах. Изобретение приносит инженеру победу в конкурсе на лучший способ подсчета данных, устроенном организаторами переписи населения США 1890 года. Изобретение Холлерита сыграло важную роль в истории информатики и в конечном итоге открыло путь к использованию машин не только для обработки больших объемов данных, но и для создания оригинальных произведений искусства.

Сегодня искусственный интеллект позволяет автоматически генерировать изображения, текст, музыку и другие типы контента. Но хотя этот инструмент и становится источником вдохновения для многих художников, он вызывает целый ряд этических и художественных вопросов. Прежде всего компьютерам предстоит пройти долгий путь, прежде чем они смогут создавать произведения искусства, по сложности и глубине сопоставимые с теми, что создают люди. Вызывают страстные споры вопросы о ценности компьютерного искусства, о правомерности считать его искусством в традиционном понимании и о его возможном месте в арт-индустрии. Возможно, созданные нейросетями образы – это всего лишь форма развлечения и очередная революционная технология? Все эти вопросы остаются на сегодняшний день открытыми.

Робер Татен (1902–1983) – французский скульптор, керамист и живописец. Его работы, не поддающиеся точной классификации, часто причисляют к наивному искусству, сюрреализму, а также ар-брюту (от фр. art brut – «грубое искусство»), представители которого ориентировались на художественное творчество душевнобольных людей, детей, «диких» племен и наивных художников в стремлении творить без ограничений, которые накладывают на автора культурные шаблоны. В артистических кругах Парижа Татен познакомился с художником Жаном Дюбюффе и поэтами Андре Бретоном и Жаком Превером.

Черпая вдохновение в жизненных впечатлениях, Татен много путешествовал. Он отдавал предпочтение Бразилии, где познакомился с культурой индейцев, а также участвовал в исследованиях о влиянии высоких температур на материалы. Удостоившись в 1951 году золотой медали на Первой биеннале[2] в Сан-Паулу за скульптурную работу, Татен получил международное признание. С 1962 года художник жил в Коссе-лё-Вивьен в департаменте Майен, где в течение нескольких лет создавал свое самое монументальное произведение и где в 1969 году Андре Мальро открыл музей Робера Татена. Архискульптура Татена – это своеобразный архитектурный коктейль. Его «художественная среда» соединила в себе храмы инков и причудливые соборы Гауди, став своего рода мостом между Востоком и Западом.

Дэвид Боуи (1947–2016) – британский музыкант, актер и художник. Как певца его отличали уникальный голос и широкий спектр музыкальных стилей, включая рок, поп, соул и электронную музыку. Помимо музыкальной карьеры, Дэвид Боуи снимался в кино, играл на сцене, считался непререкаемым авторитетом в мире моды, знатоком искусства и дизайна. Певец получил известность в 1969 году после выхода сингла Space Oddity, попавшего в пятерку официального хит-парада Великобритании UK Singles Chart. Среди его самых популярных песен – Space Oddity, Changes, Ziggy Stardust, Heroes. Дэвид Боуи считается одним из самых новаторских музыкантов своего времени, и его влияние прослеживается в творчестве многих артистов. Так, например, по словам Леди Гаги, ее вдохновляет способность Дэвида Боуи постоянно изобретать себя заново и его экспериментальный подход к музыке.

Британская скульптор Рэйчел Уайтред создает масштабные инсталляции, исследуя концепцию негативного пространства. Наиболее известны созданные ею слепки с предметов интерьера – кроватей, шкафов, умывальников – и пустых архитектурных пространств. В работах скульптора затрагиваются темы памяти, отсутствия и течения времени. Впервые художница стала известна в 1993 году благодаря скульптуре House (англ. «Дом»), представлявшей собой бетонный слепок интерьера викторианского дома, определенного под снос. Установленная на месте снесенного дома и вскоре разрушенная, эта работа вызвала полемику и принесла Рэйчел Уайтред репутацию одной из ведущих фигур на британской арт-сцене. В 1993 году скульптор стала первой женщиной, получившей престижную премию Тёрнера, присуждаемую галереей Тейт. Известность получили также работы Ghost («Призрак») и Embassy («Посольство») – слепки комнат в натуральную величину, сделанные в доме матери художницы и в ликвидированном посольстве в Берлине.

Джон Сингер Сарджент (1856–1925) был одним из самых успешных портретистов конца XIX – начала XX века. Его работы можно найти в музеях и частных коллекциях по всему миру. Художник родился в Италии, в детстве много путешествовал по Европе с родителями. Получив художественное образование в Париже, Джон Сингер Сарджент приобрел известность портретиста, способного передавать самую суть характера своей модели. Его работы отличает свободная манера письма в сочетании с точностью воспроизведения деталей. Художник в основном писал влиятельных людей своего времени. Один из самых известных портретов кисти Сарджента, «Мадам Икс» (1884), представляет светскую львицу Виржини Готро. На Парижском салоне 1884 года эта работа вызвала скандал из-за откровенного платья и соблазнительной позы портретируемой. Среди художников, вдохновленных работами Сарджента, был Эдвард Хоппер: на ведущего американского художника-реалиста повлияла манера работы Сарджента со светотенью в портретной живописи.

Джонни Кэш (1932–2003) – музыкант и автор песен, которого многие считают одной из самых влиятельных и знаковых фигур в истории кантри-музыки. За свою карьеру он выпустил более 50 альбомов, но решающую роль в карьере певца сыграли три из них: Folsom Prison Blues, Ring of Fire и I Walk the Line. Первый альбом из этого списка Джонни Кэш записал 13 января 1968 года во время концерта для заключенных калифорнийской тюрьмы Folsom. Певец известен своим глубоким, звучным голосом и способностью наполнять пение искренними эмоциями. Помимо успешной звукозаписывающей карьеры, Джонни Кэш активно давал концерты и много гастролировал по США и за рубежом, восхищая поклонников энергией и динамикой, а также готовностью рисковать и экспериментировать с новыми звучаниями и стилями.

Группа Лаокоона – одно из самых известных произведений античной скульптуры – представляет жреца Лаокоона и двух его сыновей, борющихся со змеями. Эта мраморная статуя эллинистического периода была обнаружена 14 января 1506 года в центре Рима, на вершине холма Оппия – в гроте разрушенного дворца императора Тита, где некогда стоял «Золотой дом» Нерона. Скульптура была разбита на восемь частей. По приказанию папы Юлия II находку осмотрели архитектор Джулиано да Сангалло и великий скульптор Микеланджело Буонарроти, который определил, что статуя выполнена из двух кусков мрамора.

Агесандр, Полидор, Афинодор. Лаокоон и его сыновья. I в. до н. э. © Wikimedia Commons

Согласно римскому историку Плинию Старшему, группу создали три греческих скульптора с острова Родос – Агесандр, Афинодор и Полидор. Принято датировать эту скульптуру рубежом II и I века до н. э. По легенде, Лаокоон предупредил жителей Трои, что деревянный конь, оставленный греками за стенами города, – это ловушка, в которой спрятались враги. Однако троянцы проигнорировали предостережение Лаокоона и ввели коня в город, что привело к падению Трои. В наказание за предупреждение соотечественников боги наслали на жреца и его сыновей змей, умертвивших всех троих.

А вы знаете?

Обнаруженная скульптурная группа имела множество утрат. В частности, у Лаокоона отсутствовала одна рука. Монторсоли, ученик Микеланджело, и другие мастера предприняли несколько попыток восстановить недостающие части. Однако эти реконструкции носят весьма умозрительный характер.

Британский музей – один из старейших и самых престижных музеев мира – впервые открыл двери для публики 15 января 1759 года. Сегодня он относится к крупнейшим в мире собраниям произведений искусства и артефактов. Но первых посетителей встретил «универсальный» музей, где выставлялась коллекция природных и культурных редкостей, собранная сэром Гансом Слоаном (1660–1753) – врачом и натуралистом, в 1727 году сменившим сэра Исаака Ньютона на посту президента Королевского научного общества. Музей открылся в приобретенном для него Монтегю-хаусе в Блумсбери, фешенебельном районе Лондона. Впоследствии он несколько раз менял адрес. Нынешнее здание, построенное в неоклассическом стиле по проекту сэра Роберта Смёрка, было завершено в 1852 году. Британский музей славится своей обширной и разнообразной коллекцией, которая насчитывает более 8 млн предметов со всего мира. Здесь хранится «Розеттский камень» – древнеегипетская стела с тремя параллельными текстами, позволившими ученым расшифровать иероглифы Древнего Египта. Музей также является важным научно-исследовательским учреждением, принимающим ученых и исследователей для изучения музейных коллекций.

Маннекен-Пис (Писающий мальчик) – небольшой бронзовый фонтан в виде мальчика, мочащегося в бассейн, – находится на перекрестке двух оживленных улиц в центре Брюсселя, столице Бельгии. Высота статуи составляет 61 см. Созданный в начале XVII века брюссельским скульптором Жеромом Дюкенуа Старшим, Маннекен-Пис стал символом города и городской достопримечательностью, часто изображается на открытках и других туристических сувенирах. «Писающий мальчик» неоднократно становился объектом кражи. Так, 16 января 1963 года группа студентов оторвала статую от постамента, чтобы потребовать за нее выкуп. Скульптуру вернули и закрепили на основании с помощью усиленного крепежа. Два года спустя Маннекен-Пис снова украли, на этот раз оставив на постаменте ступни статуи и крепления. Таким образом, сегодня туристы разглядывают на улице Этюв всего лишь реплику подлинного Маннекен-Пис. Поврежденная же статуя работы Дюкенуа Старшего была найдена в канале и теперь хранится в городском музее.

Ж. Дюкенуа Старший. «Маннекен-Пис». Брюссель, Бельгия. 1619 © Wikimedia Commons

А вы знаете?

Несмотря на небольшой размер, Маннекен-Пис имеет большое культурное и историческое значение для жителей Брюсселя. Его часто одевают в различные костюмы, а его гардероб, насчитывающий около тысячи нарядов, хранится в Королевском музее. Церемония смены костюма, организацией которой занимаются городские власти, происходит в определенные дни в течение всего года.

В этот день в парижской галерее «Изящные искусства» открылась Международная выставка сюрреализма. Среди представленных работ были произведения самых известных художников – Сальвадора Дали, Макса Эрнста, Мана Рэя и Пабло Пикассо. Организаторами выставки выступили основатели сюрреализма Андре Бретон и Поль Элюар.

Сюрреалистическое направление возникло после Первой мировой войны. Его главной характеристикой стал акцент на иррациональных аспектах человеческого опыта. Художники-сюрреалисты шли наперекор традиционной живописи, стремясь выразить бессознательное в причудливых фантастических образах. Основными представителями движения являются Сальвадор Дали, Рене Магритт и Макс Эрнст.

Сценография выставки 1938 года была, мягко говоря, своеобразной. Главный зал был погружен в темноту, и посетителям предлагалось вооружиться фонариком, чтобы рассмотреть произведения. Правда, такое решение не было частью концепции: дело в том, что разработанная Маном Рэем система освещения софитами во время вернисажа не сработала. Над головами зрителей были подвешены мешки с углем, вес которых, судя по их количеству, должен был составлять три тонны. Тысяча двести мешков на самом деле были набиты газетами, но в зале стоял резкий запах сажи. Выставка вызвала ажиотажный интерес: только во время вернисажа число посетителей превысило 3000. Несмотря на то что странная атмосфера выставки вызвала резкую критику, она сыграла свою роль в том, что сюрреализм стал одним из основных течений в мире искусства.

Здание Большого театра на Театральной площади, построенное по проекту Осипа Бове, – одна из главных достопримечательностей Москвы. Грандиозный фасад со статуей бога Аполлона в квадриге, венчающей колонный портик, стал эмблемой театра. В день открытия, 18 (по новому стилю) января 1825 года, театр представил оперу «Триумф муз», написанную Алексеем Верстовским, Александром Алябьевым и Фридрихом Шольцем. Однако к этому времени Большой существовал уже несколько десятилетий. Датой его основания считается 1776 год, когда князь Петр Урусов получил разрешение Екатерины II на содержание «театральных всякого рода представлений» и начал строительство здания на улице Петровка, отчего театр долгое время назывался Большой Петровский.

Еще недостроенное здание пострадало в первом из пожаров, преследовавших Большой в начале его истории. Уже в 1805 году огонь уничтожил здание, построенное английским предпринимателем Майклом Меддоксом. Сменившая его деревянная постройка исчезла в пожаре 1812 года, во время войны с Наполеоном. Здание Осипа Бове сгорело вместе с алебастровой статуей Аполлона в 1853 году, но через три года было восстановлено с увеличением высоты. Театр получил всемирную известность благодаря залу с прекрасной акустикой, а также блистательному оперному и балетному составу.

Культурный центр La Cite de la Musique («Город музыки») в Париже объединяет в себе несколько институций, посвященных музыке и звуку. Под его крышей 19 января 1997 года открылся Музей музыки – один из крупнейших музыкальных музеев в мире. Его коллекция насчитывает более 7000 инструментов, документов и других предметов, относящихся к истории музыки. Постоянная экспозиция раскрывает различные аспекты музыкальной культуры, включая историю западной классической музыки, эволюцию музыкальных инструментов и значение музыки в различных сообществах мира. Среди главных достопримечательностей музея – коллекция редких и исторических музыкальных инструментов, таких как скрипка Страдивари, фортепиано Шопена и гитара Брассенса. Обширная программа выставок, концертов и образовательных мероприятий музея делает его одним из центров культурной жизни Парижа. Для посетителей также открыты исследовательский центр и библиотека.

Королевская академия живописи и скульптуры, основанная 20 января 1648 года в Париже, провозгласила своей целью развитие искусства во Франции. Отныне в ведении академиков было определение художественных стандартов, организация выставок и присуждение премий лучшим художникам. Академия сыграла решающую роль в создании системы художественного образования и управления в области искусства во Франции. Многие известные художники того времени, включая Жана-Батиста Шардена и Жана-Антуана Ватто, были членами Королевской академии. Эта институция играла важную роль в искусстве страны вплоть до Французской революции: в 1793 году она была распущена, и вскоре ее сменила Академия изящных искусств в составе Института Франции.

Театр Филармонико – оперный театр в Вероне – расположен в центре города и считается одним из главных концертных залов Италии. Построенный в 1716 году, 21 января 1749 года Филармонический театр Вероны был уничтожен пожаром. Его отстраивали заново дважды; второй раз – после разрушения театра американо-британскими бомбардировками 1945 года. Театр вмещает около 1200 зрителей и славится прекрасной акустикой. Здесь дает концерты классической музыки Веронский филармонический оркестр. Театр также знаменит постановками классических музыкальных произведений – балетов и опер («Сомнамбула», «Севильский цирюльник», «Тоска» и др.).

А вы знаете?

Веронский фестиваль оперы с 1913 года проводится каждое лето на исторической сцене – Арене ди Верона. Этот древнеримский амфитеатр – один из крупнейших в мире из наиболее сохранившихся – имеет превосходную акустику.

Пикабиа (1879–1953) – французского авангардиста начала XX века – причисляют и к дадаистам, и к сюрреалистам, хотя его творчество не поддается точной классификации. Франсис Пикабиа родился и вырос в Париже. Начав художественную карьеру как импрессионист, с 1907 года он переключился на эксперименты с авангардными стилями и техниками. В 1913–1918 годах Пикабиа, покинув Францию, вступившую в Первую мировую войну, часто и подолгу жил в Нью-Йорке и Испании. Он активно участвовал в бурлящей художественной жизни американского мегаполиса, тесно общаясь с дадаистами Марселем Дюшаном и Маном Рэем.

Известность художнику принесли «механоморфные» картины – композиции из механических деталей индустриальной техники, иронично наделенных человеческими свойствами. В конце 1920-х годов Пикабиа обратился к антропоморфным образам в знаменитой серии «прозрачных картин» – сновидческих композиций, в которых несколько слоев изображений наслаиваются друг на друга. Творчество Франсиса Пикабиа оказало большое влияние на развитие современного искусства, а сам он считается одной из главных фигур в истории художественной культуры ХХ века.

Создатель джаз-мануша, один из величайших гитаристов мира, Джанго Рейнхардт (1910–1953) родился в бельгийской провинции Эно в семье кочевых франкоязычных цыган – манушей. Имя, данное ему при рождении, – Жан, а Джанго – это прозвище, означающее в переводе с цыганского «я проснулся». Детство музыканта прошло в бедности и лишениях, но уже в раннем возрасте он начал играть на скрипке и банджо. В 18 лет Джанго Рейнхардт серьезно пострадал во время пожара: от полученных ожогов безымянный палец и мизинец левой руки утратили подвижность. Тем не менее он освоил игру на гитаре, разработав собственную «двухпальцевую» технику с использованием указательного и среднего пальцев. Вскоре Рейнхардт прославился как виртуозный гитарист, добивавшийся уникального звучания инструмента. Джанго Рейнхардт считается пионером жанра джаз-мануш, в котором цыганская музыкальная традиция сочетается с джазовыми принципами. Основанный им ансамбль Le Quintette du Hot Club de France имел большую популярность в Париже 1930–1940-х годов.

Сольный фортепианный концерт, сыгранный Китом Джарреттом в Кёльнском оперном театре 24 января 1975 года, вошел в историю музыки как шедевр джазовой импровизации. Однако выступление прославленного американского джазмена в последний момент оказалось под угрозой отмены. С самого начала все шло не по плану. Джарретт прибыл в Кёльн в день концерта с сильной болью в спине. Когда он обнаружил, что вместо заказанного им дорогого рояля ему предстоит играть на старом маленьком инструменте со сломанной педалью, на доставку нового фортепиано уже не оставалось времени. Джарретт всерьез задумался об отмене концерта.

И все же в 23:30 – первый джазовый концерт в Кёльнской опере поставили после основного представления – он вышел к публике. Однако ограничения, наложенные на него инструментом, заставили его изменить манеру игры – сделать акцент на ритме и играть только в средней части клавиатуры, поскольку рояль плохо звучал в высоких и низких нотах. В течение 66 минут, пока пианист импровизировал, инструмент звучал кристально чисто. Публике казалось, что музыкант находился в трансе. В начале импровизации слушатели узнали мелодию театрального звонка, собиравшего их на концерт.

Концерт в Кёльне был признан лучшим образцом виртуозной новаторской игры Джарретта. Запись была выпущена в том же году в виде альбома, который получил лучшие продажи в истории джазовой музыки.

Концерт «Метаморфозы», шедевр струнного репертуара, написан немецким композитором-новатором Рихардом Штраусом (1864–1949). На премьере, состоявшейся в Цюрихе, оркестром из 23 инструментов дирижировал Пауль Захер.

Рихард Штраус написал 189 музыкальных произведений, включая оперы «Саломея» (1905), «Электра» (1909) и «Кавалер розы» (1911). В 17 лет он сочинил Концерт для скрипки ре минор op. 8, а через год представил его публике. В немецкой музыке этого периода был заметен раскол. Сторонники «сюжетной» музыки, то есть написанной на основе какого-то сценария, писали балеты и оперы. Представители «чистой» музыки писали абстрактно, без повествовательной канвы. Рихард Штраус придерживался первого направления. Он говорил: «В музыке много тех, кто воображает себя сумасшедшими, а я восхищаюсь только настоящими безумцами».

Над «Метаморфозами»[3] композитор работал во время Второй мировой войны, с 1943 года, когда Мюнхенский оперный театр был превращен в руины, по 1945 год, когда была сожжена Венская опера, а бомбардировки уничтожили Дрезден. Это глубоко эмоциональное музыкальное произведение выразило скорбь Штрауса о метаморфозах и потрясениях, пережитых культурой. Впечатляющее количество задействованных инструментов – десять скрипок, пять альтов, пять виолончелей и три контрабаса – позволило композитору создать мощное высказывание, используя разнообразную текстуру и широкий спектр оттенков, сложный и выразительный музыкальный язык.

После окончания Второй мировой войны композитора судили по обвинению в соучастии с нацистским режимом, поскольку при Гитлере, с 1933 года, он занимал пост президента Имперской палаты музыки. Штраус утверждал, что, занимая эту должность, стремился уберечь немецкую музыку от режима. Суд вынес оправдательный приговор.

Мюзикл, написанный композитором Эндрю Ллойдом Уэббером по роману Гастона Леру «Призрак Оперы», посмотрели миллионы людей в 30 странах. Это история таинственного и гениального композитора Эрика, живущего под зданием Парижской оперы. Прозванный Призраком Оперы, он страстно любит молодую певицу по имени Кристина и помогает ее таланту развиваться. Однако девушка не отвечает взаимностью и любит другого мужчину, заставляя Призрака мучительно ревновать.

Шоу «Призрак Оперы» заняло первое место в рейтинге долгожителей Бродвея. С премьеры, состоявшейся 26 января 1988 года, спектакль прошел на бродвейской сцене более 14 тыс. раз. Однако, когда в апреле 2023 года билеты впервые не были распроданы, его закрыли. Меж тем в лондонском Театре Ее Величества, где оперу поставили на два года раньше, она идет с прежним успехом.

Артур Хьюз (1832–1915) – известный художник-прерафаэлит – родился в Лондоне. «Братством прерафаэлитов» называли себя члены художественной группы, сформировавшейся в начале 1850-х годов и стремившейся реформировать британское искусство Викторианской эпохи. Название группы указывало на то, что художники взяли за образец искусство «до Рафаэля» и отказались от классических канонов, ставших основой академической живописи. «Братство» преклонялось перед итальянскими художниками эпохи кватроченто[4] – Перуджино, Фра Анжелико, Джованни Беллини и др. Артур Хьюз начал карьеру как иллюстратор, а затем обратился к живописи, создав ряд работ на темы романтической любви и природы. Его картины отличают тонкий рисунок и волшебные, светящиеся краски. Среди его самых известных картин – «Долгая помолвка» (1854–1859) и «Апрельская любовь» (1855–1856). Первая представляет влюбленную пару, не имеющую достаточно материальных средств для заключения брака. На второй картине изображена юная и хрупкая девушка – образ быстротечности любви и красоты.

В этот день в склепе под Триумфальной аркой в Париже был захоронен один из восьми неопознанных французских солдатов, погибших в Первой мировой войне. Церемония прошла у Триумфальной арки, где отдаются воинские почести, а не в Пантеоне, где чествуют гражданских лиц и политиков. Над могилой установили плиту с надписью «Здесь покоится французский солдат, погибший за свою страну, 1914–1918». У захоронения стоит почетный воинский караул. Вечный огонь, впервые зажженный здесь 11 ноября 1923 года, служит напоминанием обо всех павших в бою. Огонь зажигают каждый вечер в 18:30, а также во время мемориальных церемоний, проводимых ежегодно 11 ноября и 8 мая.

В этот день в немецком городе Дрезден группа экспрессионистов объявила о создании художественного объединения Дрезденский сецессион. Своей целью они провозгласили отмежевание от традиционных художественных институций и обращение к искусству французского импрессионизма. Одним из ведущих представителей группы был Отто Дикс (1891–1969) – немецкий живописец, гравер и иллюстратор, выставлявшийся на выставках Сецессиона вплоть до его роспуска в 1925 году. Дикс учился в Дрезденской школе прикладного искусства, а в начале Первой мировой войны ушел на фронт. После войны он вернулся в Дрезден и стал участником движения немецких экспрессионистов. Художник стал известен благодаря своим мощным, часто противоречивым картинам и гравюрам, затрагивающим такие темы, как война, насилие и социальная несправедливость. Среди его самых известных работ – триптих «Война» (1929–1932), воплотивший ужас боевых действий.

Венецианский оперный театр имеет второе название – Ла Фениче, что в переводе с итальянского означает «Феникс»: он неоднократно поднимался из пепелища, подобно мифической птице феникс. После пожара 1774 года театр был заново отстроен в 1792-м, однако уже в 1836-м был снова охвачен пламенем. Последний пожар случился в ночь с 29 на 30 января 1996 года. В результате поджога была уничтожена бо́льшая часть театра. Преступниками оказались два электрика, которые, по всей видимости, хотели посредством небольшого возгорания скрыть задержку в работе, однако огонь вышел из-под контроля. После длительной реконструкции театр открылся вновь в 2004 году. По своей роли в истории европейской культуры Ла Фениче равен миланскому театру Ла Скала и римскому Театру дель Опера. На протяжении многих лет здесь ставили оперы и выступали такие знаменитые музыканты, как Джоаккино Россини, Джузеппе Верди и Игорь Стравинский. Театр также является важной архитектурной достопримечательностью Венеции, а его восстановление после пожара стало важным событием в истории города.

Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду в Париже был создан по инициативе президента Франции Жоржа Помпиду (1911–1974). В конкурсе на лучший проект здания приняли участие архитекторы из 49 стран, включая СССР. Рассмотрев 681 предложение, международное жюри выбрало проект, разработанный Ричардом Роджерсом, Ренцо Пьяно и Джанфранко Франчини. Они предложили совершенно авангардное решение: фермы, трубопроводы, электропроводка, лифты, эскалаторы – все функциональные элементы открыто вынесены на фасады здания. Такое эпатажное решение позволило архитекторам сэкономить площади для залов в условиях небольшого участка в центре Парижа. Эта архитектура вызвала ожесточенные споры: критики утверждали, что ей не место в исторической застройке. Однако со временем Центр Помпиду стал культовым и любимым местом парижан и туристов. Это один из главных музеев современного искусства в мире, владеющий обширной коллекцией живописи, скульптуры, инсталляций, кинофильмов и мультимедийных работ. Здесь экспонируются произведения таких великих художников, как Марсель Дюшан, Пабло Пикассо, Энди Уорхол. Музей активно проводит выставки, концерты, лекции и кинопоказы.

Одна из величайших госпел-певиц всех времен, Махалия Джексон родилась 26 октября 1911 года в Новом Орлеане, штат Луизиана, США. Она выросла в бедном квартале, в трудных условиях. Мощный и выразительный голос с ранних лет принес ей признание. Начав петь в церковных хорах, Махалия Джексон быстро завоевала репутацию эмоциональной и сильной исполнительницы. Ее карьера пошла в гору в 1940-е годы. Она записала множество альбомов, в том числе Move On Up a Little Higher, ставший одним из самых продаваемых госпел-альбомов всех времен. Махалия Джексон много гастролировала по всему миру, и каждый раз с аншлагом.

А вы знаете?

Помимо музыкальной карьеры, Махалия Джексон активно участвовала в движении за гражданские права и использовала свою славу для продвижения идей социальной справедливости и равенства. В 1963 году, во время Марша на Вашингтон, она исполнила песню I’ve Been ’Buked and I’ve Been Scorned («Меня ругали и презирали»). Махалия Джексон была близким другом Мартина Лютера Кинга, лидера движения за гражданские права.

Праздник, отмечаемый католиками 2 февраля, посвящен принесению Младенца Иисуса в Иерусалимский храм согласно иудейской традиции, на 40-й день после рождения. Этому событию посвящен алтарный образ[5], написанный в 1342 году Амброджо Лоренцетти для кафедрального собора в Сиене. Картина представляет сцену в храме, когда старец Симеон произносит пророчество: «Се, лежит Сей на падение и на восстание многих в Израиле и в предмет пререканий». Мария распахивает белый плат, чтобы принять Младенца из рук Симеона-Богоприимца. Стоящая справа от старца пророчица Анна, также узнавшая в Младенце Спасителя, указывает на Него перстом. На заднем плане в центре представлен священник, готовящийся принести на алтаре жертву – по традиции, двух голубей. В наши дни картина хранится в галерее Уффици во Флоренции.

Амброджо Лоренцетти (ок. 1290–1348) – итальянский живописец эпохи треченто родом из Сиены – еще при жизни был признан большим художником. Его произведения отличают гармония общего строя, тонкая декоративность, а также особая человечность образов. Джорджо Вазари в своей книге 1550 года описал Амброджо Лоренцетти как человека, который «скорее напоминал дворянина и философа, чем художника».

Американский музыкант, певец и автор песен, один из пионеров рок-н-ролла, Чарльз Хардин Холли, получивший известность как Бадди Холли, родился в 1936 году в Техасе. Уникальное звучание его музыки рождалось под влиянием широкого спектра музыкальных стилей, включая кантри, блюз и ритм-энд-блюз. В 1950-е годы он записал несколько хитовых песен, включая That’ll Be the Day (1956), Peggy Sue (1957) и Rave On (1958). Помимо музыкальной карьеры, Бадди Холли был продюсером. Он работал со многими артистами, в том числе с созданной им группой Crickets. Музыкант трагически погиб 3 февраля 1959 года в возрасте 22 лет. Несмотря на такую короткую карьеру, он оказал глубокое влияние на развитие рок-н-ролла.

Французский художник, скульптор и кинорежиссер, Фернан Леже (1881–1955) родился в Аржантёй, Франция. Он изучал искусство в Школе декоративного искусства в Париже. Принадлежавший к движению кубистов, Леже получил известность как автор картин со смелыми геометрическими формами и яркими контрастными цветами. Он учился на произведениях таких художников, как Сезанн, Пикассо, Матисс и Бранкузи. Творчество Леже отражает его увлеченность эрой машин и быстро меняющимся индустриальным пейзажем начала XX века. «Механик» (1920) – одна из самых известных картин Фернана Леже – демонстрирует группу механических деталей, расположенных, казалось бы, случайным образом. Фернан Леже был также новатором в кинематографе и снял несколько экспериментальных фильмов. В его короткометражном фильме «Механический балет» (1924) исследуется связь между искусством и технологией.

Margotton. Потрет Ф. Леже в мастерской на фоне скульптуры его ученика Рене Марготтона © Wikimedia Commons

А вы знаете?

Фернан Леже был заядлым музыкантом-любителем. Особенно художник любил джаз и в свободное время играл его на трубе или фортепиано. В музыке он нередко черпал вдохновение для картин и применял в живописи такие музыкальные приемы, как, например, повторение элемента или ритмизация композиции. Однажды Фернан Леже сказал: «Живопись – это ритм, а ритм – это живопись».

«Олимпия» – это концертный зал, бывший некогда мюзик-холлом. Он расположен в Девятом округе Парижа, на улице Капуцинов, рядом с Оперой Гарнье и галереей Лафайет. «Олимпия» считается одной из знаковых концертных площадок французской столицы. Построенный в 1893 году, зал имеет богатую историю и за годы своего существования принял более 38 млн зрителей. В конце 1920-х годов «Олимпия» была переоборудована в кинотеатр, но спустя два десятилетия новый исполнительный директор Бруно Кокатрикс решил сделать его символом французского мюзик-холла. Пятого февраля 1954 года в «Олимпии» состоялся первый концерт после длительного перерыва. По этому случаю на сцене выступили Люсьенн Делиль, Эме Барелли и тогда еще мало кому известный Жильбер Беко. С 1960-х годов в «Олимпии» стали также проходить концерты культовых рок-групп. С той поры афиши зала украшали имена таких мировых звезд, как Эдит Пиаф, Боб Дилан, The Beatles, Фрэнк Синатра, Луи Армстронг, Дэвид Боуи, Принс, Лучано Паваротти, Madonna, Стинг и многих других. «Олимпия» славится своей архитектурой в стиле ар-деко и интимной атмосферой красных интерьеров в стиле кабаре. Зал вмещает около двух тысяч зрителей и обладает прекрасной акустикой.

Густав Климт (1862–1918) – австрийский художник-символист и один из самых выдающихся членов Венского сецессиона и искусства модерна. Его картины, фрески и эскизы отличает яркий индивидуальный стиль, наиболее узнаваемые черты которого – сложная орнаментика, часто с использованием сусального золота, и предпочтение эротических сюжетов. На творчество Густава Климта оказал влияние широкий спектр художественных стилей, включая символизм, экспрессионизм и японское искусство (школа Римпа).

Среди работ Климта наиболее известны «Юдифь» (1901), «Три возраста женщины» (1905), «Поцелуй» (1909), а также «Золотая дама» (1907) – портрет Адели Блох-Бауэр, мецената и близкого друга художника. Густав Климт воплотил в себе противоречивый характер своей эпохи. Хотя его работы подвергались жесткой критике со стороны художественного истеблишмента, он стал одним из самых известных живописцев XX века. Картины Густава Климта вызывают восхищение у ценителей искусства и составляют гордость частных и государственных коллекций по всему миру.

Nafea faa ipoipo? в переводе с таитянского означает «Когда свадьба?». Так называется картина французского художника Поля Гогена (1848–1903), написанная в 1892 году во время его первого путешествия во Французскую Полинезию. Она была продана в 2015 году эмиру Катара за рекордные 300 млн долларов – впечатляющая сумма за полотно, которое после смерти художника продали всего за семь франков.

На переднем плане картины представлены две таитянские женщины, символизирующие два жизненных этапа. Буддистский жест одной таитянки символизирует образование, а цветок в руках второй указывает на то, что она надеется выйти замуж. Картину отличают насыщенные цвета и чувственная, расслабленная атмосфера, свойственная жизни на Таити. Это яркий пример экспрессивного стиля постимпрессиониста Гогена. Художник любил писать жителей и пейзажи тропических мест – Таити и Маркизских островов, где он провел значительную часть жизни.

Эта дата считается днем рождения дадаизма. В тот день в кабаре «Вольтер» в Цюрихе встретились поэты Тристан Тцара, Хьюго Болл и несколько художников. Они собрались в разгар Первой мировой войны, чтобы подписать «антиманифест» в виде длинного стихотворения. Этот абсурдистский текст раскрывает все возможные значения слова «дада». Уточненная версия этого манифеста была опубликована в 1924 году.

Заявленная цель движения состояла в противостоянии традиционным художественным условностям и общественным ценностям своего времени. Дадаисты отрицали понимание искусства как средства выражения красоты или истины. Их позиция заключалась в нигилизме и ощущении абсурдности мира. Они создавали абсурдные, иррациональные и антихудожественные произведения, их живопись и скульптура, перформанс и коллаж были призваны шокировать зрителя и вызывать у него беспокойство. Дадаисты использовали в творческом процессе принципы случайности и неупорядоченности.

Дадаизм по праву считается одним из предшественников сюрреалистического движения. Многие художники и писатели-дадаисты позже стали влиятельными представителями сюрреализма, имевшего продолжительное влияние на искусство ХХ века.

Девятого февраля 1985 года певица Мадонна (род. 1958) вышла в топ престижного американского рейтинга Billboard 200 со своим альбомом Like a Virgin. Несколько песен из нового альбома, например Material Girl, стали культовыми.

Мощный голос и смелое поведение на сцене обеспечили певице титул новой королевы поп-музыки. Мадонна многогранно экспериментировала с различными музыкальными стилями. С 1980 по 1990 год стиль певицы развивался от дэнс-попа до песен с элементами блюза, рока и латинской музыки.

Мадонна © Wikimedia Commons

С 1990 года песни Мадонны стали более зрелыми, интроспективными; в них появились социальные и политические темы. В 2020 году в возрасте 63 лет дива приняла участие в сингле Levitating певицы Дуа Липы. Мадонна является одной из величайших артисток в истории поп-музыки, о чем свидетельствуют более 300 млн дисков, проданных по всему миру.

Помимо карьеры певицы Мадонна также реализовалась как актриса, режиссер и детская писательница. А вот актерская карьера оказалась менее успешной. Удостоившись премии «Золотой глобус» за лучшую женскую роль в фильме Evita (1996), Мадонна тем не менее пять раз становилась лауреатом антипремии «Золотая малина» и завоевала «звание» худшей актрисы XX века.

А вы знаете?

В конце 1970-х годов Мадонна работала танцовщицей во Франции, где учила французский язык. Она сблизилась с Патриком Эрнандесом, известным французским диско-певцом, но отклонила его предложение записать диск. Певица вернулась в Нью-Йорк и начала собственную эстрадную карьеру. В интервью Мадонна нередко отмечала влияние дискотеки и танцевальной музыки Франции на ее творчество.

Лоуренс Вайнер (1942–2021) – американский художник-концептуалист, последователь дадаизма. Концептуальное искусство возникло в 1960-е годы. Его создателем считается американский философ и музыкант Генри Флинт. Движение концептуального искусства исследует природу и границы искусства. Концептуализм сосредоточен на идее и исследует ее. Ставя под вопрос традиционные границы искусства, его представители совершенно равнодушны к визуальным аспектам своих произведений. Художники этого направления используют такие формы выражения, как текст, перформанс и инсталляция.

Лоуренс Вайнер интересуется отношениями между искусством и речью как способом создания и передачи смысла. Его работы часто представляют собой простые высказывания, написанные крупным шрифтом и развешанные на стенах. Эти тексты описывают действия, события или излагают идеи, которые зритель должен принять во внимание.

Знаменитая картина «Всплеск» написана в 1966 году, когда ее автор, британский художник Дэвид Хокни (род. 1937), преподавал в Калифорнийском университете, и относится к раннему периоду его творчества. Она была продана 11 февраля 2020 года в лондонском аукционном доме «Сотбис» почти за 30 млн долларов. Созданная в стилистике поп-арта, эта картина входит в серию из трех работ наряду с «Маленьким всплеском» и «Большим всплеском». Хокни, представитель поп-арта и гиперреализма, подобно фотографу, запечатлел мгновение после того, как человек прыгнул с трамплина в воду, вызвав фонтан брызг. Художнику понадобилось две недели, чтобы нарисовать момент, который длился пару секунд.

Изысканный рисунок, нетрадиционные техники, фотореалистический стиль живописи привлекли к Дэвиду Хокни внимание профессионалов и поставили его в один ряд с главными фигурами британского искусства. «Портрет художника» (1972) в 2018 году был продан на аукционе в Нью-Йорке почти за 30 млн долларов. Это стало аукционным рекордом не только для Дэвида Хокни, но и в мировой практике продажи картины при жизни художника.

Франко-американская художница Ники де Сен-Фалль (1930–2002) активно выступала в движении новых реалистов, лидировавшем в европейской культуре 1960-х годов. 12 февраля 1961 года она представила серию интерактивных работ под названием «Тиры» («расстрелянные картины»), соединивших в себе перформанс, боди-арт, живопись и скульптуру. Зрителям предложили стрелять по скульптурам из винтовки до того момента, пока полученная картина не понравится ее создателю. «Тиры» Ники де Сен-Фалль были формой освобождающего расслабления и средством взаимодействия зрителя с произведением искусства. Они изготавливались из пенополиуретана и были окрашены в яркие цвета, которые появлялись при «расстреле». Этот процесс создавал потрясающий визуальный эффект. Критики ставили Сен-Фалль в ряд художников, представляющих авангард современного искусства. Работы, выполненные из нетрадиционных материалов – мозаик, зеркал и пенополиуретана, – создают смелый стиль художницы. Помимо «Тиров», Ники де Сен-Фалль реализовала масштабные скульптурные проекты, такие как парк скульптур Хон в Швеции и Сад Таро в Италии.

«Прекрасный голубой Дунай» (1866) – венский вальс для симфонического оркестра, написанный Иоганном Штраусом II (1825–1899) и впервые исполненный 13 февраля 1867 года в Вене. Вальс стал одним из самых известных произведений Штрауса-младшего и стандартом в репертуаре классической музыки. В 1867 году для Всемирной выставки Штраус создал оркестровую версию – элегантную и изящную мелодию, исполняемую в медленном, плавном темпе. Вальс посвящен Дунаю – реке, пересекающей Центральную и Восточную Европу. Он стал неотъемлемой частью венских балов и новогодних концертов, а также неофициальным гимном Австрии.

Штраус II, «король вальса», автор как танцевальных произведений, так и популярных оперетт, был сыном Иоганна Штрауса I (1804–1849), который также был композитором и дирижером, однако сына он представлял в профессии банкира. Штраус II тайно играл на фортепиано и скрипке и в шесть лет сочинил свой первый вальс. Уход отца из семьи позволил ему начать музыкальную карьеру. Несмотря на разногласия, Штраус II отдал дань уважения отцу, включив некоторые из его композиций в собственные концерты. Он также перенял манеру своего отца выступать в белом костюме и шляпе, что стало его фирменным стилем.

В 1972 году в театре Eden на Бродвее с успехом прошла премьера мюзикла «Бриолин», написанного Джимом Джекобсом и Уорреном Кейси. В основе сюжета – любовная история бунтаря Дэнни Зуко и отличницы Сэнди Дамбровски в выпускном классе чикагской школы. Действие мюзикла происходит в 1950-е годы. В нем звучит популярная музыка того времени, в частности рок-н-ролл. В мюзикл вошли несколько песен, ставшие классикой: Summer Nights, Greased Lightnin’ и We Go Together.

В 1978 году «Бриолин» был успешно экранизирован с участием Оливии Ньютон-Джон и Джона Траволты и стал самым кассовым музыкальным фильмом на тот момент.

Бенвенуто Челлини (1500–1571) – итальянский ювелир, скульптор, живописец и музыкант эпохи Возрождения. Он родился во Флоренции и получил образование ювелира и скульптора. Одна из самых известных его работ – бронзовая статуя мифического героя Персея, держащего отрубленную голову Медузы (1554). Бенвенуто Челлини создал множество ювелирных изделий и декоративных предметов. Помимо художественной деятельности он также был писателем. В автобиографической книге «Жизнь Бенвенуто Челлини» он рассказывает о своей авантюрной жизни, наполненной не только приключениями и подвигами, но и преступлениями.

Фредерик Шопен (1810–1849) – один из величайших фортепианных композиторов в истории. Одно из самых известных его произведений – Прелюдия до-диез минор (1838–1839), короткая пьеса для фортепиано, использованная во многих фильмах, телевизионных программах и видеоиграх. Не менее популярен Вальс ре-бемоль мажор (1846–1847), называемый также «минутным вальсом» из-за его быстрого темпа. Последний концерт композитора состоялся 16 февраля 1848 года на парижской сцене, за неделю до падения Июльской монархии: Фредерик Шопен исполнил собственные сочинения вместе с виолончелистом Огюст-Жозефом Франшомом. После концерта музыкант отошел от общественной жизни и посвятил себя написанию композиций. Он умер в следующем году, в возрасте 39 лет.

Арсенальная выставка – экспозиция авангардного искусства – открылась в Нью-Йорке в бывшей оружейной мастерской 69-го полка, давшей ей название. Экспозиция демонстрировала 1300 работ более чем трехсот мастеров – художников-постимпрессионистов и авангардистов: А. Матисса, О. Ренуара, П. Пикассо, Ж. Брака, К. Моне, О. Родена, О. Редона, М. Дюшана, П. Гогена, П. Сезанна и многих других. Выставка вызвала противоречивую реакцию как у критиков, так и у публики. Некоторые хвалили ее за то, что она полностью изменила представление американцев о современном искусстве. Другие резко критиковали представленные модернистские стили. Наиболее «скандальной» оказалась картина Дюшана «Обнаженная, спускающаяся по лестнице». Несмотря на критику, Арсенальная выставка имела большой успех и привлекла около 80 тыс. посетителей в Нью-Йорке, утвердив значимость современного искусства в Соединенных Штатах.

Восемнадцатого февраля 2006 года группа The Rolling Stones выступила с бесплатным концертом на пляже Копакабана в Рио-де-Жанейро. Одна из самых успешных в истории музыки, рок-группа собрала полтора миллиона зрителей, расположившихся на пляже, в близлежащих зданиях и лодках. Самый большой концерт в истории группы вошел в десятку самых грандиозных шоу в мире!

Группа The Rolling Stones (англ. «Катящиеся камни», а также «Вольные странники» или «Бродяги») образовалась в Лондоне в 1962 году. В ее состав вошли Мик Джаггер (вокал), Кит Ричардс (гитара), Чарли Уоттс (ударные) и Ронни Вуд (гитара). Они известны своими энергичными и неизменно популярными концертами.

Самые известные песни The Rolling Stones – Satisfaction (1965), Paint It Black (1966), Jumpin’ Jack Flash (1968) и Gimme Shelter (1969).

Константин Бранкузи (1876–1957) – один из основателей абстрактной скульптуры. Он родился в деревне Хобица, в Румынии, под фамилией Брынкушь. Бранкузи начал творческую деятельность как живописец, а затем обратился к скульптуре. При создании абстрактных скульптур Бранкузи стремился передать ощущение духовной и эмоциональной глубины через геометрические формы. «Поцелуй» (1909), «Птица в космосе» (1923) и «Бесконечная колонна» (1937) относятся к самым известным работам скульптора. Константин Бранкузи черпал вдохновение в различных источниках, включая румынское народное, египетское и древнегреческое искусство, а также работы современных художников, таких как Поль Сезанн, Огюст Роден и Пабло Пикассо. В 1960-х годах его стиль оказал влияние на скульптуру сюрреализма и минимализма. Константин Бранкузи умер в Париже в 1957 году.

В этот день итальянский поэт Филиппо Томмазо Маринетти (1876–1944) опубликовал «Манифест футуризма», провозгласив культ будущего и разрушение прошлого. Художники Джакомо Балла, Умберто Боччони, Карло Карра и Джино Северини выступили сторонниками итальянского футуризма. Футуристы считали, что индустриализация, урбанизация и технологический прогресс создают новый захватывающий мир, а искусство и литература отражают эти изменения. Футуристическая идеология прослеживается и у немецкого философа Фридриха Ницше (1844–1900) с его идеей «сверхчеловека» – создателя нового будущего вне традиционных ценностей. Футуристическое движение оказало влияние на развитие многих художественных направлений, включая кубизм, сюрреализм и абстрактный экспрессионизм. Идеи этого движения и сегодня проявляются в мире искусства.

Нина Симон (настоящее имя – Юнис Кэтлин Уэймон, 1933–2003) – американская певица, автор песен и гражданская активистка. Она родилась в Трайоне, Северная Каролина, и с ранних лет проявляла огромный талант в игре на фортепиано. В 12 лет она дала свой первый концерт. Позже ей удалось получить образование в престижной Джульярдской музыкальной школе в Нью-Йорке. Нине было трудно зарабатывать на жизнь классической пианисткой, и она обратилась к поп-музыке, включив в свои выступления элементы джаза, блюза и фолка. Нина Симон, обладательница удивительно богатого и гибкого вокала, выступала также как пианистка, танцовщица и актриса. За свою карьеру Нина Симон выпустила 170 студийных и концертных альбомов и синглов, сотрудничала с Кёртисом Мэйфилдом, музыкантом и идеологом афроамериканской музыки, и американской музыкальной группой Staple Singers.

Песни Нины Симон звучали в различных фильмах и рекламных роликах на протяжении многих лет: I Put a Spell on You (1965) – в фильме «Большой Лебовски» режиссеров Джоэла и Итана Коэнов (1998), а песня My Baby Just Cares for Me (1958) – в рекламе Chanel № 5 Ридли Скотта (1989) с Кэрол Буке в главной роли. В 2018 году Нина Симон была включена в Зал славы рок-н-ролла.

Американский художник русинского происхождения Энди Уорхол (настоящее имя – Андрей Варгола, 1928–1987) был подлинной звездой поп-арта – художественного движения, противопоставлявшего традициям изобразительного искусства образы массовой культуры и механическое воспроизведение.

Энди Уорхол в Еврейском музее, Нью-Йорк, США. 1980 © Wikimedia Commons

Он родился в Питтсбурге, штат Пенсильвания, в 1928 году. После учебы в Технологическом институте Карнеги Уорхол переехал в Нью-Йорк, где начал карьеру рекламного дизайнера. Эксперименты с новыми техниками и материалами помогли ему стать лидером поп-арта. Созданная им в 1962 году серия «32 банки с супом “Кэмпбелл”» представляет собой 32 полотна, на каждое из которых в технике ручной печати нанесено изображение банки с супом определенного сорта. Уорхол успешно работал с образами звезд эстрады, кино и даже политики – Мэрилин Монро, Элвиса Пресли, Мао Цзэдуна и др. Художнику ошибочно приписывают выражение «15 минут славы», часто используемое в индустрии развлечений.

А вы знаете?

В 1961 году, когда художник Рой Лихтенштейн прославился картиной «Смотри, Микки», Энди Уорхол отчаянно искал концепцию, которая позволила бы ему вырваться вперед. Знакомая галеристка Мюриэль Лэтоу продала ему за 50 долларов идею рисовать банкноты. Художник воплотил ее в знаменитой шелкографии «200 однодолларовых купюр» (1962). В 2009 году эта работа была продана на аукционе за 43 млн долларов. Идея работы с банками супа «Кэмпбелл» и «Кока-колы» также исходит от Мюриэль Лэтоу: именно она посоветовала ему создавать копии предметов, которые люди используют ежедневно и потому не замечают.

Нора Джонс (полное имя – Гитали Нора Джонс Шанкар) – американская джазовая певица, родившаяся 30 марта 1979 года в Нью-Йорке в семье индийского ситариста Рави Шанкара и концертного продюсера американки Сью Джонс. Нора Джонс начала петь и играть на фортепиано в юном возрасте, позднее изучала джазовое фортепиано в Университете Северного Техаса.

Певица прославилась благодаря мелодичному, проникновенному голосу и уникальному стилю, сочетающему джаз, фолк и поп-музыку. За свою карьеру она выпустила несколько успешных альбомов: Feels Like Home (2004), Not too late (2006) и др. К числу ее самых известных песен относятся Don’t Know Why (2002), Sunrise (2004) и Thinking About You (2007). Двадцать третьего февраля 2003 года на 45-й церемонии награждения «Грэмми» 23-летняя Нора Джонс получила сразу восемь премий. Одна из них, в номинации «Лучший альбом года», досталась ее дебютному альбому Come Away With Me.

Шарль Лебрен (1619–1690) – французский художник и теоретик французского искусства, первый художник Людовика XIV. Полотно «Царицы Персии у ног Александра» (1660–1661), написанное для короля, – одна из самых известных его работ.

Под влиянием Караваджо (1571–1610), итальянского художника эпохи барокко, Шарль Лебрен часто использовал в своих работах контраст света и тени для создания ощущения глубины и драматизма. Он был также искусным рисовальщиком, обладавшим необыкновенной способностью передавать движение и экспрессию объектов. Шарль Лебрен отвечал за все художественные проекты королевского двора. Он лично декорировал и расписывал галерею Аполлона в Лувре, интерьеры замка Сен-Жермен, знаменитую Зеркальную галерею Версальского дворца. Как директор Королевской академии живописи и скульптуры он горячо отстаивал важность классической традиции в искусстве. Согласно Шарлю Лебрену, основная роль художника – представлять в своих творениях величие государства.

Огюст Ренуар (1841–1919) – французский живописец-импрессионист. Его стиль характеризуется использованием насыщенных цветов и свободных мазков. Художника интересовали красота и радость повседневной жизни. На его картинах часто изображены люди, наслаждающиеся жизнью в садах, парках и кафе. Огюст Ренуар черпал вдохновение из различных источников, включая работы Тициана, Рубенса и других импрессионистов – Клода Моне и Эдгара Дега. На него также оказали влияние работы его современника Пьера Огюста Кота. Художник оставил после себя более 4000 полотен, самые известные из которых – «Бал в Мулен де ла Галетт» (1876), «Завтрак гребцов» (1881) и «Зонтики» (1886). Эти картины считаются шедеврами импрессионизма. Художественное наследие Огюста Ренуара прослеживается в работах художников-фовистов и экспрессионистов.

Двадцать шестого февраля 1917 года группа Original Dixieland Jass Band сделала первую джазовую запись в компании Victor Talking Machine в Нью-Йорке. Эти записи, в состав которых вошли песни Livery Stable Blues и Dixie Jass Band One-Step, были выпущены в марте 1917 года и имели коммерческий успех.

Группа, созданная в Новом Орлеане в 1916 году, состояла из пяти музыкантов: Ник ЛаРокка (корнет), Ларри Шилдс (кларнет), Эдвин Эдвардс (тромбон), Генри Рагас (фортепиано) и Тони Сбарбаро (барабаны). Уникальный стиль группы, основанный на коллективной импровизации и живом, энергичном ритме, способствовал популяризации джазовой музыки. Original Dixieland Jass Band продолжали выступать в течение нескольких лет и оказали значительное влияние на развитие джазовой музыки.

Хоакин Соролья-и-Бастида (1863–1923) – самый известный испанский художник начала ХХ века – родился в Валенсии. Соролья учился сначала в академии Сан-Карлос в родном городе, а затем переехал в Мадрид, чтобы учиться в Королевской академии изящных искусств. Испанская школа живописи и ее главные представители – Франсиско де Гойя и Диего Веласкес – оказали большое влияние на ранние работы Хоакина Сорольи. Вскоре художник обратился к импрессионизму, в рамках которого выработал свой собственный стиль. Его живопись отличают свежий колорит и блистательная передача световоздушной среды. Наиболее известные картины Хоакина Сорольи – «Возвращение с рыбалки» (1894), «Печальное наследство» (1899), «Лодки в Валенсии» (1904), «Дети на пляже» (1909) и 14 панно «Видение Испании» (1913–1919). Художник умер в 1923 году, оставив после себя более 2000 картин, сегодня находящихся в музеях по всему миру.

«Калевала» (фин. «Земля Калевы») – это сборник из 32 песен (в первоначальной версии), составленный финским сельским врачом Элиасом Лённротом. В его основу легло собрание мифов и легенд из традиционного финского и карельского фольклора, которые передавались из поколения в поколение. Это источник религиозных представлений финнов и карел, в котором показана история сотворения мира и приключения героических персонажей.

«Калевала» – одно из самых значимых произведений финской литературы – стала краеугольным камнем национального самосознания. Двадцать восьмое февраля, день публикации «Калевалы», является в Финляндии национальным праздником.

«Калевала» вдохновляла финских художников и музыкантов. Лидер финского национально-романтического движения, художник Аксели Галлен-Каллела, написал серию картин по мотивам «Калевалы», изобразив сцены и персонажей из эпической поэмы «Защита Сампо» (Sammon puolustus, 1896). Композитор Жан Сибелиус также черпал вдохновение из этой поэмы для создания нескольких своих произведений, включая «Судьбу Куллерво» (1892) – хоровую симфонию, посвященную трагической истории героя-мстителя Куллерво, персонажа «Калевалы».

Шедевр эллинистического искусства Венера Милосская на самом деле посвящен Афродите – именно так называли богиню любви древние греки. В 1820 году на острове Милос в Эгейском море скульптуру обнаружил крестьянин, искавший камни для строительства стены. Посол Франции маркиз де Ривьер выкупил Венеру Милосскую и 1 марта 1821 года преподнес ее в дар королю Людовику XVIII. Монарх передал ее в дар Лувру в Париже, где она и представлена в настоящее время. Двухметровая статуя высечена из паросского мрамора около 150 года до н. э. Руки полуобнаженной богини утрачены, но, по мнению ряда ученых, она касалась ими бедер. Поверхность скульптуры подверглась значительным разрушениям, что затрудняет определение ее первозданного внешнего вида.

А вы знаете?

Авторство Венеры Милосской до сих пор является предметом оживленных споров среди специалистов. Некоторые утверждают, что статуя является копией утраченного оригинала, а другие считают, что это и есть оригинальная работа. Традиционно скульптуру приписывают Александру Антиохийскому, однако стилистика статуи отличается от других произведений этого мастера.

Венера Милосская. Ок. 130–100 гг. до н. э. © Wikimedia Commons

Серж Генсбур (настоящее имя – Люсьен Гинзбург, 1928–1991) – французский автор-исполнитель песен, актер и режиссер, известный своими провокационными произведениями – входит в число самых влиятельных фигур в истории французской культуры. Он начинал как художник, но в 1950-е годы обратился к музыке. Музыкальный стиль Генсбура эклектичен, соединяя в себе элементы поп-музыки, рока и даже регги. Его манеру пения называли ленивой и бунтарской. Генсбур часто затрагивал запретные темы: секс, наркотики, жестокость. Среди самых его известных песен – Initials B. B. (1968), Je t’aime… moi non plus (1969) и Lemon Incest (1984). Серж Генсбур также сыграл в пяти десятках фильмов. Как режиссер он снял ряд картин, включая фильм, названный, как и его песня, Je t’aime moi non plus (1976). В фильмах Генсбура снималась его муза и спутница Джейн Биркин (1946–2023).

«Кармен» – опера французского композитора Жоржа Бизе (1838–1875). Либретто написали Анри Мельяк и Людовик Галеви, вдохновленные одноименным рассказом французского писателя Проспера Мериме. Это история о пылкой и соблазнительной фабричной работнице Кармен, влюбившейся в солдата дона Хосе. Испанские ритмы и мелодии оказали большое влияние на это произведение Бизе, полное страсти и чувственности. Самая известная ария – L’amour est un oiseau rebelle, исполняемая Кармен в первом акте, – написана на основе habanera, латиноамериканской музыки с чувственным ритмом.

Антонио Лучо Вивальди (1678–1741) – итальянский композитор и скрипач-виртуоз эпохи барокко. Он родился в Венеции и начал музыкальную карьеру в десять лет, подменяя отца на скрипке в оркестре базилики Святого Марка. Вивальди сочинил множество концертов и опер, а также произведений камерной и духовной вокальной музыки.

В наши дни едва ли не самым узнаваемым произведением эпохи барокко стали «Времена года» – четыре концерта для скрипки из двенадцати, вошедших в сборник «Спор гармонии с изобретением». При жизни Вивальди его произведения много исполнялись и вызывали всеобщее восхищение, однако после его смерти оказались забыты вплоть до ХХ века. Музыка Вивальди оказала большое влияние на развитие музыки, особенно таких форм, как концерт и соната.

В городе Нимруд на территории Северного Ирака находятся руины Кальху – одной из столиц Ассирийской империи, которая была основана в XIII веке до н. э. В 2014 году террористическая организация «Исламское государство»[6] захватила город Мосул неподалеку от Нимруда, разграбила и уничтожила множество древних руин. Пятого марта 2015 года террористы использовали бульдозеры для уничтожения «идолопоклоннических» и «неисламских» статуй и других артефактов. Наиболее значительные разрушения произошли во дворце царя Ассирии Ашшурнацирапала II. Многочисленные статуи царей и ламассу, барельефы и клинопись были повреждены. Эти разрушения широко осуждались международным сообществом ЮНЕСКО, которое включило этот объект в список Всемирного наследия, находящегося под угрозой. Разрушение этих объектов представляет собой не только утрату важного культурного наследия, но и уничтожение значительной части истории человечества.

Микеланджело (полное имя – Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони, 1475–1564), одна из самых известных личностей в истории искусства, – итальянский художник, скульптор, архитектор и поэт эпохи Высокого Возрождения. Он родился 6 марта 1475 года в небольшом тосканском городке Капрезе и с раннего возраста проявил художественный талант.

В 1508 году папа Юлий II поручил Микеланджело расписать потолок Сикстинской капеллы в Ватикане. Работа над проектом продолжалась четыре года. Микеланджело написал сцены из Книги Бытия, включая знаменитое изображение Бога, создающего Адама. Микеланджело был также высококлассным архитектором и скульптором. Его первые знаменитые скульптуры «Дионис» (1497), «Пьета» (1499) и «Давид» (1504) – шедевры искусства эпохи Ренессанса. А спроектированный им в 1555 году купол базилики Святого Петра является одним из технических достижений эпохи Возрождения.

We Are the World – песня, записанная группой американских артистов, объединенных благотворительным проектом USA for Africa. Ее написали Майкл Джексон и Лайонел Ричи и спродюсировали Куинси Джонс и Майкл Омартиан. В песне звучат голоса крупнейших представителей американской популярной музыки: Майкла Джексона, Лайонела Ричи, Стиви Уандера, Боба Дилана, Рэя Чарльза, Дайаны Росс, Брюса Спрингстина и многих других. Сингл был выпущен 7 марта 1985 года и имел огромный коммерческий успех. В американском хит-параде Billboard Hot 100 песня We Are the World закрепилась на четыре недели и возглавила чарты 13 других стран. Средства от продажи альбома были переданы в помощь голодающим в Эфиопии, составив в общей сложности 63 млн долларов.

В мире искусства достаточно мало женщин, которые являются авторами мировых шедевров. Их значение часто игнорируется или отводится на второй план. Однако в истории было много талантливых и влиятельных женщин-художниц, которые внесли важный вклад в искусство и проложили путь мастерам будущих поколений.

Одной из первых женщин, добившихся признания в мире искусства, где господствовали мужчины, стала итальянская художница Артемизия Джентилески (1593–1653). Аугуста Сэвидж (1892–1962) – афроамериканская скульптор, известная и своими реалистичными скульптурами афроамериканских фигур, и борьбой за равноправие чернокожих художников. Бьорк Гвюндсдоуттир (род. 1965) – исландская певица, автор песен и продюсер, актриса. Ее творчество включает в себя элементы электронной, экспериментальной, классической и трип-хоп музыки.

Le Carnaval des Animaux (фр. «Карнавал животных») – музыкальная композиция Камиля Сен-Санса (1835–1921), французского композитора, писателя и педагога. Она представляет собой сюиту из 14 частей, в каждой из которых появляется животное или группа животных. Впервые произведение было исполнено 9 марта 1886 года в доме виолончелиста Шарля Жозефа Лебука. Изначально такое разнообразие инструментальных пьес было задумано для развлечения друзей. Тем не менее сюита была опубликована и быстро стала популярной. Каждая пьеса выразительно передает характер каждого животного.

Камиль Сен-Санс был вундеркиндом в детстве, а возмужав, стал ведущей фигурой в музыкальной жизни Франции. Диапазон его произведений очень широк, от оперы до камерной музыки. Он также был искусным пианистом и органистом.

В этот день художник и коллекционер Гюстав Кайботт (1848–1894) купил картину импрессиониста Клода Моне (1840–1926) «Вокзал Сен-Лазар». На полотне изображен парижский вокзал: паровоз, платформы и здания. Эта работа входит в серию из 12 картин, посвященных Сен-Лазару, и служит прекрасным образцом мастерства Моне в передаче эффектов света, цвета и воздушной среды. Картина прекрасно передает энергию и движение современного городского пейзажа. Это одно из знаковых произведений Моне. В настоящее время картина «Вокзал Сен-Лазар» хранится в музее Орсе в Париже.

Клод Антуан Мари Франсуа – французский певец, композитор и танцор 1960–1970-х годов. Он родился 1 февраля 1939 года в Египте. Прежде чем связать жизнь с музыкой, он работал банковским служащим. Однако, к большому огорчению отца, Клод Франсуа покинул банк и стал барабанщиком в Большом оркестре Монте-Карло, а затем певцом. За свою певческую карьеру он выпустил 28 альбомов, некоторые из которых стали культовыми: Belles, belles, belles (1962), Le lundi au soleil (1972), Cette année-la (1976) и Alexandrie Alexandra (1978). Большинство своих песен Клод Франсуа написал сам. Он собирал аншлаги на свои энергичные концерты с танцовщицами-«клодеттками». Он обладал также неповторимой манерой во взаимодействии с публикой.

В 39 лет певец трагически погиб в Париже: его ударило током в ванной. Смерть Клода Франсуа стала шоком для французов и вызвала глубокую скорбь. Его музыка до сих пор остается популярной во Франции и других франкоязычных странах.

Аниш Капур – британский скульптор индийского происхождения, родившийся в Бомбее. После обучения в области электротехники он в 1973 году переехал в Лондон, чтобы изучать искусство и получить творческую профессию. Больше всего его интересовало обращение со светом и пространством. Он создавал свои скульптуры так, чтобы они взаимодействовали с окружающей средой интригующими и неожиданными способами. Одной из самых известных его работ являются «Облачные ворота», установленные в 2004 году в чикагском Миллениум-парке. Отполированную до блеска скульптуру составляют 168 пластин из нержавеющей стали. Посетители могут пройти под ней. На ее зеркальной поверхности играет искаженное отражение городского ландшафта.

За свою карьеру скульптор получил множество наград и премий. В 1991 году он стал лауреатом престижной премии Тёрнер. Аниш Капур создавал масштабные скульптуры для нескольких крупных международных выставок: La Biennale de Venise, Documenta и le Pavillon de La Serpentine Gallery.

Селин Дион (род. 1968) – канадская певица, композитор и актриса. Она начала карьеру в 1980-х годах и с тех пор продала более 250 млн дисков по всему миру. Певица известна своим мощным голосом и умением взаимодействовать с публикой. На ее музыкальный стиль повлияли разнообразные жанры: поп-музыка, рок, ритм-энд-блюз и классическая музыка.

Сингл Pour que tu m’aimes encore вышел на ее франкоязычном альбоме D’eux. Его написал французский певец и композитор Жан-Жак Голдман (род. 1951). Слова песни выражают желание быть снова любимой после неудачных отношений. Песня получила коммерческий успех, оставаясь в течение 12 недель лидером продаж во Франции. В 1996 году Pour que tu m’aimes encore завоевала музыкальную премию Victoire de la musique. Эта песня является одной из самых известных песен Селин Дион. Песня My Heart Will Go On стала саундтреком к фильму «Титаник» (1997).

Фрэнк Заппа (1940–1993) – американский музыкант, композитор и дирижер, известный своим новаторским подходом к рок-музыке. Одно из его первых появлений на телевидении состоялось в выпуске «Шоу Стива Аллена», посвященном необычным музыкальным инструментам. Фрэнк Заппа сыграл… на велосипеде! Он извлекал звук, касаясь спиц барабанными палочками. Это выступление Фрэнка Заппы сделало его узнаваемым музыкантом с индивидуальным стилем.

«Круг и квадрат» – группа художников-абстракционистов, основанная в 1929 году уругвайским художником и писателем Хоакином Торресом Гарсиа (1874–1949) и франко-бельгийским художником и поэтом Мишелем Сёфором (1901–1999). Три выпуска журнала «Круг и квадрат», изданные группой, стали ее манифестом. Художники противопоставили свое искусство доминирующим в то время сюрреализму и экспрессионизму, опиравшимся на субъективно-эмоциональный опыт.

«Круг и квадрат» сосредоточился на абстракции и геометрических формах как средствах выражения универсальных и вечных ценностей. Художники стремились создать новую форму искусства, не ограниченную личными эмоциями или субъективными переживаниями художника.

Группа «Круг и квадрат» была распущена в 1930 году после проведения выставки. Однако ее идеи и принципы продолжали влиять на развитие абстракции и геометрического искусства на протяжении всего XX века.

Французская художница-анималист Роза Бонёр (1822–1899) родилась в Бордо.

Чтобы достичь высочайшего уровня точности в своих работах, она изучала животных в их естественной среде обитания, в зоопарках и на фермах. Одна из самых известных картин художницы – Le Marché aux chevaux (1852–1855) – хранится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке. Роза Бонёр выставила ее в неоконченном виде на Парижском салоне 1853 года, где работа получила высокую оценку за искусное исполнение и точность в изображении животных. Художница показывала животных с большой чуткостью, избегая общепринятого образа покорного животного.

Роза Бонёр – важная фигура в мире искусства своего времени, ставшая образцом для многих женщин-художниц.

В этот день итальянский парламент торжественно провозгласил создание Королевства Италия. Прежде независимые государства Апеннинского полуострова объединились под властью короля Виктора-Эммануила II, первого правителя национальной державы. Для итальянцев эта дата имеет большое значение.

Капитолийская волчица © Wikimedia Commons

Символом страны считается бронзовая скульптура «Капитолийская волчица», кормящая будущих основателей Рима, Ромула и Рема. Согласно легенде, брошенные младенцы-близнецы были выкормлены волчицей. С 1471 года «Волчица» хранится в Капитолийском музее в Риме. Некоторые исследователи утверждают, что ее создал флорентийский скульптор и живописец Антонио Поллайоло (1433–1498). Другие склоняются к тому, что он лишь добавил фигуры близнецов к древней статуе.

А вы знаете?

Размер скульптуры – 75 см в высоту и 114 см в длину – близок средней величине волчиц.

В этот день итальянский певец Энрико Карузо (1873–1921) спел в специально оборудованной студии под запись. Его голос был записан на фонограф (восковые цилиндры). Так началась история звукозаписывающей индустрии. Человеческий голос впервые записал на фонограф американский изобретатель Томас Эдисон (1847–1931) в 1877 году. Этот метод использовался для записи диктовки, музыки, «говорящих книг» для слепых, обучающих текстов. В записи на фонограф использовалась цилиндрическая опора, покрытая тонким слоем воска, на которую звуковые колебания передавались при помощи стилуса. Борозды, созданные колебаниями воска, воспроизводились стилусом, который проходил по этим бороздам и преобразовывал вибрации в звук. Первые записи Энрико Карузо имели большой успех у публики. Певец записал песни на нескольких языках для крупнейших компаний – изготовителей фонографов: Fonotipia Records, Victor Talking Machine Company.

Виллем де Кунинг (1904–1997) – один из великих мастеров абстрактной живописи.

В начале творческого пути он черпал вдохновение у пионеров абстрактного экспрессионизма – Джексона Поллока (1912–1956) и Аршила Горки (1904–1948). Его работы отличают энергичные мазки ярких цветов, передающие движение. Художник использует наложение красок для создания объема и сложности. Серия картин с женскими фигурами (1938–1944) – одна из знаковых работ ХХ века. Художник начал работу над этими полотнами в 1950-х.

Франс Галль (1947–2018) – французская певица, прославившаяся во многом благодаря выступлению на конкурсе «Евровидение» 1965 года. Представляя Люксембург, Франс Галль одержала победу с песней Poupée de cire, poupée de son. Запоминающиеся ритм и припев вознесли песню на вершины французских чартов. Poupée de cire также принесла известность ее автору Сержу Генсбуру (1928–1991).

Впоследствии Франс Галль выпустила множество альбомов и синглов и снискала многочисленные восторженные отзывы. Laisse Tomber les Filles (1965), Les Sucettes (1966), Résiste (1981) и Ella, elle l’a (1987) – наиболее известные песни певицы. Франс Галль скончалась в 2018 году, но ее музыка все еще звучит по всему миру.

Саксофон – тростевой духовой инструмент – изобрел и запатентовал бельгийский конструктор музыкальных инструментов Адольф Сакс (1814–1894). В имени своего изобретения он соединил собственную фамилию, Sax, со словом phônê (греч. «звук»). На саксофоне играют, вдувая в мундштук воздух. Высота тона меняется при нажатии клавиш, которые открывают и закрывают отверстия в корпусе инструмента. Уникальный звук придает саксофону вибрирующий на мундштуке «язычок». Сакс обладает широким диапазоном звуков. Инструмент имеет большое разнообразие размеров и типов, но наибольшее распространение получил альтовый. Сегодня почти все музыкальные жанры используют этот инструмент: джаз, блюз, рок, поп, латинская и классическая музыка. Джон Колтрейн (1926–1967), Чарли Паркер (1920–1955), Сонни Роллинз (род. 1930), Кларенс Клемонс (1942–2011) – самые известные саксофонисты в истории музыки.

Изумрудный Будда (на тайском Пхра Кео Моракот) – одна из самых почитаемых буддийских статуй в мире. Шестидесятисантиметровый медитирующий Будда выполнен из жадеита (драгоценного минерала зеленого цвета) и украшен золотом. Происхождение статуи точно неизвестно, но предположительно она была создана в XV веке на северо-востоке Таиланда.

Двадцать второго марта 1784 года статую перенесли в храм Изумрудного Будды (Ват Пхра Кео) в Бангкоке, столице Таиланда. Легенда гласит, что храм был выстроен специально для Изумрудного Будды по приказу короля Рамы I (1737–1809). Сегодня это один из самых посещаемых буддийских храмов в Таиланде.

Британская рок-группа Pink Floyd была образована в 1965 году и очень скоро вошла в число самых популярных групп всех времен. Альбом The Dark Side of the Moon – один из самых известных и признанных критиками альбомов. Он сразу же добился коммерческого успеха, продержавшись 15 лет на вершине музыкального чарта Billboard 200. Продажи альбома превысили 50 млн экземпляров. Песни этого альбома отражают чувство подавленности и тревоги, являясь истинным отражением душевного состояния группы в то время. В них затрагиваются такие темы, как психические заболевания, жадность, скоротечность времени и удел человека. Электронные инструменты позволили музыкантам создать совершенно новые эффекты звучания. Наиболее значимые композиции альбома – Money, Us and Them, Time, The Great Gig in the Sky и Eclipse.

Элвис Пресли (1935–1977) – американский певец, музыкант и актер, при жизни получивший титул «король рок-н-ролла». Начав сценическую карьеру в середине 1950-х годов, он вскоре прославился. Особенный успех имели его песни Hound Dog (1956), Love Me Tender (1956) и Jailhouse Rock (1957).

В декабре 1957 года, на пике карьеры, Элвис Пресли был призван в армию США. Двадцать четвертого марта 1958 года он прибыл на базовую подготовку в Форт Чаффи, штат Арканзас, откуда его направили в Форт Худ, штат Техас. Затем он более года находился в Германии. Элвис Пресли был демобилизован 5 марта 1960 года в звании сержанта. Во время военной службы Пресли записывал музыку и даже выпустил несколько альбомов. На него сильно повлияла афроамериканская музыка: ритм-энд-блюз, госпел, а также кантри, в особенности творчество Хэнка Уильямса и Джимми Роджерса.

Французский художник-концептуалист Даниель Бюрен родился в Булонь-Бийанкуре. Он учился в Национальной высшей школе искусств и ремесел в Париже. В начале 1960-х годов художник нашел прием, ставший его отличительным знаком, – чередование белых и цветных полос, позволивший создавать оптические эффекты и добиваться выразительного взаимодействия с окружающей средой. Даниель Бюрен выставлял свои работы на фасадах зданий и в парках, работая с архитектурой и пространством. Знаменитые «колонны Бюрена» (1985) установлены во дворе Пале-Рояля в Париже. Работы Бюрена выставлялись на многочисленных персональных и групповых выставках по всему миру: на Венецианской биеннале, где художник был удостоен «Золотого льва» за лучший павильон, в лондонской галерее Тейт и в Центре Помпиду в Париже.

В этот день Франц Шуберт (1797–1828), великий австрийский композитор и пианист, дал концерт в Вене, ставший его единственным публичным выступлением в роли дирижера. Прожив недолгую жизнь, он успел написать более тысячи произведений: оперы, симфонии, камерную музыку и lieder (поэма, исполняемая одним вокалистом под аккомпанемент фортепиано или инструментального ансамбля). «Прекрасная мельничиха» (1823), «Зимний путь» (1827) – самые известные композиции Шуберта, представляющие собой циклы песен на стихи немецкого поэта-романтика Вильгельма Мюллера (1794–1827). Самыми популярными симфониями композитора являются Симфония № 8 си минор (1822) («Неоконченная симфония») и Симфония № 9 до мажор (1825) («Большая симфония»). Репутация Шуберта-композитора значительно возросла после его смерти. Он вошел в историю как основоположник романтизма в музыке. Сегодня его произведения принадлежат к числу самых исполняемых.

Radio Caroline – одна из первых и самых известных пиратских радиостанций в Великобритании. Ирландский ученый Ронан О’Рахилли (1921–2018) основал ее в 1964 году как альтернативу радиостанции BBC, подконтрольной государству. Станция начала вещание с корабля Fredericia, стоявшего на якоре в международных водах. Radio Caroline быстро набрало популярность, особенно среди молодежи. Дело в том, что станция транслировала рок- и поп-музыку, которые редко звучали в эфире BBC. На ней началась карьера многих известных диджеев, например Тони Блэкберна.

Британское правительство, обеспокоенное нарушением существовавшего радиорынка, объявило незаконным вещание с кораблей, стоящих на якоре в британских водах. Это привело к закрытию большинства пиратских радиостанций. В 1991 году судно село на мель во время шторма – и Radio Caroline прекратило существование.

Художник Марк Шагал родился в 1887 году в Витебске, на территории современной Беларуси. Он начал творческую карьеру в Российской империи, а в 1910 году переехал в Париж, где испытал влияние фовизма и кубизма. Картины Марка Шагала отличают яркий колорит, фантазийная образность и глубокая эмоциональность. В течение всей своей творческой жизни он использовал одни и те же символы и мотивы: летящие фигуры, город Витебск, буквы иврита и религиозные образы. Он умер в Сен-Пол-де-Ванс во Франции.

Наследие Марка Шагала продолжает жить благодаря множеству посвященных ему выставок и книг. Масштабные персональные выставки проходили в Музее современного искусства в Нью-Йорке и в галерее Тейт в Лондоне.

В этот день группа фермеров из китайской провинции Шэньси сделала одно из самых важных археологических открытий XX века, обнаружив Терракотовую армию. Это коллекция из восьми тысяч терракотовых статуй солдат, лошадей и колесниц. Они были захоронены в гробнице первого императора Китая Цинь Шихуанди (259–210 до н. э.), чтобы защищать императора в загробном мире. Каждая статуя имеет уникальные черты и выражение лица: по всей видимости, при их создании использовались в качестве моделей реальные люди.

Терракотовая армия. Шэньси, Китай. 210 г. до н. э. © Wikimedia Commons

Винсент Ван Гог. Сад священника в Нюэнене весной. 1884 © Wikimedia Commons

А вы знаете?

Статуи Терракотовой армии первоначально были окрашены в яркие цвета, но со временем пигменты потускнели. Однако мультиспектральная съемка позволила ученым восстановить оригинальные цвета в цифровом формате.

Ранним утром этого дня из музея Зингера Ларена в Нидерландах была украдена картина «Сад священника в Нюэнене весной» Винсента Ван Гога (1853–1890). Музей в этот период был закрыт в связи с пандемией коронавируса. Полицейское расследование пока не привело к возвращению картины. На холсте изображен сад в деревне, где Ван Гог провел юность. Написанный в 1884 году, пейзаж принадлежит раннему периоду его творчества. Ценность картины состоит в том, что она дает представление о зарождении стиля Ван Гога и содержит мотивы, которые он впоследствии развивал на протяжении всей жизни. Стоимость этой небольшой картины, написанной маслом на холсте, оценивается в несколько миллионов евро.

Жан-Филипп Рамо (1683–1764) – французский композитор, музыкальный теоретик и органист. Одно из его самых известных произведений – лирическая комедия «Платея». Эта опера-балет была впервые исполнена 31 марта 1745 года в Версале по случаю бракосочетания сына Людовика XV с инфантой Испании Марией Терезой. Сюжет оперы-балета основан на истории о нимфе Платее, которую обманывали Юпитер и другие боги: ее заставили поверить в свою красоту, чтобы вызвать ревность Юноны, жены Юпитера.

Инфанта Мария Тереза не отличалась красотой, поэтому некоторые посчитали такой выбор сюжета оскорблением в адрес короля. Это не помешало Жан-Филиппу Рамо получить должность магистра музыки в королевских апартаментах. В комедии сочетаются танец и оркестровка, а использование инструментов изобретательно и оригинально. «Платею» и не менее популярную оперу-балет «Галантная Индия» (1735) сегодня исполняют и в оригинальной форме, и в современных адаптациях.

Первого апреля 1910 года на Салоне независимых публике представили картину, подписанную неизвестным итальянским художником Иоахимом-Рафаэлем Боронали. Она сразу же привлекла внимание любителей искусства. Картина «И солнце уснуло над Адриатикой» написана в ярких голубых тонах, переходящих в оранжевые. Некоторые художественные критики сравнили эту картину со знаменитым полотном «Впечатление. Восходящее солнце» французского художника-импрессиониста Клода Моне (1840–1926). Боронали опубликовал также манифест, призывая впадать в крайности во всем, разрушать музеи и установившиеся порядки.

После выставки к директору популярного издания L’illustration пришел богемный журналист и писатель Ролан Доржелес и предоставил доказательства того, что картину написал… осел! Именно Ролан попросил владельца кабаре одолжить ему осла по кличке Лоло. В присутствии нотариуса Лоло нанес на холст мазки краски кисточкой, прикрепленной к хвосту. Итальянская фамилия Боронали была не чем иным, как анаграммой от французского слова «aliboron», что значит «осел» – имя нарицательное из басни Лафонтена «Воры и осел». Цель обмана Доржелеса состояла в том, чтобы высмеять авангард и претенциозность современного искусства. Коллекционер Андре Майос приобрел работу и передал ее в дар Приюту искусств.

Людвиг ван Бетховен (1770–1827) – великий немецкий композитор, пианист и дирижер, осуществивший переход от классицизма к романтизму в западной классической музыке. Среди его многочисленных произведений важнейшее место занимают девять симфоний.

Симфония № 1 до мажор, написанная 2 апреля 1800 года в Вене, – типичный пример классической симфонии в четырех частях. Это произведение отразило влияние на творчество Бетховена австрийских композиторов Франца Йозефа Гайдна (1732–1809) и Вольфганга Амадея Моцарта (1756–1791). Симфонию отличают изобретательное использование духовых инструментов и смелые гармонические прогрессии. Великие инновации, начатые Бетховеном в этом произведении, композитор реализовал в следующих восьми симфониях.

Третьего апреля 1897 года группа австрийских художников образовала творческое объединение Венский сецессион. Его основатели исследовали новые стили и техники, выходя за рамки академических стандартов. Один из основателей группы, австрийский художник Густав Климт (1862–1918), в 1898 году стал президентом Сецессиона. Для стиля архитектуры и оформления интерьера, ассоциируемого с Венским сецессионом, характерно использование плавно изогнутых линий, органических форм и мотивов (рыбы, птицы, растения), а также металла и стекла. Члены Венского сецессиона организовывали выставки во Дворце Сецессиона и распространяли свои идеи в журнале Ver sacrum. Движение значительно повлияло на модернистское искусство и заложило основы немецкой школы Баухаус.

В этот день французский художник-постимпрессионист Поль Гоген (1848–1903) отправился на Таити. Он искал новое пространство, где мог бы свободно жить и творить, без ограничений и предписаний западного общества, на островах Тихого океана. На Таити он жил среди туземцев и создал свои самые известные работы: «У человека есть топор» (1891) и «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?» (1897–1898). Художник открыл для себя новую реальность, пропитанную меланхолией народа маори. Яркие цвета и плоскостность форм отразили интерес Гогена к искусству, существующему вне европейских традиций. Жизнь на Таити глубоко повлияла на стиль художника, ставшего новатором примитивизма.

Американский рок-музыкант и автор песен Курт Кобейн (1967–1994) прославился как основатель и лидер рок-группы Nirvana. Кобейн создал группу в 1987 году вместе с басистом Кристом Новоселичем; позднее к ним присоединился барабанщик Дэйв Грол. Группа быстро обрела известность в США. Второй альбом группы, Nevermind (1991), не только сделал Курта Кобейна международной звездой, но также популяризировал музыкальные стили гранж и альтернативный рок. Грубоватый тембр голоса, интроспективные тексты и необычные композиции сделали музыканта голосом целого поколения и иконой музыкальной сцены 1990-х годов. Его музыка сильно повлияла на панк-рок, хэви-метал и альтернативную музыку.

Курт Кобейн боролся с наркотической зависимостью и проблемами со здоровьем, а также с давлением со стороны СМИ. В апреле 1994 года 27-летнего музыканта обнаружили застреленным у себя дома. Причиной смерти официально признали самоубийство. Однако обстоятельства гибели Кобейна стали предметом спекуляций и споров, не прекращающихся на протяжении многих лет.

Шестого апреля 2022 года в Багдаде любители искусства вновь открыли для себя около сотни шедевров. На выставке были представлены картины и скульптуры новаторов современного иракского искусства – Джавада Салима (1919–1961) и Фаика Хасана (1914–1992). Большинство этих шедевров были украдены в 2003 году в период хаоса, последовавшего за свержением Саддама Хусейна и американским вторжением. Организованные преступные сообщества продали произведения искусства за пределы Ирака, после чего их обнаружили в различных странах: Швейцарии, Соединенных Штатах Америки, Катаре и Иордании. На выставке представили работы 1940, 1950 и 1960-х годов.

В настоящее время иракские художники претерпевают последствия политических и социальных изменений в стране. Несмотря на эти трудности, благодаря таким проектам, как Baghdad Walk – серии выставок начинающих художников, – люди имеют представление о современном иракском искусстве.

Эль Греко (настоящее имя – Доминикос Теотокопулос) – греко-испанский живописец, скульптор и архитектор, одна из самых значимых фигур испанского Возрождения. Он родился на острове Крит в 1541 году и жил в нескольких европейских городах: Венеция, Рим и Толедо. Его уникальный стиль сочетает в себе элементы византийского и ренессансного художественных направлений. Эль Греко – мастер портретной живописи, запечатлевший важных личностей своего времени. Он также преуспел в религиозной живописи: сцены из Библии и других религиозных текстов он передавал с драматической интенсивностью и чувством духовности. Самые известные работы художника – «Погребение графа Оргаса» (1586), «Троица» (1577) и «Совлечение одежд с Христа» (1583–1584). Эти картины иллюстрируют его способность создавать богатые цветовые палитры в сочетании с характерными для мастера удлиненными пропорциями фигур.

The Clash – британская музыкальная группа, образованная в Лондоне в 1976 году и оказавшая особое влияние на развитие панк-рока и альтернативного рока. Поклонники определяли их как «The Only Band That Matters» («Единственная группа, которая имеет значение»). Группа выпустила дебютный альбом, The Clash, 8 апреля 1977 года, он был признан одним из величайших образцов панк-рока. В нем представлена смесь панк-рока, регги и ска-панка. Тексты песен затрагивают политические и социальные проблемы: бедность, безработицу и расизм. Хотя движение панк-рока находилось на начальном этапе, дебютный альбом The Clash получил признание критиков. Уникальное сочетание музыкальных влияний и политически окрашенных текстов выделило их среди современников и позволило занять достойное место в истории музыки. London Calling (1979), Sandinista! (1980) и Combat Rock (1982) – наиболее значимые альбомы группы.

А вы знаете?

The Clash являются частью панк-рок-движения, которое появилось из желания отвергнуть традиционное общество и пропагандировать бунтарский подход к жизни. Это отношение отразилось в отстраненно-агрессивном звучании панка, которое резко контрастирует с более осторожной и коммерчески успешной рок-музыкой того времени.

Марсель Дюшан (1887–1968) – франко-американский художник, один из основоположников дадаизма и сюрреализма. Он известен концептуальными работами в рамках антивоенного, антибуржуазного и антихудожественного движения, возникшего во время Первой мировой войны.

«Фонтан» – одна из самых известных работ Дюшана. Она представляет собой перевернутый фарфоровый писсуар, подписанный псевдонимом Р. Матт. Автор представил работу на выставке Общества независимых художников 9 апреля 1917 года в Нью-Йорке – и она была отвергнута выставочной комиссией. Тем не менее «Фонтан» получил известность как символ сомнения в традиционном искусстве и стал ключевым произведением концептуального искусства. Он побуждает зрителей пересмотреть определение искусства и природу художественного объекта.

Марсель Дюшан. Фонтан. 1917 © Wikimedia Commons

А вы знаете?

Дюшан был большим любителем шахмат. Он видел параллель между игрой в шахматы и созданием произведения искусства: и там, и там господствуют стратегия, проницательность и доля случайности. Немецкий художник Мориц Ретч изобразил в картине «Шахматисты» (1911) двух братьев Дюшан во время игры в шахматы.

Извержение вулкана Тамбора в Индонезии, произошедшее 10 апреля 1815 года, оказало большое влияние на творчество Уильяма Тёрнера (1775–1851), одного из величайших художников эпохи романтизма. Метеорологические последствия этого извержения влияли на весь мир в течение нескольких лет. Британский художник наблюдал его атмосферные особенности – пылающие закаты и дымку в небе, возникавшие из-за присутствия в атмосфере вулканического пепла. Уильям Тёрнер использовал этот визуальный опыт во многих картинах, например в «Дидо, строящая Карфаген» (1815). Художник стремился запечатлеть странную и мощную красоту пейзажей, в совершенстве владея искусством передачи света, цвета и движения. Тёрнеру удавалось передать ощущения благоговения перед величием природы, которое внушает изменчивое небо.

Шотландка Сьюзан Бойл (род. 1961) получила известность после того, как 11 апреля 2009 года приняла участие в телевизионном шоу Britain’s Got Talent. Сорокасемилетняя певица произвела впечатление на судей и зрителей трогательным исполнением песни о трудностях жизни и разбитых мечтах – I Dreamed a Dream из мюзикла «Отверженные». Зрителей поразил контраст между ее скромной внешностью и мощным голосом. Выступление Бойл быстро завирусилось на YouTube: видео посмотрели более 260 млн раз. СМИ охарактеризовали ее выступление как редкий феномен. Имя Сьюзан Бойл стало нарицательным в отношении певцов, чей талант признан при первом появлении на публике.

Успех Сьюзан Бойл – прекрасный пример настойчивости в осуществлении мечты. Ее дебютный альбом включили в Книгу рекордов Гиннесса как самый продаваемый. Пребывание на вершине британских и американских хит-парадов в течение 12 месяцев – еще одно рекордное достижение певицы. В дальнейшем артистка выпустила несколько успешных альбомов и гастролировала по всему миру.

Двенадцатого апреля 1954 года американский музыкант Билл Хейли (1925–1981) и его группа The Comets записали песню Rock Around the Clock. Эта знаковая песня послужила росту популярности рок-н-ролла среди широкой публики. Ее написали американские авторы Макс К. Фридман (1893–1962) и Джимми Де Найт (1919–2001). Однако зажигательный танцевальный ритм Rock Around the Clock не сразу достиг популярности. Песня получила коммерческий успех только в 1955 году, когда стала саундтреком к фильму «Школьные джунгли». Rock Around the Clock принесла Биллу Хейли и The Comets позицию одной из самых популярных рок-н-ролльных групп 1950-х годов. Среди других известных работ группы – Mambo Rock (1955) и Saints Rock’n’Roll (1956).

Ника Самофракийская – древнегреческая мраморная статуя, шедевр эллинистического искусства. Французский дипломат и археолог-любитель Шарль Шампуазо (1830–1909) обнаружил ее 13 апреля 1863 года на греческом острове Самофракия, давшем название статуе. Она была изготовлена во II веке до н. э. в честь морской победы жителей острова Родос над антиохийским флотом у Самофракии. Статуя представляет греческую богиню победы Нику в виде крылатой женщины, стоящей на носу корабля, в развевающейся на ветру драпировке. У скульптуры отсутствуют голова и руки. Сейчас статуя является одним из самых значимых экспонатов Лувра.

Ника Самофракийская. II в. до н. э. © Wikimedia Commons

А вы знаете?

Ника Самофракийская вдохновляла многих художников, в том числе испанского художника-сюрреалиста Сальвадора Дали (1904–1989), который часто использовал в своих работах классические мотивы. Его скульптура «Двойная Ника Самофракийская» изображает Нику, касающуюся бюстом своего двойника и образующую с ним единое крылатое существо. Аналогичным способом художник переделал Венеру Милосскую, дополнив ее ящиками.

Французский художник-абстракционист Пьер Сулаж (1919–2022) – один из крупнейших художников XX и XXI веков. Он родился в Родезе и начал рисовать еще в юности. Сулаж стал известен благодаря уникальному использованию черного цвета: густые слои черной краски нанесены кистями, скребками и пальцами. Четырнадцатого апреля 1979 года он впервые полностью покрыл холст черным цветом, создав Peinture 162×127 – черный монохром, который сейчас хранится в Музее Фабр в Монпелье. Сулаж часто смешивал краску с песком или стеклом, придавая дополнительную плотность и глубину монохромной живописи. Художник называл свои работы «сверхчерными», потому что, по его мнению, они проявляют свет за пределами темноты черного цвета.

Леонардо да Винчи (1452–1519) – итальянский художник и ученый эпохи Возрождения. Наиболее известны его «Мона Лиза» и «Тайная вечеря». Леонардо родился 15 апреля 1452 года в деревне Винчи, недалеко от Флоренции. В юности он получил художественное образование в мастерской Андреа дель Верроккьо (1435–1488), выдающегося флорентийского художника. В возрасте 20 лет он стал самостоятельным мастером. Бо́льшую часть своей карьеры он провел во Флоренции.

Произведения Леонардо да Винчи демонстрируют глубокую любознательность и непрекращающееся стремление к знаниям. Его способность объединять искусство и науку – образец междисциплинарного творчества. Наследие Леонардо да Винчи ощущается и сегодня: он остается источником вдохновения для художников, ученых и изобретателей всего мира.

Элизабет Виже-Лебрен (1755–1842) – французская художница-портретист. Ее клиентами были многочисленные члены французской королевской семьи и европейская аристократия. Элизабет родилась в Париже. Она рано получила известность как портретист. В 1778 году художница написала портрет королевы Марии-Антуанетты, что положило начало ее карьере при французском дворе. В дальнейшем она написала множество портретов королевы, короля Людовика XVI, их детей и других членов королевской семьи. Известный пример работы портретистки – «Портрет Марии-Антуанетты с розой» (1783).

В основе стиля Элизабет Виже-Лебрен – легкое и нежное прикосновение кисти. Она использовала пастельные тона и мягкое освещение, подчеркивая выразительность и индивидуальность моделей. Художница блестяще воспроизводила ткани и текстуры.

Джон Уильям Колтрейн (1926–1967), известный также как Трэйн, – знаменитый американский джазовый саксофонист и композитор. Семнадцатого апреля 2007 года музыкант был посмертно удостоен Пулитцеровской премии Колумбийского университета. Эта престижная американская награда присуждается за выдающиеся достижения в области журналистики, литературы, музыки и театра. Только несколько джазовых музыкантов были удостоены этой премии. Награждение Джона Колтрейна стало значимым признанием его вклада в музыку.

Джон Колтрейн известен авангардными техниками игры. Элементы индийской классической музыки и африканских ритмов легли в основу его неповторимого стиля. Альбом A Love Supreme, выпущенный музыкантом в 1965 году, стал одним из шедевров духовного джаза.

Ладонна Адриан Гэйнс (1948–2012), известная как Донна Саммер, – американская певица, исполнявшая музыку в стиле ритм-н-блюз и диско. Включение ее имени в Зал славы рок-н-ролла означает признание творческого таланта певицы, а также важной роли, которую она сыграла в развитии музыки диско. В 1970-е годы Донна Саммер прославилась хитами Love to Love You Babу (1975), I Feel Love (1976) и Last Dance (1978). Ее прозвали «королевой диско». Танцевальная музыка «королевы» сочетает в себе элементы диско, поп и соула. Донна Саммер была одной из первых женщин в музыкальном мире, самостоятельно продюсировавшей песни собственного сочинения.

А вы знаете?

Донна Саммер в конце 1970-х годов подтвердила статус «королевы диско», став первой артисткой, у которой три альбома подряд достигли первого места в американском чарте Billboard 200. Саммер стала также первой чернокожей исполнительницей, получившей премию «Грэмми»: эту награду она получила за песню Hot Stuff в 1979 году.

Фернандо Ботеро Ангуло (1932–2023) – колумбийский художник и скульптор, родившийся в Медельине. Он получил профессиональное образование в Королевской академии изящных искусств Сен-Фердинанд в Мадриде и в Академии Сан-Марко во Флоренции. Темы работ Ботеро разнообразны – от повседневности до политических и исторических событий. Фигуры в его работах преувеличенно крупные и округлые. Картины проникнуты интонацией юмора и игры. Одна из самых известных работ Ботеро – серия картин и скульптур с образами животных: «Птица» (1990), «Лошадь с уздечкой» (1999). Он также известен серией картин «Абу-Грейб» (2005), на которой изображены пытки и жестокое обращение американских солдат с заключенными в тюрьме Абу-Грейб в Ираке.

Популярная в США радиопередача «Ваш хит-парад» транслировалась Национальной радиовещательной компанией (NBC) с 20 апреля 1935 года. Принцип ее работы был прост: каждую неделю группа музыкантов исполняла 15 самых популярных в стране песен в порядке повышения их популярности. Фанфары предупреждали о начале самой популярной песни, занявшей первое место.

Хит-парад быстро стал культурным феноменом: миллионы американцев слушали его каждую неделю, чтобы узнать о музыкальных новинках. В дополнение к музыкальным выступлениям «Ваш хит-парад» включал комедийные скетчи и интервью со знаменитостями, то есть был полноценной развлекательной программой, рассчитанной на широкую публику. Эта концепция получила широкое распространение, но особенное значение приобрела в 1980-е годы, когда на телевидении появились музыкальные видеоклипы.

Давид Черни – современный чешский художник-концептуалист, известный своими провокационными и сатирическими работами. Он родился в Праге в 1967 году и обучался в Высшей школе прикладного искусства. Черни стал известен еще в студенческие годы после того, как выкрасил розовой краской советский танк, установленный в память об освобождении Праги Красной армией. Это действие стало мощным комментарием к истории коммунистического режима в Чехии и символом борьбы за свободу. Наиболее значимыми работами скульптора считаются серия бронзовых скульптур «Младенцы» на Жижковской телебашне в Праге и инсталляция «Энтропа», приуроченная к началу председательства Чехии в Европейском союзе.

В этот день американский джазовый трубач Майлз Дэвис (1926–1991) закончил запись альбома Kind of Blue. В него вошли наиболее известные композиции Майлза Дэвиса: So What, All Blues и Freddie Freeloader. Запись альбома объединила группу первоклассных музыкантов: саксофонистов Джона Колтрейна (1926–1967) и Джулиана «Кэннонболла» Эддерли (1928–1975), пианистов Билла Эванса (1929–1980) и Уинтона Келли (1931–1971), контрабасиста Пола Чемберса (1935–1969) и барабанщика Джимми Кобба (1929–2020). Альбом получил признание критиков и стал одной из главных работ в истории джазовой музыки, до сих пор оставаясь бестселлером.

Майлз Дэвис был одним из лидеров джазовой музыки с 1940-х годов до своей смерти в 1991 году. Он выделялся новаторским подходом к музыке. Опытный импровизатор, он расширил границы традиционного джаза, включив в него элементы рока, фанка и классической музыки.

«Я в зоопарке» – так называлось первое видео на платформе YouTube. Его опубликовал сооснователь YouTube Джавед Карим (род. 1979). Платформа перевернула представление о способе распространения музыки. Она позволила исполнителям бесплатно делиться видео и аудио со всем миром. Это демократизировало музыкальную индустрию и позволило независимым исполнителям распространять свою музыку без необходимости заключать контракт на запись. Многие музыканты и певцы – Джастин Бибер, Эд Ширан и др. – обрели известность именно благодаря этой платформе.

Однако распространение бесплатной музыки на YouTube подвергается критике в отношении авторских прав. Звукозаписывающие компании и музыкальные издатели обвиняют YouTube в недостаточном внимании к пиратскому скачиванию контента, защищенного авторскими правами. Эти претензии привели к юридическим искам. Сегодня YouTube применяет инструменты для выявления нарушений, но проблема остается довольно острой.

Бриджет Райли – британская художница, представитель стиля оп-арт. Она использует оптические иллюзии, чтобы достигнуть ощущения движения и глубины. Райли родилась в Лондоне, училась в Голдсмитском колледже и Королевском колледже искусств и в 1950-е годы начала карьеру художника. Первые работы художницы были вдохновлены живописью французского пуантилиста Жоржа Сёра (1859–1891). Впоследствии Райли разработала собственный стиль, основанный на сложных сочетаниях простых геометрических форм – квадратов и окружностей. Колорит ее картин основан на сопоставлении контрастных цветов, что создает визуальное напряжение, бросающее вызов зрительскому восприятию. Картина «Движение в квадратах» (1961) – одна из наиболее известных работ художницы – создает иллюзию углубления в центре холста за счет особого построения черно-белых квадратов.

Первую версию «Марсельезы» написал офицер французской армии Клод Жозеф Руже де Лиль (1760–1836). Первоначально окрещенная Chant de guerre pour l’Armée du Rhin («Военная песня Рейнской армии»), она была призвана воодушевлять французские войска в войне против Австрии. Песню настолько полюбили марсельские солдаты, что ее стали называть «Марсельезой». В 1795 году она стала национальным гимном Франции, но в 1804 году ее отменил Наполеон Бонапарт, поскольку она вызывала ассоциации с революцией 1789–1799-х годов. В 1879 году «Марсельеза» вновь стала французским национальным гимном и остается им в настоящее время.

Слова песни отражают патриотический пыл революции, призывают граждан подняться и защитить свою страну от иностранных захватчиков. Сегодня у песни есть критики, которые осуждают милитаристский характер песни и считают ее неподходящей для национального гимна.

Двадцать шестого апреля 1937 года немецкие и итальянские самолеты разбомбили город Герника в баскском регионе Испании. Авиацию вызвал генерал Франсиско Франко, возглавлявший националистические силы в гражданской войне против Второй республики (1936–1939). В результате бомбардировки погибли сотни мирных жителей, а город превратился в руины.

В том же году испанский художник Пабло Пикассо (1881–1973) написал кубистическую картину «Герника», обличающую разрушение мирного города. Картину заказало республиканское правительство для Парижской Всемирной выставки 1937 года. Деформированные фигуры и деформированные формы на монохромной картине выражают хаос и жестокость войны. «Герника» стала одним из самых мощных антивоенных произведений искусства в истории.

Пятиметровая бронзовая статуя «Персей с головой Медузы» – один из шедевров эпохи Возрождения и одна из наиболее значимых работ итальянского скульптора и ювелира Бенвенуто Челлини (1500–1571). Мастер выполнил ее по заказу герцога Козимо I Медичи, пожелавшего пополнить городскую коллекцию новым произведением искусства. Мифический греческий герой Персей, символизирующий триумф добродетели над пороком, держит в руке отрубленную им голову Медузы Горгоны, символа разрушительного зла. Произведение отличает сложная динамичная композиция. Статую установили на площади Синьории во Флоренции.

Двадцать восьмого апреля 1958 года французский художник Ив Кляйн (1928–1962) торжественно открыл выставку с длинным названием «Специализация чувствительности в первичном материальном состоянии до стабилизированной живописной чувствительности, Пустота». Открытие состоялось в галерее Ирис Клер в Париже. Экспозиция представляла собой абсолютно пустое пространство галереи, стены и пол которой были выкрашены в белый цвет. Гостям вернисажа предлагалось пережить это пространство, рассматривая не искусство, а его отсутствие. Во время вернисажа Ив Кляйн угощал гостей голубым коктейлем Blue Epoch из джина, ликера Cointreau и пищевого красителя. Синий цвет был особенно важен для художника: он олицетворял для него нематериальное и бесконечное.

Ив Кляйн принадлежал к художественному движению новый реализм, возникшему во Франции в 1960-е годы. Его произведения отличают монохромность и использование особого синего цвета – International Klein Blue (IKB).

Лучано Паваротти (1935–2007) – один из величайших итальянских оперных теноров.

Он начал оперную карьеру 29 апреля 1961 года, исполнив партию Родольфо в опере «Богема» Джакомо Пуччини (1858–1924). После этого Паваротти выступал в величайших оперных театрах мира. Тенор известен своими интерпретациями опер Верди и Пуччини. Он внес вклад в демократизацию оперы, выступая на телевидении и участвуя в серии концертов «Три тенора» вместе с испанскими оперными певцами Пласидо Доминго (род. 1941) и Хосе Каррерасом (род. 1946). На протяжении всей карьеры Лучано получил множество званий и наград, включая несколько премий «Грэмми». На концертах «Паваротти и друзья» он собирал средства на благотворительность.

Французский художник-импрессионист Эдуард Мане (1832–1883) родился в 1832 году в богатой парижской семье и получил традиционное художественное образование. Работы Эдуарда Мане поставили под сомнение художественные приемы своего времени как в тематике, так и в технике. Художник изображал парижские кафе, улицы и людей во время досуга. Одна из самых известных его работ – «Олимпия» (1863) с лежащей на кровати обнаженной женщиной. Картина вызвала бурю отрицательной критики за «слишком» реалистичное изображение. В частности, взгляд женщины намеренно направлен на зрителя, хотя в ту эпоху было принято наделять обнаженных выражением удивления.

Э. Мане. Весна, Жанна де Марси. 1882 © Wikimedia Commons

А вы знаете?

Эдуард Мане часто писал картины на открытом воздухе. В середине XIX века этот подход был относительно новым. Он стал возможен отчасти благодаря появлению небольших тюбиков краски, которые можно было взять с собой. Целью художника было запечатлеть на холсте эффекты освещения и воздушную среду.

«Свобода на баррикадах» – знаменитая картина французского художника Эжена Делакруа (1798–1863), выдающегося представителя романтического направления. Публика впервые увидела ее в Салоне живописи и скульптуры, открывшемся в Париже 1 мая 1831 года. На вершине пирамидальной композиции находится Марианна – символ Французской республики и олицетворение национального девиза «Свобода, равенство, братство». Она ведет революционеров по баррикадам, усеянным телами павших солдат. Все слои общества представлены на одном уровне, объединенные идеалом свободы. Делакруа создал «Свободу на баррикадах» в честь Июльской революции 1830 года, защищавшей революционные достижения 1789 года, в частности свободу печати, поставленную под угрозу королем Карлом X. Вспыхнувшие в Париже беспорядки привели к установлению конституционной монархии Луи-Филиппа I (1773–1850). Картина стала символом борьбы за демократию во всем мире.

А вы знаете?

На картине «Свобода на баррикадах» присутствует и сам Делакруа: он стоит слева от Марианны, в цилиндре и с ружьем в руках.

В этот день пастель «Крик» (норв. Skrik) норвежского экспрессиониста Эдварда Мунка (1863–1944) стала самой дорогой на тот момент картиной в мире: ее продали почти за 120 млн долларов[8]. Созданная в 1895 году, работа до аукциона находилась в коллекции миллиардера Петтера Олсена, чей отец, Томас Олсен, был другом Мунка и приобрел ее непосредственно у художника.

На картине изображена гротескно деформированная фигура на мосту, кричащая и закрывающая уши руками. Сцена позади фигуры, написанная ядовито-яркими красками, усиливает ощущение отчаянной тревоги. Картина оставила множество отголосков в популярной культуре: например, в фильме ужасов «Крик» (1996) убийца носит маску с изображением ее главного персонажа. Эдвард Мунк поднимал в своем творчестве темы любви, смерти и тоски. Его эмоционально насыщенные работы мощно воздействуют на зрителя.

А вы знаете?

Эдвард Мунк создал более 40 «Криков» в различных техниках. Самая известная версия написана темперой на картоне. Она хранится, как и другие две, в Национальной галерее в Осло. Эта версия «Крика» никогда не выставлялась на рынок и никогда не была на публике. Три остальных принадлежат норвежским музеям, они дважды похищались, но неизменно возвращались без повреждений.

«Третье мая 1808 года в Мадриде» (1814) – картина испанского художника Франсиско де Гойи (1746–1828). Художник изобразил событие, произошедшее во время одной из Пиренейских войн между Испанией и Францией. В этот день в Мадриде французские солдаты казнили испанских мирных жителей, восставших против французской оккупации. На картине изображены монах и крестьянин, стоящие перед расстрельной командой. Центральная фигура – мужчина в белой рубашке, с протянутыми в жесте капитуляции руками, видом напоминающий Христа.

Премия «Грэмми» – почетная награда, присуждаемая за достижения в музыкальной индустрии. На ежегодной церемонии премию вручает Национальная академия искусств и науки звукозаписи, объединяющая музыкантов, продюсеров и профессионалов звукозаписи. Первая церемония вручения «Грэмми» состоялась 4 мая 1959 года в Беверли-Хиллз. На ней отметили лучшие записи 1958 года в 28 категориях (позднее число категорий превысило 80 наименований).

Песня Nel blu dipinto di blu, более известная как Volare, получила две награды: запись года и песня года. Песню исполнил итальянский певец Доменико Модуньо (1928–1994), написавший текст вместе с поэтом Франко Мильяччи (1930–2023). На протяжении многих лет ее исполняли многие прославленные артисты: Дэвид Боуи, Далида, Дин Мартин и Фрэнк Синатра.

Альфред Гревен (1827–1892) – французский карикатурист, художник по костюмам и скульптор. В 1882 году он стал одним из основателей парижского музея Гревен вместе с журналистом Артюром Мейером, а через год к ним присоединился финансист Габриэль Томас. В музее были представлены реалистичные восковые скульптуры знаменитых актеров, политиков, спортсменов и исторических личностей. Музей быстро набрал популярность, и вскоре количество фигур превысило две сотни. Среди экспонатов были реалистичные реконструкции сцен громких преступлений. Одну сцену пришлось изъять после протестов со стороны родственников жертв. В музее также представлено историческое убийство Марата в ванне.

Музей Гревен положил начало появлению музеев восковых фигур по всему миру и стал самым известным наряду с Музеем мадам Тюссо в Лондоне. Счастливчиков с 2001 года выбирает Академия Гревен. Сейчас музей является одной из самых популярных туристических достопримечательностей Парижа.

Алтарный образ «Поклонение Агнцу Божьему» – шедевр религиозного искусства, созданный фламандскими художниками братьями Губертом (1366–1426) и Яном (1380–1441) ван Эйками. Он состоит из 24 панелей, на которых изображены 258 человеческих фигур. Центральное место занимает композиция, представляющая поклонение Агнцу – символу жертвы Христа на кресте. Надпись на раме указывает, что алтарный образ был начат Губертом ван Эйком, а завершил его Ян ван Эйк после смерти брата в 1426 году. Алтарь был торжественно открыт в церкви Сен-Жан в Генте 6 мая 1432 года.

Братья ван Эйк – центральные фигуры Северного Возрождения. Картина «Чета Арнольфини» (1434) – блистательный пример технического мастерства Яна ван Эйка. На заднем плане художник изобразил выпуклое зеркало, в котором отражается вся сцена, а также сам художник с мольбертом.

«Группа семи» – коллектив канадских художников-пейзажистов начала XX века. Ее основали в 1920 году Франклин Кармайкл, Лоурен Харрис, Александр Янг Джексон, Франц Джонстон, Артур Лисмер, Джеймс Эдвард Херви Макдональд и Фредерик Варли. Эти художники считали, что канадское искусство должно отойти от европейских традиций. Они стремились запечатлеть красоту канадской дикой природы, делая акцент на цвете, форме и текстурах. Первая выставка группы состоялась 7 мая 1920 года в Художественной галерее Торонто (ныне – Художественная галерея Онтарио) и включала 120 работ семи художников.

Сезар Бальдаччини (1921–1998) – французский скульптор, один из ведущих представителей направления новый реализм. Основоположники этого течения стремились создавать искусство, отображающее повседневную жизнь, и бросить вызов художественным условностям. Его представителями были французский художник Ив Кляйн (1928–1962), швейцарский скульптор Жан Тенгели (1925–1991), французская театральная художница Ники де Сен-Фалль (1930–2002) и др.

В 1960 году на открытии Майского салона Сезар представил провокационную работу «Три тонны», представлявшую собой три автомобиля, спрессованные с помощью гидравлического пресса. Техника позволила создать компактный блок, сохранив при этом узнаваемыми элементы автомобиля. Работа вызвала скандал: некоторые коллекционеры отказались признать ее произведением искусства. «Три тонны» стали первой работой Сезара в технике «компрессии»: художник помещал разнообразные предметы под гидравлический пресс или кузнечный молот. Такой метод стал посланием о потребительском отношении, расточительстве и влиянии технологий на общество. «Компрессии» Сезара бросили вызов традиционным представлениям о скульптуре, открыв неожиданные формы художественного выражения.

Hello, Dolly! – джазовая песня, написанная американским композитором Джерри Херманом (1931–2019) для одноименного мюзикла. В 1964 году джазовый трубач и вокалист Луи Дэниэл Армстронг (1901–1971) записал триумфальную версию песни. Девятого мая 1964 года она достигла первого места в чарте Billboard Hot 100, опередив Can’t Buy Me Love группы The Beatles. Песня получила две премии «Грэмми» – в номинациях «Песня года» и «Лучший поп-исполнитель». Бодрый темп, запоминающаяся мелодия и неподражаемый голос Луи Армстронга сделали Hello, Dolly! классикой джазовой музыки. Прежде чем стать мировой знаменитостью, Армстронг играл в уличных оркестрах.

Национальная галерея – художественный музей, расположенный на Трафальгарской площади в Лондоне. Во время открытия, состоявшегося 10 мая 1824 года, экспозиция состояла из 38 картин, купленных у одного банкира. Сейчас в галерее хранится одна из лучших коллекций западноевропейской живописи, насчитывающая более 2300 полотен XIII–XX веков. Коллекция Национальной галереи включает шедевры знаменитых художников: Леонардо да Винчи, Рембрандта, Винсента Ван Гога, Клода Моне. Самые известные картины коллекции – «Чета Арнольфини» (1434) Яна ван Эйка, «Телега с сеном» (1821) Джона Констебла и «Последний рейс корабля “Отважный”» (1839) Уильяма Тёрнера.

Роберт Неста Марли, получивший всемирную известность под именем Боб Марли, – ямайский музыкант и композитор. Он родился в 1945 году на Ямайке и начал музыкальную карьеру в начале 1960-х годов в составе группы The Wailers. Затем он занялся сольной карьерой и добился международного успеха благодаря альбомам No Woman, No Cry (1974) и Three Little Birds (1980). Музыкант часто обращался к темам социальной справедливости, политического угнетения и духовности. Боб Марли стал культовой фигурой музыки регги и символом сопротивления расовому и экономическому неравенству, с которым сталкивались многие жители Ямайки.

Redemption Song (1980) – одна из самых известных песен музыканта. В ней использованы слова чернокожего активиста Маркуса Гарви (1887–1940), предшественника панафриканизма, выступавшего за предоставление чернокожим равных политических прав в США.

Боб Марли умер от рака 11 мая 1981 года. Ему было 36 лет. В 1994 году его включили в Зал славы рок-н-ролла. Послание о любви и братстве Боба Марли продолжает звучать во всем мире.

Французский художник и скульптор Жан Дюбюффе – значительная фигура в европейском послевоенном искусстве. Он родился в Гавре в 1901 году, в молодости работал виноторговцем и только в начале 1930-х годов обратился к искусству. На его первые работы повлияло ар-брют[9], и именно Дюбюффе ввел этот термин в 1945 году. Жан Дюбюффе стремился создать спонтанное, инстинктивное искусство, свободное от традиционных эстетических условностей.

Он известен масштабными скульптурами, выполненными из нетрадиционных материалов – смолы, асфальта и соломы. Жан Дюбюффе умер в 1985 году в возрасте 85 лет, оставив после себя обширное наследие, включающее живопись, скульптуру и гравюру.

Австрийский композитор и музыкант-виртуоз Вольфганг Амадей Моцарт (1756–1791) написал одну из своих первых опер, «Аполлон и Гиацинт», в 11 лет. Премьера прошла 13 мая 1767 года в Зальцбургском университете. В основе либретто – история из греческой мифологии, описанная в «Метаморфозах» древнеримского поэта Овидия, о прекрасном юноше Гиацинте, которого полюбили одновременно бог Аполлон и бог западного ветра Зефир. Во время состязания в метании диска Зефир, приревновав Гиацинта, смертельно его ранил. Аполлон превратил кровь юноши в прекрасный цветок – гиацинт. Опера демонстрирует многие черты зрелого стиля Моцарта, включая его способность передавать в музыке сложные психологические состояния.

Французский музыкальный фильм «Шербурские зонтики» вышел на экраны в 1964 году и получил Золотую пальмовую ветвь на Каннском кинофестивале. Музыку написал Мишель Легран (1932–2019), чей новаторский подход способствовал тому, что музыка стала неотъемлемой частью кинематографического опыта. Разговорные диалоги в этой картине полностью отсутствуют, и музыка играет доминирующую роль. Романтические мелодии фильма играл оркестр. Одну из самых известных песен фильма Devant le garage исполнил американский певец Фрэнк Синатра (1915–1998). Эта песня обладает запоминающейся мелодией и пронзительным текстом, передающим горе героев фильма.

Cкульптуру «Мама» американского скульптора и живописца Луизы Буржуа (1911–2010) продали за 32 млн долларов. Работа представляет собой гигантского паука высотой девять метров и десять метров в ширину. Тело выполнено из бронзы, а ноги – из стали. На брюшке паука видны 26 мраморных яиц. Для Буржуа это был образ ее матери, которая работала в швейном ателье отца. Скульптор считала ее умной и заботливой кормилицей, подобной этому животному.

Луиза Буржуа. Скульптура «Мама» перед Национальной галереей Канады, Оттава. 1999 © Wikimedia Commons

Луиза Буржуа – основоположник феминистского искусства. Она исследовала темы женственности, сексуальности и семьи. Сквозная тема ее работ – фаллос как символ отца.

А вы знаете?

Самой дорогой женщиной-художником в мире является американка Джорджия О’Кифф (1887–1986). В 2014 году ее картину Jimson Weed/White Flower No.1 продали за сумму, превысившую 44 млн долларов. Таким образом, это полотно стало самым дорогим произведением искусства, созданным женщиной. Джорджия О’Кифф писала преимущественно пейзажи и цветы Нью-Мексико, где она провела бо́льшую часть жизни.

Выставка «60–72. 12 лет современного искусства во Франции» торжественно открылась 16 мая 1972 года в Париже, в Большом дворце. Инициатором выставки стал президент Жорж Помпиду (1911–1974). Цель ее состояла в том, чтобы познакомить публику с искусством периода социальных, политических и культурных перемен, с 1960 по 1972 год. На выставке были представлены работы 72 современных художников.

После Майской студенческой революции 1968 года многие художники были политически ангажированы. По этой причине выставка вызвала враждебную реакцию. Активисты протеста осудили роль государства в отборе ее участников и заявили о нестабильном положении художников во Франции. Некоторые экспоненты отрицательно отреагировали на действия полиции против демонстрации. В тот же день группа Малассис сняла с выставки картину Le Grand Méchoui (фр. méchoui – «запеченный на вертеле ягненок»), или «12 лет истории Франции». Несмотря на такое бурное начало, до сентября 1972 года выставку увидели более 7000 посетителей.

Гвидо д’Ареццо (992–1050) – итальянский монах, теоретик средневековой музыки. Он родился в Италии около 992 года. Заняв пост директора музыкальной школы при кафедральном соборе в Ареццо, он интересовался преподаванием песнопений, основанных на мелодиях, передававшихся устно. Чтобы теоретически изложить учение, Гвидо д’Ареццо разработал систему условных знаков для записи звуков в виде линий и точек – современные ноты. Чтобы научить певцов читать эти знаки, он использовал серию из шести нот (гексахорд), обозначив их слогами из гимна, посвященного святому Иоанну Крестителю: ut, re, mi, fa, sol и la (позднее ноту ut переименовали в «до»).

Гвидо д’Ареццо разработал также метод «Гвидоновой руки» – способ запоминания нот, основанный на присвоении им определенного места на ладонях.

Невидимая скульптура «Я есть» (ит. Io sono) – концептуальное произведение искусства, созданное итальянским художником и музыкантом Сальваторе Гарау (род. 1953). Скульптура полностью состоит из воздуха и существует только в воображении художника, не имея физического проявления. Сальваторе Гарау описывает Io Sono как пример нематериального искусства, в котором идеи и концепции художника преобладают над любой физической формой. Это произведение вызвало оживленную дискуссию о природе искусства и границах художественного выражения. Хотя скульптура невидима и неосязаема, ее создатель утверждает, что она весит 15 000 фунтов (около 6800 кг) и он может определить ее точное положение в пространстве. 18 мая 2021 года в Милане скульптуру продали частному коллекционеру за 15 000 евро.

Художник привлек к себе внимание и другими нематериальными работами. Например, на одной из центральных площадей Милана он установил скульптуру «Будда в созерцании» (2021). Прохожие могли видеть только квадрат на земле, выложенный белой лентой, который должен был давать импульс воображению зрителей к созерцанию невидимой работы.

Мэрилин Монро (настоящее имя – Норма Джин Мортенсон, 1926–1962) в этот день исполнила песню «С Днем рождения, господин президент» в честь президента США Джона Фицджеральда Кеннеди (1917–1963). По этому случаю певица надела такое облегающее платье, как будто его сшили прямо на ней. Во время песни Мэрилин делала паузы, растягивала ноты, что придавало исполнению особую чувственность. Мэрилин Монро произвела фурор: ее поздравление широко освещали медиа, а некоторые увидели в этом доказательство отношений между актрисой и президентом.

Мэрилин Монро, известная актерским талантом, исполнила знаменитые песни Diamonds Are a Girl’s Best Friend (1953) и My Heart Belongs to Daddy (1960). Эти музыкальные композиции сыграли важную роль в формировании ее образа как иконы женственности.

Сэр Элтон Джон (настоящее имя Реджиналд Кеннет Дуайт, род. 1947) – британский композитор и певец, начавший карьеру в конце 1960-х годов. Двадцатого мая 1979 года он совершил историческое турне в СССР и стал одним из первых западных артистов, выступивших в Москве во время холодной войны. Его выступление в столице было записано и опубликовано в альбоме под названием Live from Moscow. Your Song (1970). Rocket Man (1972) и I’m Still Standing (1983) входят в число самых популярных песен Элтона Джона. Он продал более 300 млн пластинок по всему миру, став одним из самых продаваемых музыкантов всех времен. Элтон Джон получил многочисленные награды за вклад в развитие музыки: шесть премий «Грэмми» и два «Оскара». Он также много сделал для борьбы с ВИЧ-инфекцией. В 1992 году певец основал Фонд Элтона Джона по борьбе со СПИДом, финансирующий программы по профилактике лечения и поддержке больных.

«Пьета» (или «Оплакивание Христа», 1499) Микеланджело Буонарроти известна во всем мире. Великий скульптор итальянского Ренессанса выполнил ее из цельного блока каррарского мрамора. Удивительной красоты Дева Мария держит тело Христа, снятое с креста. Сейчас скульптура находится в базилике Святого Петра в Ватикане. Двадцать первого мая 1972 года мужчина, страдающий психическим расстройством, напал на скульптуру с молотком. Он нанес значительные повреждения: сломал нос и левую руку Богородицы.

Ватикан сразу же позаботился о реставрации скульптуры. Команда специалистов заполнила поврежденные участки мрамором, тщательно подобрав оттенки к оригинальному камню. Сегодня повреждения трудно обнаружить невооруженным глазом. В ноябре 1973 года «Пьету» представили публике.

В этот день газета «Нью-Йорк Таймс» опубликовала письмо, написанное художниками, работавшими в стиле абстрактного экспрессионизма, – Адольфом Готлибом (1903–1974), Марком Ротко (1903–1970) и Клиффордом Стиллом (1904–1980). В письме, озаглавленном «Американская живопись сегодня», они ответили на критику работ лидера этого движения, Джексона Поллока (1912–1956). В нем Адольф Готлиб определил абстрактный экспрессионизм как способ выражения человеческого опыта, радикально отличный от традиционной живописи. Цель своих творческих поисков художники обозначили так: исследование внутренних механизмов человеческой психики в формах чистой абстракции, без использования узнаваемых образов.

Это письмо произвело фурор в мире искусства и теперь считается манифестом абстрактного экспрессионизма. Впоследствии образовалась так называемая Нью-Йоркская школа – группа художников и скульпторов, выдающихся деятелей этого направления.

В этот день американский рэпер Эминем (настоящее имя – Маршалл Брюс Мэтерс III, род. 1972) выпустил альбом The Marshall Mathers LP, который вошел в историю хип-хопа. Тексты песен соединяют в себе черный юмор, провокацию, личные истории и характерные быстрые рифмы Эминема. Композиции посвящены знаменитостям, семейным отношениям и влиянию наркотиков. Первый сингл альбома The Real Slim Shady имел огромный успех благодаря запоминающемуся припеву и критическим высказываниям о музыкальной индустрии и поп-культуре.

В США The Marshall Mathers LP разошелся тиражом более 12 млн копий и стал самым продаваемым рэп-альбомом в стране. В других странах тираж составил 34 млн. Этот альбом сделал Эминема одним из самых значимых артистов своего поколения. Многие рэперы и другие певцы ссылаются в своих текстах на его творчество.

Боб Дилан (настоящее имя – Роберт Аллен Циммерман, род. 1941) – американский автор-исполнитель, художник, писатель и киноактер. Он увлекся музыкой еще подростком, под влиянием музыкантов Вуди Гатри и Хэнка Уильямса. Музыкант заявил о себе в начале 1960-х годов и стал центральной фигурой в обновлении американской фолк-музыки. Его тексты затрагивают политические и социальные вопросы – гражданские права, войну и бедность. В 1965 году Боб Дилан вызвал споры среди поклонников фолк-музыки, выступив с электронным аккомпанементом. Это решение стало поворотным моментом в его карьере и принесло популярность электронным музыкальным инструментам. Особое признание со стороны критиков получили его альбомы Highway 61 Revisited (1965), Blonde on Blonde (1966) и Blood on the Tracks (1975).

«Иван Грозный убивает своего сына» – картина Ильи Репина (1844–1930), одного из ведущих представителей русской реалистической школы живописи. Написанная в 1885 году, она иллюстрирует трагический момент в русской истории: Иван IV Васильевич (Грозный) в порыве гнева убил своего собственного сына. На картине изображен старый царь, держащий на руках умирающего сына. Его лицо выражает ужас и раскаяние в содеянном. Фигуры освещены, в то время как комната погружена во мрак, и этот контраст света и тени усиливает драматизм сцены.

Двадцать пятого мая 2018 года в зале Третьяковской галереи некий мужчина, предположительно находившийся в состоянии алкогольного опьянения, напал на картину. Ударив металлическим стержнем, он разбил защитное стекло и нанес полотну обширные повреждения. После реставрации картина вернулась в экспозицию Третьяковской галереи.

Эта картина Репина подвергалась нападению также в 1913 году: безработный Илья Подпорин разорвал холст. Свои действия он объяснил тем, что картина оскорбляет чувства верующих. Его приговорили к двум с половиной годам колонии.

Джон Леннон (1940–1980), один из основателей группы The Beatles, и японская художница Йоко Оно (род. 1933) устроили две медийные акции «В постели за мир» (Bed-In For Peace) во время своего медового месяца. Пригласив представителей прессы к себе в номер, молодожены выразили протест против войны во Вьетнаме. Они использовали внимание к себе СМИ, чтобы призвать к ненасильственному решению конфликтов и распространить послание любви.

Первая акция проходила в течение семи майских дней в одном из отелей Амстердама. Двадцать шестого мая 1969 года пара поселилась в номере отеля «Королева Елизавета» в Монреале и пригласила журналистов присоединиться к ним на несколько дней. В гостиничном номере Джон Леннон сочинил и записал песню Give Peace a Chance. Акции сразу попали в заголовки газет.

Двадцать седьмого мая 1990 года на Венецианской биеннале открылась выставка американского художника Джеффа Кунса (род. 1955) «Сделано на небесах». Серия выставленных работ исследовала темы сексуальности, желания и взаимоотношений. Центром экспозиции были скульптуры и фотографии, представлявшие Джеффа Кунса и его бывшую жену, итальянскую порнозвезду Чиччолину, в различных сексуальных позах. Эти весьма откровенные работы вызвали возмущение в некоторых слоях общественности. Художника обвинили в эксплуатации Чиччолины, объективизации женского тела и пропаганде порнографии.

Тем не менее «Сделано на небесах» имела успех, и многие критики приветствовали готовность Джеффа Кунса расширить границы традиционного искусства. Эта выставка принесла Кунсу прочную репутацию в мире современного искусства.

Известный мастер кьяроскуро (работы со светотенью) итальянский художник Караваджо (1571–1610) часто имел проблемы с правосудием. Кульминационный момент наступил 28 мая 1606 года, когда он в Риме убил на дуэли молодого человека.

Причиной поединка стал игровой долг или ссора из-за женщины. После инцидента Караваджо бежал из Рима и провел остаток жизни в изгнании, меняя города и живя в нищете. Несмотря на это, Караваджо стал одним из самых влиятельных художников эпохи барокко. Преследуемый из-за убийства, он создал несколько мрачных и зловещих шедевров, например «Обезглавливание святого Иоанна Крестителя» (1608). Картина, написанная по заказу великого магистра ордена Святого Иоанна Иерусалимского, изображает казнь Иоанна Крестителя путем обезглавливания. Это одна из немногих картин, подписанная Караваджо.

А вы знаете?

Караваджо использовал живые модели для своих картин, даже религиозных. В тот период это была необычная практика: большинство художников полагались на устоявшуюся иконографию и идеализировали образы святых. Караваджо предпочитал создавать реалистичные изображения, как, например, в картине «Саломея с головой святого Иоанна Крестителя» (1607).

«Весна священная» – балет, написанный русским композитором Игорем Стравинским (1882–1971) и поставленный хореографом Вацлавом Нижинским (1889–1950). Премьера состоялась 29 мая 1913 года в Театре Елисейских полей в Париже и вызвала один из самых громких скандалов в истории музыки. Это не был классический балет ни по форме, ни по содержанию: действо являло собой языческий ритуал, что было новаторством. Музыка с тяжелыми и диссонансными ритмами была сложна как для оркестра, так и для зрителей. Хореографию критики сочли «дикой». На премьеру собралась консервативная парижская публика, ожидавшая традиционный балет. Зрители пришли в такое беспокойство и начали так шуметь, что мешали танцорам слышать оркестр. Хореографу пришлось выкрикивать счет, чтобы удержать нужный ритм. В результате для восстановления порядка в зрительном зале вызвали полицию.

Мемориал Линкольна в Вашингтоне увековечивает жизнь и наследие Авраама Линкольна (1809–1865), 16-го президента Соединенных Штатов. Центральным элементом мемориала является внушительная статуя Авраама Линкольна, созданная Дэниелом Честером Френчем (1850–1931). Американский скульптор выиграл конкурс на ее создание в 1911 году. Статуя высотой 26 м выполнена из 28 блоков мрамора. Линкольн изображен сидящим в кресле в торжественной позе, положив руки на подлокотники. Скульптура детально проработана, черты лица и одежда президента переданы с большой точностью. Торжественно открытая 30 мая 1922 года, статуя сразу получила высокую оценку за реалистичность образа.

Барбадосская певица Рианна (полное имя – Робин Рианна Фенти, род. 1988) прославилась в середине 2000-х годов благодаря хитам Pon de Replay (2005) и SOS (2006). В 2007 году Рианна выпустила третий студийный альбом Good Girl Gone Bad, утвердивший ее стиль. Артистка представила зрелое и провокационное звучание. Альбом был спродюсирован Timbaland, Ne-Yo и Stargate. Первый сингл альбома, Umbrella – совместная работа с рэпером Jay-Z, достиг вершин чартов в нескольких странах и принес Рианне ее первую премию «Грэмми». Помимо музыкальной карьеры, Рианна выпустила серию косметики и одежды, получившую большую популярность.

Художник-маринист[10] Мишель Герц (1933–2022) – уроженец Страсбурга и выпускник школы изящных искусств в Париже, а также академий Жулиана и Гранд Шомьер. Сам он определял свой стиль как «ода воображаемому, поискам скрытого мира».

Мишель Герц стал официальным художником флота 1 июня 1977 года. Эту должность военно-морской флот Франции учредил в 1830 году. Прежде художников нанимали по контракту, но поскольку работа подразумевала доступ к военным судам, было решено создать специальную должность. Обязанность художников флота состояла в том, чтобы писать корабли, экипажи и увековечивать победы правителей.

С тех пор эту должность занимали более сотни человек. Художник флота имеет звание офицера, носит форму с погонами и серебряный якорь на груди. В наши дни должность могут занять фотографы, скульпторы, кинорежиссеры, иллюстраторы. Утверждает кандидатуру из числа маринистов, предложенных жюри, министр обороны во время Военно-морской биеннале.

Французский скульптор Жак Бюирет (1631–1677), член Королевской академии живописи и скульптуры, создал множество произведений, в частности для парка Версальского дворца. Одна из самых известных его работ – мраморный барельеф «Союз живописи и скульптуры». Скульптор представил аллегорические фигуры в виде двух держащихся за руки девушек, что олицетворяет единство двух видов искусства. Работа была представлена Королевской академии живописи и скульптуры 2 июня 1663 года и поразила присутствующих реалистичной проработкой образов. Во время Французской революции барельеф был конфискован и позднее попал в государственные коллекции. Сегодня им можно полюбоваться в Лувре, где также выставлен портрет его создателя, написанный Антуаном Бенуа, – «Портрет скульптора Жака Бюирета».

Потеряв зрение, скульптор вынужден был прекратить работу и умер в Париже в 1699 году.

«Портрет доктора Гаше» входит в число самых известных произведений голландского художника Винсента Ван Гога (1853–1890). Он написал его в двух вариантах незадолго до смерти, 2–3 июня 1890 года. Доктор Поль Гаше лечил Ван Гога на закате его жизни. На портрете он сидит за столом, облокотившись на руку, и держит ветку наперстянки – ядовитого растения, настойку которого Ван Гог принимал для лечения сердечных заболеваний. Дробное движение мазков сообщает образу взволнованное состояние, а темные тона и выражение лица доктора передают интонацию глубокой печали.

«Она – собор» – гигантская интерактивная инсталляция, представленная публике 4 июня 1966 года в стокгольмском Музее современного искусства. В течение сорока дней ее создавали три художника: Ники де Сен-Фалль, Жан Тенгли и Пер Улоф Ультведт. Основой образа послужила скульптурная серия «Нана» (от фр. жарг. nana – «бабёнка») Ники де Сен-Фалль. «Она – собор» представляла собой красочный павильон в виде лежащей на спине беременной женщины. Посетителям предлагалось войти внутрь через отверстие между ее ног. Надпись на ее бедре гласила: «Пусть стыдится подумавший об этом плохое». Название отражало желание творцов создать произведение, которое, как собор, вызвало бы чувство трепета и удивления.

«Любовь и милосердие» – биографический фильм 2014 года о Брайане Уилсоне, одном из основателей легендарной американской рок-группы The Beach Boys. Фильм фокусируется на двух периодах жизни музыканта – на пике его карьеры в 1960-е годы и борьбе с психическим заболеванием и наркотической зависимостью в 1980-е годы.

The Beach Boys стали первой музыкальной группой, продавшей более 100 млн альбомов по всему миру. Однако проблемы с психическим здоровьем Брайана Уилсона, внутренние разногласия и смерть нескольких участников группы привели к снижению активности. Тем не менее The Beach Boys продолжают эпизодически объявлять о турне и концертах.

Фильм рассказывает о революционном подходе Брайана Уилсона к музыке в 1960-е годы. В нем показано, как музыкант экспериментировал с различными звуками, инструментами и техникой записи, чтобы создать аранжировки, ставшие визитной карточкой группы.

Анилор Банон. Храбрецы. 2004 © Wikimedia Commons

А вы знаете?

The Beach Boys известны характерными гармониями, которые часто создаются с помощью так называемого stacking – запись и наложение нескольких вокальных дорожек для создания более насыщенного звучания. Считается, что на разработку этой техники Брайана Уилсона вдохновила группа The Four Freshmen, которой он восхищался.

Шестое июня 1944 года – дата, навсегда вошедшая в историю как «День Д». Речь идет о начале операции «Оверлорд» – масштабного вторжения союзников антигитлеровской коалиции, ставшего поворотным моментом во Второй мировой войне. В массированном наступлении с моря, воздуха и суши участвовало около 160 000 военнослужащих.

Спустя 60 лет, 6 июня 2004 года, на пляже Омаха в Нормандии торжественно открыли памятник «Храбрецы», который спроектировала Анилор Банон. Скульптура, выполненная в стилистике абстрактного минимализма, имеет трехчастную структуру, причем каждая часть наделена слоганом: «Встань за свободу», «Крылья надежды» и «Крылья братства». Центром композиции являются стальные колонны высотой девять метров, которые олицетворяют мужество солдат, сражавшихся и погибших на этом пляже в тот день.

Французская скульптор Анилор Банон создает масштабные общественные скульптуры, посвященные таким темам, как права человека, свобода и социальная справедливость. Ее работы выполнены преимущественно из стали и камня в духе минимализма.

В этот день в парижской галерее Пьера Колля открылась выставка, организованная французским писателем и поэтом Андре Бретоном. Она стала важным событием в истории современного искусства. Свои работы представили звезды сюрреализма: Марсель Дюшан, Макс Эрнст, Ман Рэй и Мерет Оппенгейм.

Сюрреалисты бросили вызов традиционным представлениям об искусстве, представив объект как форму искусства: экспонатами выставки стали не предметы искусства (картины, скульптуры), а физические объекты (чайники, ручки и пр.). Бретон написал: «Любая никчемная вещь, попавшая к нам в руки, должна быть рассмотрена как проводник нашего желания». Художники и дизайнеры нового направления продемонстрировали, что в необычном контексте бытовой предмет способен стать арт-объектом. Так они создали особый жанр ready-made (англ. «сделанный из готового»). К нему относятся и объекты, собранные из нескольких бытовых предметов и материалов. Так сюрреалисты вышли за пределы литературных и теоретических аспектов в пользу более непосредственного и физического взаимодействия с миром образов.

А вы знаете?

Примером сюрреалистического объекта может служить «Чайный меховой прибор» (1936) немецко-швейцарской художницы Мерет Оппенгейм, состоящий из чайной чашки, блюдца и ложки, покрытых мехом газели. Объект призван удивить своей парадоксальностью: мех, вызывающий ассоциации с животными и дикой природой, контрастирует с цивилизованной стороной посуды.

«Концерт для Берлина», посвященный 750-й годовщине города, состоялся за два года до падения Берлинской стены и длился два дня, с 6 по 8 июня 1987 года. На его сцене Дэвид Боуи (1947–2016) исполнил песню Heroes, сочиненную им за десять лет до этого в Западной Германии, когда в борьбе с наркозависимостью бежал из Лос-Анджелеса. Heroes была выпущена в 1977 году, но стала хитом лишь после исполнения на этой сцене. Музыкант признавался в одном интервью, что для него это было одно из самых трогательных выступлений. Сцена была установлена напротив Берлинской стены. Боуи был уверен, что жители Восточного Берлина слушали концерт через стену, но не мог и представить, что количество слушателей по ту сторону исчислялось тысячами. Это было похоже на двойной концерт, разделенный стеной пополам. Журналист Тобиас Рутер сказал тогда по поводу успеха этого концерта: «В июне этого года в Восточном Берлине появились герои, которые разрушат Берлинскую стену. У них на устах песня Дэвида Боуи».

«Маэста» (итал. maestà – «величание», «возвеличивание») – большой алтарный образ высотой пять метров, написанный Дуччо ди Буонинсенья (ок. 1255/1260–1319) между 1308 и 1311 годами. Заказанный для главного алтаря Сиенского собора, он считается шедевром раннего итальянского Возрождения. Установка «Маэсты» стала важным событием для Сиены как символ его могущества и богатства. Алтарную картину от мастерской художника до собора сопровождала процессия из музыкантов, членов религиозных орденов и представителей гражданских властей.

На лицевой панели алтарного образа изображены Богородица и Младенец в окружении ангелов и святых, а на обратной стороне – сцены из жизни Христа и Девы Марии.

Ар-нуво представляет собой направление в искусстве, возникшее в Европе в конце XIX века и процветавшее до начала Первой мировой войны. Основные отличительные черты стиля – плавные, динамично изогнутые линии и биоморфные мотивы. Модерн черпал вдохновение из многих источников, среди которых можно выделить британское движение Arts and Crafts, японское искусство и стиль рококо. Направление возникло как реакция на индустриализацию и обезличенное массовое производство. Ар-нуво стремился разрушить традиционный барьер между «высоким» и прикладным творчеством и поднять статус последнего до уровня изобразительного искусства. В 1920-е годы на смену ар-нуво пришел стиль ар-деко.

Джон Констебл (1776–1837) – английский художник-романтик, известный своими пейзажными работами. Он родился в Саффолке, Англия, и провел бо́льшую часть жизни в этом регионе, что сильно повлияло на его творчество. Несмотря на то, что он является автором некоторых портретов и исторических картин, прежде всего он преуспел в создании сельских сцен. Художник также был искусным рисовальщиком и часто делал подготовительные эскизы для своих композиций. В 1817 году он переехал в Лондон.

В 1824 году, на ежегодном Парижском салоне живописи и скульптуры, проводившемся французской Академией изящных искусств, к Констеблу пришел внезапный успех. Это способствовало его известности в Англии. В 1829 году Констебла избрали в члены Королевской академии. Его работы отличаются особенным вниманием к естественному освещению, цвету и текстуре. Среди самых известных работ – «Флэтфордская мельница» (1816), «Телега для сена» (1821), «Собор в Солсбери, вид с лугов» (1831). Парижский салон – одна из самых престижных художественных выставок Франции, регулярная экспозиция парижской Академии изящных искусств.

Почтовая служба Канады (Postes Canada) выпустила серию марок в 2007 году в честь звезд канадской музыки. Культовые знаменитости, изображенные на марках, – Гордон Лайтфрут, Джони Митчелл, Энн Мюррей и Пол Анка – были занесены в Зал славы канадской музыки. Гордон Лайтфрут – известный музыкант, автор таких песен, как If You Could Read My Mind (1970) и The Wreck of the Edmund Fitzgerald (1976). Джони Митчелл является известным музыкантом и художницей, автором работ Both Sides, Now (1969) и Big Yellow Taxi (1970). Энн Мюррей выпустила такие песни, как Snowbird (1969), You Needed Me (1978). Наконец, музыкант Пол Анка является автором известных треков Diana (1957) и Put Your Head on My Shoulder (1959). Более 20 канадских певцов и музыкальных групп попали в почтовые серии.

Почта Канады неоднократно выпускала серии марок, посвященные выдающимся личностям. На веб-сайте сервиса можно приобрести марки из многочисленных коллекций, посвященных политическим или религиозным деятелям, художникам, животным и т. д.

Жюльен Доре (род. 1982) выиграл пятый сезон телевизионного конкурса вокалистов «Новая звезда» 13 июня 2007 года. После победы в конкурсе певец выпустил дебютный сингл Moi… Lolita, представлявший собой кавер-версию хита 2000 года французской певицы Alizée. Песня имела огромный успех во Франции и других франкофонных странах.

Позже Доре записал несколько успешных альбомов – Ersatz (2008), Bichon (2011) и Aimée (2020). Музыкант придерживается эклектичного музыкального стиля: его репертуар варьируется от французского шансона до рока, фолка и электронной музыки. Доре выиграл множество наград и получил признание за свои поэтические тексты и художественное видение.

Guerrilla Girls – анонимная группа арт-феминисток, борющихся против гендерной и расовой дискриминации в мире искусства. Основательницы Guerrilla Girls встретились 14 июня 1984 года во время демонстрации у Музея современного искусства (МоМА) в Нью-Йорке. Они протестовали против недостаточного представительства женщин на выставке: из 169 принятых на экспозицию художников только 30 были женщинами. Guerilla Girls пишут исследовательские работы, организовывают выставки и акции, вывешивают плакаты, обличающие расизм и сексизм в мире искусства. Во время демонстраций участницы группы надевают маски горилл.

Одну из самых успешных акций группа провела в Нью-Йорке в 1989 году. Guerilla Girls расклеили на автобусах и рекламных щитах плакаты с репродукцией картины «Большая одалиска» (1814) Жана Энгра, на которой вместо лица у модели была маска гориллы. Коллаж сопровождала надпись: «Неужели женщины должны быть голыми, чтобы попасть в музей Метрополитен?» Цель кампании заключалась в том, чтобы подчеркнуть недостаточное представительство женщин-художников в крупных музеях: в экспозиции Метрополитен-музея на тот момент число художниц составляло менее 4 % от общего числа. В то же время Guerilla Girls хотели привлечь внимание к сексуализации[13] женщин в искусстве: около 76 % картин в Метрополитен-музее изображали обнаженных женщин. Сегодня Guerrilla Girls продолжают существовать как анонимная группа с меняющимся составом: они регулярно устраивают акции и мероприятия.

Художник и скульптор Виктор Браунер (1903–1966) родился в Бухаресте, Румыния. Окончив обучение в бухарестской Школе изящных искусств, в 1932 году он переехал в Париж и присоединился к группе сюрреалистов под руководством Андре Бретона. Для работ художника этого периода характерны сновидческие образы и использование излюбленной техники сюрреалистов – автоматического рисунка[14]. Вместе с Иларие Воронкой художник написал «Манифест пиктопоэзии» (1924, румынский авангардный журнал «75 HP») – вида искусства, в котором стихи сочетаются с графикой.

В 1931 году Браунер написал знаменитую картину «Автопортрет с вырванным глазом». На момент написания у автора никогда не было проблем с глазами. Однако спустя семь лет, во время драки в баре, Виктор Браунер лишился левого глаза, как на автопортрете.

Во время Второй мировой войны художник бежал из Парижа и поселился на юге Франции, где продолжал создавать работы. После войны Браунер вернулся в Париж и в 1947 году принял участие в выставке, посвященной сюрреализму. Он представлял Францию на Венецианской биеннале в 1966 году. В том же году, в возрасте 62 лет, Браунер умер. На его надгробии на кладбище Монпарнас выбита фраза из его блокнота: «Для меня живопись – это жизнь, настоящая жизнь, МОЯ ЖИЗНЬ».

Базилика Сакре-Кёр (фр. – букв. «базилика Святого Сердца», то есть сердца Христова) – католический храм в парижском районе Монмартр. Архиепископ Парижа заложил первый камень 16 июня 1875 года, а завершили строительство в 1914 году. Белая базилика, решенная в формах романо-византийской традиции, стала одной из важнейших архитектурных доминант Парижа. В великолепном интерьере базилики можно полюбоваться рядом произведений искусства. Наиболее примечательное из них – монументальная мозаика «Предстояние Франции перед Сердцем Господним», выполненная художником Люком-Оливье Мерсоном. Состоящая более чем из четырех миллионов кусочков цветного стекла, она является одной из крупнейших во Франции. Орган построен Аристидом Кавайе-Коллем.

Монмартр исторически связан с искусством: здесь встречались художники, писатели и интеллектуалы. В конце XIX – начале XX века уникальной атмосферой района вдохновлялись импрессионисты и авангардисты – Анри Матисс, Пабло Пикассо и Винсент Ван Гог.

Running Up That Hill – песня британской певицы и композитора Кейт Буш (род. 1958), выпущенная в 1985 году. В тексте исследуется идея гендера в отношениях. Кейт Буш представляет, как меняется местами со своим партнером и переживает совместную жизнь заново с его позиции. Источником вдохновения для текстов Кейт Буш всегда служили литературные и мифологические сюжеты. Изначально песня должна была называться A Deal With God, но название пришлось изменить, чтобы не оскорбить религиозные чувства верующих. Успех песни после ее публикации был умеренным. Но в 2022 году, через 37 лет после выхода, песня прозвучала в сериале «Очень странные дела», снятом братьями Даффер для стримингового сервиса Netflix. В результате сингл Кейт Буш, передающий атмосферу 1980-х годов, получил новую жизнь – и невероятную популярность. Певица даже попала в Книгу рекордов Гиннесса за самый длительный «путь» к вершине.

А вы знаете?

Дебютная песня 19-летней Кейт Буш Wuthering Heights, сочиненная ею самой, в 1978 году возглавила UK singles chart[15]. При этом она стала первой исполнительницей, достигшей вершин с песней собственного сочинения. Своеобразный танцевальный стиль Кейт Буш, включающий элементы балета и пантомимы, начали пародировать в комедийных скетчах.

Джими Хендрикс (1942–1970) – известный американский певец и гитарист, который сочетал в своем творчестве несколько музыкальных жанров: психоделический рок, блюз-рок, хард-рок и джаз. Несмотря на то что его музыкальная карьера длилась всего четыре года, он был очень активен и участвовал во многих концертах.

Тридцать первого марта 1967 года во время концерта в Лондоне Джими Хендрикс облил гитару бензином и поджег ее. Через два месяца, 18 июня 1967 года, музыкант со своей группой Jimi Hendrix Experience отыграл легендарный концерт на поп-фестивале в Монтерее, Калифорния. В то время музыкант был малоизвестен в Соединенных Штатах, и это событие было хорошим шансом для его группы. Артист хотел поразить публику. Исполняя композицию Hey Joe, он стал играть на гитаре зубами, а затем – держа инструмент за спиной. Во время кавера на песню Wild Things (британской группы Troggs) Джими Хендрикс поджег гитару. Сцена со стоящим на коленях музыкантом перед горящей гитарой стала знаковой в истории рока.

В этот день «Радио Франс» провело уникальную акцию – аукцион, в каталоге которого было представлено более 8000 пластинок разнообразных музыкальных жанров, от классики до джаза, рока и поп-музыки. Продавались только вторые и третьи экземпляры записей, принадлежавшие радио.

Продажа 2016 года вызвала большой интерес со стороны коллекционеров и любителей музыки по всему миру. Ряд самых востребованных лотов ушел за высокую цену: например, альбом The Wall, подписанный британской группой Pink Floyd, был продан за 1300 евро.

В общей сложности архив «Радио Франс» хранит более 1,2 млн пластинок и является четвертой по величине коллекций в мире. Его используют в передачах ведущие «Радио Франс».

Музей на набережной Бранли посвящен искусству и цивилизациям Африки, Азии, Океании и Америки. Этот парижский музей открылся в 2006 году по инициативе президента Жака Ширака (1995–2007). Коллекция музея насчитывает более 450 тыс. объектов, включая скульптуры, ткани, маски, музыкальные инструменты и другие произведения искусства со всего мира. Помимо постоянной коллекции, в музее также проводятся временные выставки, мероприятия и образовательные программы. Известный французский архитектор Жан Нувель спроектировал здание музея, одновременно примитивистское и современное, что выражает направленность музея. Среди прочего в музее есть зеленая стена, панорамная терраса и большой стеклянный фасад. Это важное культурное учреждение Парижа, предлагающее посетителям познакомиться с мировыми культурами. В 2023 году музей посетили более 1,4 млн человек.

Ежегодный музыкальный фестиваль проводится во Франции 21 июня, в самый длинный день года. Праздник учредил в 1982 году министр культуры Жак Ланг (род. 1939), чтобы побудить людей собираться вместе и наслаждаться музыкой. Идея фестиваля состояла в том, чтобы дать возможность выступить всем музыкантам, любителям и профессионалам и объединить разные музыкальные жанры.

Сегодня более 120 стран проводят у себя Европейский музыкальный фестиваль или участвуют в нем. В 1997 году в Будапеште страны-участницы подписали Устав фестиваля для других стран, желающих присоединиться. Среди прочего Устав напоминает о необходимости обустраивать парки, улицы и площади для проведения фестиваля. Помимо общественных праздников, организуемых муниципалитетами, городами и регионами, в этот день многие рестораны, ночные клубы и бары устраивают специальные мероприятия.

Французский композитор Дариюс Мийо родился в Марселе в 1892 году. Во время обучения в парижской Консерватории музыки и декламации Мийо познакомился с поэтом Лео Латилем, композитором Жоржем Ориком и писателем Франсисом Жаммом. Среди его новых знакомых был также поэт Поль Клодель, который впоследствии стал полномочным министром в Рио-де-Жанейро. Дариюс Мийо присоединился к нему в Бразилии в качестве секретаря и участвовал в его многочисленных проектах.

Композитор создавал балеты, оперы, симфонии, камерную и вокальную музыку. Среди его основных приемов – политональность (наложение нескольких музыкальных элементов, каждый из которых имеет свою тональность) и полиритм (наложение нескольких ритмов с разными акцентами). Среди его самых известных работ – балеты «Бык на крыше» (1920), в котором использованы бразильские ритмы, и «Сотворение мира» (1923), в котором прослеживается влияние джаза.

Статуя Жан-Батиста Кольбера, расположенная перед зданием Национального собрания (нижняя палата парламента) в Париже, является предметом идеологических столкновений. Одни хотят убрать ее из-за роли этого человека в создании колониальной империи Франции, например разработку регулирующего рабовладение во французских колониях Черного кодекса. Другие защищают статую во имя истории и считают, что она должна интерпретироваться в свете контекста того времени. Двадцать третьего июня 2020 года неизвестные красной краской сделали надпись, обвиняющую власти страны в «негрофобии». Злоумышленник хотел привлечь внимание к рабовладельческому прошлому Франции. Это событие способствовало развитию международной дискуссии о том, как относиться к французскому колониальному наследию. Например, активисты движения Black Lives Matter 7 июня 2020 года демонтировали и выбросили в море статую работорговца Эдварда Колстона, установленную в городе Бристоль в Великобритании. Затем неизвестные заменили ее скульптурой Марка Куинна, изображавшей демонстранта и названной Une montée en puissance («Поднимаясь на вершину»). Через 24 часа муниципальные службы убрали ее.

В этот день в Нидерландах началась танцевальная мания, также известная как хореомания, продолжавшаяся затем в течение нескольких дней: множество людей бесконтрольно танцевали на улицах. Этот феномен, иногда называемый «пляской смерти» или «пляской святого Вита», в Средние века происходил неоднократно.

Историки по сей день спорят о причинах его возникновения. Некоторые предполагают, что это была форма коллективной истерии или религиозного исступления. Другие уверены, что она была вызвана отравлением спорыньей – грибом, который вызывает галлюцинации. Принятая в XIV веке теория обвиняла во всем дьявола. Чтобы противостоять наваждению, музыкантов просили играть музыку в медленном темпе для того, чтобы замедлить и успокоить страдающих манией.

А вы знаете?

Во время Великой депрессии (1920–1930-е) в США проходили танцевальные марафоны. В этих соревнованиях на выносливость пары плясали без остановки в течение нескольких часов или даже дней, чтобы выиграть денежный приз. На первом марафоне 1923 года девушка протанцевала 27 часов. Рекордный марафон проходил в 1932 году: тогда участники танцевали в общей сложности 4152 часа 30 минут без остановки, а сумма приза составила 1000 долларов. Эти соревнования привлекали множество участников, остро нуждавшихся в денежных средствах, и немалое их число приходило в состояние сильнейшего физического и морального истощения.

Балет «Жар-птица» – одно из самых известных произведений русского композитора Игоря Стравинского (1882–1971) – был впервые показан в Париже по инициативе Сергея Дягилева. Источником вдохновения для композитора послужила русская сказка, повествующая о принце, поймавшем волшебную птицу. Эта работа стала первым крупным балетом композитора. Благодаря ему Стравинский стал одной из главных фигур в классической музыке своего времени.

Использование народных мелодий и ритмов в сочетании с модернистскими гармониями и оркестровками определило стиль следующих произведений Стравинского, таких как «Петрушка» (1910–1911) и «Весна священная» (1910–1913). Успех «Жар-птицы» помог расширить возможности классической музыки и вдохновил целое поколение композиторов и музыкантов. Балет продемонстрировал возможности, которые открывает использование разнообразных гамм и необычных ритмов.

Швейцарский меценат Майя Хоффманн (род. 1956) создала фонд LUMA в 2004 году для поддержки и продвижения современного искусства и фотографии. Двадцать шестого июня 2021 года организация объявила об открытии Кампуса искусств площадью 11 гектаров во французском муниципалитете Арль. Этот комплекс быстро стал одним из главных культурных центров региона. В бывшей промзоне Парк-де-Ателье разместились выставочные площадки, мастерские и студии художников.

Помимо фестиваля фотографии, фонд организует многочисленные выставки и культурные мероприятия в течение всего года. Фонд также участвует в инициативах, направленных на поддержку и развитие художественного образования, культурного обмена и социального взаимодействия.

I Wanna Dance with Somebody – культовая песня Уитни Хьюстон (1963–2012). Она вышла в качестве сингла ее второго студийного альбома Whitney 2 мая 1987 года. Песню написали Джордж Меррилл и Шеннон Рубикэм из команды авторов и продюсеров группы Boy Meets Girl. Аккомпанемент исполнен на синтезаторах, духовых и ударных инструментах. I Wanna Dance with Somebody имела коммерческий успех и возглавила чарт Billboard Hot 100. Эта песня в 1988 году принесла Уитни Хьюстон премию «Грэмми» в номинации «Лучшее женское вокальное поп-исполнение». Она стала настолько знаковой, что Кейси Леммонс использовала ее в названии фильма об артистке, вышедшего на экраны в 2022 году под названием «Уитни Хьюстон. Потанцуйте со мной».

Питер Пауль Рубенс (1577–1640) родился в Германии, бывшей в то время частью Священной Римской империи. Вырос он в нидерландском городе Антверпен[16], находившемся под испанским владычеством. Итальянские мастера эпохи Возрождения, которых Рубенс изучал во время поездки в Италию в 1600–1608 годах, оказали сильное влияние на ранние работы художника. Он разработал стиль, в котором классические идеалы красоты сочетались с ярким реализмом эпохи барокко. По оценкам экспертов, художник создал более 1400 картин. В 1609 году Питер Пауль Рубенс стал официальным художником при дворе Альберта и Изабеллы Австрийских, правителей Нидерландов. Он открыл большую мастерскую и существенно повлиял на развитие антверпенской школы. Особую известность мастеру принесли религиозные, мифологические и исторические картины. Одна из самых известных работ Рубенса – триптих «Снятие с креста» (1612), написанный для собора Богоматери в Антверпене. Картина излучает сильную эмоциональную напряженность, усиленную за счет мастерского использования светотеневой игры.

В 1824 году Людвиг ван Бетховен (1770–1827) написал музыку к оде Фридриха фон Шиллера «К радости» (1785). Эта тема стала финалом последней, четвертой части его Симфонии № 9 ре-минор и первым случаем включения в инструментальную симфонию человеческого голоса: оду исполняют солисты и хор. В 1972 году Совет Европы утвердил «Оду к радости» Бетховена в качестве своего гимна. Двадцать девятого июня 1985 года она стала гимном Европейского союза. Решение было принято в честь 200-летия со дня рождения композитора как символ приверженности Европейского союза миру, единству и солидарности.

Французский живописец Клод Моне (1840–1926), один из основателей импрессионизма, в этот день написал две картины— «Улица Монторгей» и «Улица Сен-Дени в день национального праздника». На них изображены оживленные парижские улицы 30 июня 1878 года, когда правительство устроило праздник Французской Республики.

С высоты птичьего полета Моне показал толпы людей на улицах и множество трехцветных флагов на балконах. Отчетливые мазки кисти воссоздают движение и оживление, царившие в тот день, а яркие краски передают праздничную атмосферу. Художник виртуозно воссоздал ощущение световоздушной среды, что было основной художественной задачей импрессионистов.

Среди других известных картин Моне – «Впечатление. Восход солнца» (1872), серия «Мельницы» (1890–1891), «Руанский собор» (1892–1894) и «Кувшинки» (1895–1926).

Английский художник Джеймс Принсеп Бидл (1863–1947) был мастером батальных сцен. На картине «Атака Ольстерской дивизии, 1 июля 1916 года» он представил сцену из битвы на Сомме во время Первой мировой войны: солдаты 36-й Ольстерской ирландской дивизии поднимаются из окопа и идут в атаку. Бидл родился в Калькутте в 1863 году, в семье военного. Вернувшись в Европу, он изучал искусство в школе Слейда в Лондоне и Школе изящных искусств в Париже. Сюжетами его полотен, как правило, становились сражения Франко-прусской, Бурской и Первой мировой войн.

А вы знаете?

Вооруженные силы Франции, Британии, США в XIX–XX веках имели «официальных художников», которым присваивались офицерские чины. Эти художники отправлялись на поля сражений, чтобы запечатлевать сцены битв и создавать визуальные архивы войны. Одним из таких художников был Пол Нэш, который в должности официального военного художника документировал Первую и Вторую мировые войны.

Второго июля 1816 года французский фрегат «Медуза», перевозивший в Сенегал более четырехсот пассажиров, сел на мель у побережья Мавритании. Офицерский состав во главе с капитаном принял решение покинуть судно. С помощью пассажиров они построили плот, на котором дрейфовали в течение 13 дней в ужасных условиях. После двухнедельного скитания в живых остались только 15 человек: остальные умерли от голода и жажды.

Когда эта история стала известна во Франции, разразился скандал: инцидент стал символом коррупции и некомпетентности французского флота. Французский художник Теодор Жерико (1791–1824), увлеченный этой историей, решил создать картину, которая передала бы отчаяние потерпевших крушение. В течение нескольких месяцев он изучал обстоятельства трагедии и брал интервью у выживших, чтобы воспроизвести событие со всей достоверностью. Законченная в 1819 году, картина «Плот “Медузы”» считается шедевром романтизма.

Хосе Луис Куэвас, родившийся в 1931 году, – мексиканский художник, скульптор и писатель. Он принадлежал к поколению Разрыва – художников 1950-х годов, бросивших вызов стилю мурализма и предложивших более индивидуальный и экспериментальный подход к искусству. Куэвас известен своими статуями, вызывающими тревогу и отражающими его интерес к темным сторонам человеческой натуры. Среди них – восьмиметровая скульптура La Giganta («Великанша», 1991) в музее Куэваса в Мехико, символизирующая колониальную эксплуатацию в Мексике. Куэвас также опубликовал несколько томов эссе и поэзии. Он был ключевой фигурой на мексиканской культурной сцене и сыграл важную роль в формировании художественной идентичности страны в период больших социальных и политических перемен.

В благодарность за статую Свободы, подаренную в 1986 году французским народом США, американские школьники собрали средства на ответный дар. Им должен был стать памятник маркизу де Ла Файетту (Лафайету), герою Войны США за независимость. Заказ поручили скульптору Полу Вейланду Бартлетту (1865–1925). В годовщину американской независимости, 4 июля 1900 года, во дворе Лувра публике была представлена… гипсовая модель памятника: срок для выполнения бронзовой статуи оказался слишком мал. Только через восемь лет после получения заказа Пол Бартлетт прислал на смену модели статую, отлитую в бронзе. При этом скульптор заменил на маркизе костюм XVIII века одеждой революционного периода, а у ног лошади парижане увидели удивительную деталь – черепаху! Так скульптор пошутил над собственной медлительностью, проявленной при выполнении этой работы. В 1985 году ради постройки пирамиды перед Лувром с подземным входом в музей памятник перенесли в парк Cours-la-Reine («Путь королевы») в Восьмом округе Парижа.

П. В. Бартлетт. Конная статуя Лафайета. 1900 © Wikimedia Commons

А вы знаете?

Пол Бартлетт был одним из первых американских скульпторов, кто стал высекать скульптуру из блока камня или цельного дерева. До него в США предпочитали отливки в бронзе на основе детальной модели в глине или гипсе.

Сай Твомбли – американский художник, скульптор и фотограф, родившийся в 1928 году. На него оказали сильное влияние работы таких художников, как Роберт Раушенберг, Джексон Поллок и Виллем де Кунинг, причисляемые к абстрактному экспрессионизму. Для живописи Сая Твомбли характерна композиция all-over, когда вся поверхность холста покрыта росчерками, пятнами и царапинами. Часто он включал в свои картины текст – фрагменты поэзии или прозы. Некоторые критики называют его работы упрощенными и детскими, другие считают его подход к живописи новаторским.

К числу самых известных работ Твомбли относятся монументальная серия «Девять рассуждений о Коммоде» (1963–1966), вдохновленная жизнью римского императора Коммода, и серия «Рисунки на черной доске», созданная в начале 1970-х годов.

Песня That’s All Right, записанная Элвисом Пресли (1935–1977) между 5 и 6 июля 1954 года, стала одним из ключевых моментов в истории рок-н-ролла. Она была написана и впервые исполнена блюзовым музыкантом Артуром «Биг Бой» Крудапом в 1946 году. Но именно версия Элвиса Пресли стала «катапультой», с помощью которой новый музыкальный стиль открылся широкой публике. В записи, проходившей в Мемфисе, штат Теннесси, участвовали трое: Элвис Пресли с вокалом и гитарой, Скотти Мур – на лид-гитаре и Билл Блэк – на контрабасе. Трио экспериментировало с различными звуками и стилями, и когда певец исполнил песню Артура Крудапа в блюзовой манере и в быстром темпе, они поняли, что нашли нечто особенное. Энергичная смесь блюза, кантри и ритм-энд-блюза (R’n’B), прозвучавшая в этой песне, ознаменовала разрыв с поп- и крунинг[17] -стилями и возвестила о наступлении новой эры в популярной музыке – рок-н-ролла.

Вернисаж, прошедший в этот день в Музее современного искусства Парижа, стал триумфом массовой культуры, современных образов и символов, которые определяют нашу повседневную жизнь. Этой экспозицией заявило о себе художественное движение Figuration narrative («Нарративная фигурация»). Это течение стало реакцией на абстракцию и формализм, господствовавшие в искусстве того периода. Представлявшие его художники использовали популярные образы, заимствованные из комиксов, рекламы и кино, и утверждали повествовательный и фигуративный подход в живописи. Они создавали произведения, отражавшие повседневную жизнь, политические и социальные события современности. Не признавая американский поп-арт, возникший несколькими годами ранее, художники «нарративной фигурации» использовали тем не менее похожие приемы – гротеск, юмор и насмешку – для придания своим работам актуального звучания.

«Ночной дозор» – масштабная картина (3,8×4,5 м) голландского художника Рембрандта (1606–1669), написанная им в 1642 году и занимающая целый зал в Рейксмузеуме в Амстердаме. «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» – таково изначальное название корпоративного портрета, который заказали и оплатили 18 офицеров и стрелков одной из рот амстердамского ополчения. Однако заказчики остались не слишком довольны: Рембрандт не только увеличил число персонажей почти вдвое, но и нарушил правила жанра: вместо того чтобы представить степенно стоящую группу, художник постарался придать всей сцене как можно более естественный вид, как если бы стал случайным свидетелем их встречи. В результате часть фигур и даже лиц заказчиков скрыта чьими-то спинами или руками.

Рембрандт. Ночной дозор. 1642 © Wikimedia Commons

В XIX веке картина получила название «Ночной дозор», потому что защищавший ее толстый слой лака сильно потемнел, изменив колорит. Только реставрация, начавшаяся 8 июля 2019 года, вернула картине изначальное «дневное освещение». В масштабных реставрационных работах, названных «Операция “Ночной дозор”», были задействованы около 20 специалистов, а расходы оценивались в несколько миллионов евро. Реставраторы работали за стеклянным ограждением, на виду у посетителей и с онлайн-трансляцией. Они провели расчистку поверхности, восстановили все поврежденные участки и вернули живописи изначальный колорит. Картине посвящены фильмы «Ночной дозор» Дэвида Джексона (1995), а также «Тайны “Ночного дозора”» (2007) и «Рембрандт. Я обвиняю!» (2008) Питера Гринуэя.

А вы знаете?

До «Операции» «Ночному дозору» Рембрандта несколько раз оказывали «скорую помощь» из-за чрезвычайных происшествий. В 1911 году безработный попытался разрезать картину ножом. В 1939-м, во время эвакуации, холст похитили нацисты, и только после Второй мировой войны картина вернулась в музей. В 1975 году еще один безработный прорезал холст в нескольких местах. В 1990 году пациент психиатрической больницы облил «Ночной дозор» кислотой.

Rock Around the Clock – рок-н-ролльная песня, написанная Максом К. Фридманом и Джеймсом Э. Майерсом в 1952 году. В ней поется о вечеринке, на которой молодые люди танцуют всю ночь напролет под рок-н-ролл. Настоящую известность песне принесла версия Билла Хейли, записанная через два года. Ее отличали от исходной композиции быстрый темп, захватывающая басовая линия и запоминающийся припев. После того как песня прозвучала в фильме «Школьные джунгли» (1955), случилось историческое событие: 9 июля 1955 года впервые в истории музыки рок-н-ролльный сингл вышел на первое место в рейтинге Billboard (в категории «поп-музыка»). Песня продержалась на вершине хит-парада более восьми недель. Она стала настоящим символом рок-н-ролла и способствовала популяризации этого музыкального направления.

Через год после смерти американского джазового музыканта Сиднея Беше (1897–1959) в курортном городе Жуан-ле-Пен на Лазурном берегу Франции установили его бронзовый бюст, созданный скульптором Абелем Кретьеном. На открытие памятника собралось множество его друзей и почитателей из мира музыки и искусства. Церемония послужила напоминанием о важности вклада Беше в развитие джаза, а памятник со временем стал туристической достопримечательностью и символом джазовой истории на Лазурном берегу. В том же 1960 году в Жуан-ле-Пен был основан джазовый фестиваль.

Уроженец Нового Орлеана, Сидней Беше был одним из пионеров джаза и уникальным мастером игры на сопрано-саксофоне и кларнете. В 1949 году он переехал в Европу и снискал там огромную популярность. Самые известные записи Сиднея Беше – Blues in Thirds (1940), Blue Horizon (1944) и Out of The Galion (1945).

Берлинская академия искусств была открыта 11 июля 1696 года Фридрихом I Прусским (1657–1713) в самом центре города. Она создавалась для подготовки художников, которые должны были выполнять заказы прусского двора. Однако вскоре академия стала независимым учреждением, отвечавшим за развитие искусства в стране. На протяжении столетий учреждение претерпело несколько преобразований, отразивших политические и культурные изменения в Германии. В эпоху Третьего рейха академию использовали как инструмент пропаганды нацистской идеологии. После Второй мировой войны Берлинская академия искусств была восстановлена как независимая институция и вернула себе позиции одного из важнейших центров искусства и культуры в Германии.

Этот день стал началом великого приключения The Rolling Stones: в лондонском клубе Marquee состоялся самый первый концерт группы, ставший настоящей удачей. В тот вечер должна была играть группа Blues Incorporated, но ее пригласили выступить на радио BBC. Основатель The Rolling Stones Брайан Джонс ухватился за этот шанс и уговорил владельца клуба Гарольда Пендлтона разрешить его группе выступить. В этот вечер исполнялись только блюзовые каверы, и группа произвела очень хорошее впечатление на публику. В дальнейшем The Rolling Stones ждала череда успехов, и вскоре они завоевали статус культовой группы.

Двойной концерт Live Aid – музыкальная благотворительная акция, прошедшая одновременно в Лондоне и Филадельфии. Его организаторами выступили ирландский музыкант Боб Гелдоф и известный британский композитор Мидж Юр. Цель мероприятия состояла в сборе средств для голодающих в Эфиопии и поддержку борьбы со СПИДом. Лондонский концерт прошел на стадионе «Уэмбли». В нем приняли участие настоящие звезды: Queen, U2, Дэвид Боуи и Мадонна. На концерте в Филадельфии, прошедшем на стадионе имени Джона Кеннеди, выступили не менее известные исполнители: Боб Дилан, Карлос Сантана и The Beach Boys. Оба мероприятия транслировались в прямом эфире по всему миру, их посмотрели миллионы людей. В общей сложности они принесли 127 млн долларов.

Финансовый успех Рембрандта (1606–1669) как востребованного художника был так же велик, как и чрезмерные траты его семьи. С 1650 года у него начались финансовые проблемы, которые усугублялись долговыми обязательствами вплоть до 14 июля 1656 года, когда Рембрандт объявил себя банкротом. Его дом, студия и имущество были проданы с аукциона, чтобы расплатиться с кредиторами. Помимо денежных затруднений, Рембрандта постигли две трагедии – смерть его жены Саскии (1642) и сына Титуса (1668). Несмотря на эти испытания, художник продолжал творить до конца жизни. По мнению ряда специалистов, его последние работы отличаются большей эмоциональной глубиной, что, вероятно, отражает пережитые им испытания. Банкротство Рембрандта часто приводят в качестве примера финансовых трудностей, с которыми могут столкнуться даже самые великие художники.

Gangnam Style – песня в исполнении южнокорейского певца Psy. Вскоре после выхода ее популярность приобрела вирусный характер, и ее узнали по всему миру. Видеоклип, быстро разлетевшийся в социальных сетях, к 21 декабря того же года стал первым роликом, набравшим миллиард просмотров на YouTube, а через два года счетчик просмотров превысил свои возможности, так что видеохостингу пришлось его обновить. Причин такого успеха несколько. Хотя мало кто понимает юмор корейского текста, но припев и энергичный ритм легко запоминаются, а смешной танец «лошадка» в исполнении певца вызвал всеобщий восторг. Этот ошеломительный успех проложил путь к популярности южнокорейской поп-музыки, также известной как K-pop.

Французский художник Жан-Батист Камиль Коро (1796–1875) в начале карьеры писал в академической манере. Однако со временем он открыл для себя природу как полноценный сюжет, достойный более не идеализированного, но поэтического воспроизведения. Коро предпочитал работать с привычными мотивами, избегая экзотики и редких видов, так как считал, что вдохновение можно найти в повседневном. Проникновенные пейзажи Коро – «Озеро с бегущими нимфами» (1861) или «Воспоминание о Мортефонтен» (1864) – мастерски передают мягкий свет, влажный воздух, игру теней, а также неуловимое настроение момента.

Работал Коро быстро, стараясь уловить сиюминутное впечатление от увиденного, будь то рассвет, порывы ветра, дождливый день или весенний воздух. Его работам свойственна даже некоторая незавершенность: художник считал, что, если возвращаться к холсту позже, когда потеряно первое ощущение от увиденного, картина теряет «гармоничный колорит», а вместе с ним – и выразительность. Работы Коро можно узнать по легкой дымке, смягчающей очертания предметов, ради чего художник разработал авторскую технику наложения мазков.

Картина «Бретонские купальщицы в скалах» написана французским художником Люсьеном Симоном (1861–1945) в 1913 году. Исполненная в импрессионистической манере, она представляет группу обнаженных женщин, отдыхающих на скалистом берегу моря в Бретани. Баланс теплых и холодных тонов и мастерская светотеневая проработка воссоздают ощущение томительного летнего зноя и приносящей облегчение морской прохлады. На аукционе, состоявшемся 17 июля 2021 года, цена картины была обозначена в диапазоне от 30 до 50 тыс. евро. Однако в итоге она была продана за 155 тыс. евро, установив ценовой рекорд на живопись Люсьена Симона.

Итальянский художник эпохи Возрождения Паоло Кальяри (1528–1588) вошел в историю искусства под псевдонимом Веронезе. Он прославился грандиозными – как по размеру, так и по сложности композиции – картинами на религиозные, мифологические и исторические сюжеты. Самые известные из них были созданы в Венеции: это «Брак в Кане Галилейской» (1563), исполненный для трапезной аббатства Сан-Джорджо Маджоре, и «Тайная вечеря» (1873) – для базилики Санти-Джованни-э-Паоло. Последняя была плохо принята настоятелем базилики: он не оценил необычных персонажей, которых художник вывел на передний план: собаку, шута с попугаем, слугу с окровавленным носом и одетых по немецкой моде гостей. Действительно, эта евангельская сцена больше напоминает праздничный банкет. Когда Веронезе отказался убрать с картины собаку, настоятель подал жалобу в Трибунал Святой инквизиции. Судебное заседание, состоявшееся 18 июля 1573 года, постановило, что художник обязан «исправить и дополнить» композицию. Однако Веронезе поступил иначе: он просто изменил ее название, и картина стала называться «Пир в доме Левия».

«Дегенеративное искусство» – такой термин использовали нацисты в Германии для описания произведений современного искусства, которые они считали упадническими и извращенными. Это выражение служило для описания широкого спектра современных художественных направлений, таких как экспрессионизм, кубизм, сюрреализм и дадаизм. «Дегенеративное искусство» противопоставлялось «героическому искусству» – произведениям, которые не только отвечали предписанным стандартам классической красоты, но были выполнены художниками «чистых», как утверждалось, рас. 19 июля 1937 года нацистский режим открыл в Мюнхене выставку «Дегенеративное искусство», на которой были представлены произведения современного искусства немецких и зарубежных мастеров. Сопроводительные тексты высмеивали и демонизировали экспонаты, призывали посетителей презирать их за несоответствие националистической идеологии. Выставка стала настоящей пропагандистской операцией. Многие художники подверглись преследованиям, были заключены в тюрьму или вынужденно бежали из страны. Сегодня выражение «дегенеративное искусство» воспринимается как обличение деспотии и нетерпимости к другим культурам.

«Мадонна с Младенцем и святой Анной», известная также как «Мадонна Палафреньери», – картина Караваджо (1571–1610), итальянского художника эпохи барокко, – была приобретена кардиналом Сципионом Боргезе 20 июля 1606 года. Картину заказало братство Палафреньери для алтаря их капеллы в соборе Святого Петра (Basilica di San Pietro), но первоначально ее поместили в приходской церкви Санта-Анна-деи-Палафреньери в Ватикане. Вскоре заказчики отказались от картины из-за ее несоответствия церковным канонам, поэтому ее смог выкупить кардинал, очарованный этим полотном. На картине изображена Дева Мария, наступающая на змею стопой, на которую опирается Младенец Иисус. Справа стоит святая Анна, наблюдающая за ними. Фигуры помещены в темной комнате и освещены фронтально направленным светом, вступающим в драматический конфликт с мраком фона. Этот прием жесткого противопоставления света и тени, называемый «тенебризм» (от ит. tenebroso – «мрачный», «темный»), стал одним из достижений Караваджо. Сложная и динамичная композиция, крупный масштаб фигур и реалистичность в их проработке – все эти особенности характеризуют зрелый период великого живописца.

А вы знаете?

Хотя картина с самого начала была признана выдающейся, она вызвала скандал в обществе из-за наготы Младенца Иисуса, откровенного декольте Марии и крестьянского одеяния святой Анны.

Appetite for Destruction – первый студийный альбом хард-рок-группы Guns N’ Roses. Он был записан предыдущим летом в Лос-Анджелесе и спродюсирован Майком Клинком. В него вошли 12 песен, в том числе Welcome to the Jungle, Sweet Child O’Mine, Paradise City и Nightrain, ставшие классикой рока. Все композиции этого альбома отличают виртуозные соло, мощные ритмы и провокационные тексты, затрагивающие такие темы, как насилие, наркотики, алкоголь, сексуальность и жизнь в неблагополучных районах Лос-Анджелеса. Appetite for Destruction сразу после выхода занял первое место в хит-парадах США и получил множество наград, в том числе премию «Грэмми» 1989 года за лучшее хард-рок-исполнение. Альбом разошелся тиражом более 30 млн экземпляров по всему миру, и этот успех положил начало карьере Guns N’ Roses.

«Русалочка» – знаменитая бронзовая статуя в гавани Копенгагена, столице Дании. Героиня сказки датского писателя Ганса Христиана Андерсена (1805–1875) представлена сидящей на скале и смотрящей на море. Скульптура была создана скульптором Эдвардом Эриксеном (1876–1959) в 1913 году. Копенгагенская «Русалочка» стала одной из самых популярных туристических достопримечательностей Дании и местом паломничества для поклонников сказки Андерсена. Однако статуя не раз становилась объектом споров и вандализма. Ее красили в красный цвет, обезглавливали, а 22 июля 1984 года у нее украли правую руку, которую вандалы, к счастью, вернули через два дня. С тех пор за статуей днем и ночью следят камеры наблюдения.

Песню «Интернационал» в 1871 году написал французский рабочий Эжен Потье (1816–1887), а в 1888 году положил на музыку бельгийский композитор Пьер Дегейтер (1848–1932). Песня стала официальным гимном социалистического Интернационала – политического движения, целью которого является распространение идеалов социализма во всем мире. Каждый из шести куплетов песни описывает чаяния рабочих всех стран и призывает их объединиться, бороться с угнетением и строить равноправное общество. Первое публичное исполнение песни хором состоялось 23 июля 1888 года в Лилле. Хотя с 1981 года песня не является официальным гимном социалистической партии Франции, она остается символом борьбы за социальную справедливость и равенство.

Ночью 24 июля 2020 года муниципальные власти Чикаго демонтировали две статуи Христофора Колумба: одну в Грант-парке, вторую – в Итальянском квартале города. Решение о демонтаже принял мэр Лори Лайтфут, принадлежащий к демократической партии, на фоне накалившегося в американском обществе противостояния в отношении памятников неоднозначным личностям. В течение нескольких недель, предшествовавших демонтажу двух статуй, участились протесты, что привело к столкновениям между противоборствующими группировками. Часть граждан США ассоциировали Христофора Колумба с жестоким обращением европейцев с индейцами, в то время как другие считали его одним из искателей приключений, открытия которых обеспечили переход от Средневековья к Новому времени. Ряд статуй Христофора Колумба подверглись вандализму, в частности в Бостоне и Майами. Город Сан-Франциско также решил убрать статую мореплавателя из местного парламента.

Ежегодный фестиваль фолк-музыки в Ньюпорте (США), основанный в 1959 году, считается одним из старейших и самых престижных музыкальных фестивалей в стране. Отчасти такой известностью фестиваль обязан музыканту Бобу Дилану (род. 1941). Двадцать пятого июля 1965 года Боб Дилан впервые сыграл на электрогитаре, чем вызвал немалый переполох в фолк-сообществе. Свое выступление перед 50 тыс. поклонников он начал с трех электронных композиций. Публика запротестовала, раздался даже крик “Judas!” («Иуда!»). Несмотря на протесты, из 25 минут пребывания на сцене только десять Боб Дилан играл на акустической гитаре. Это было официальное прощание музыканта с миром фолк-музыки, после чего он отправился покорять новые аудитории и пробовать себя в других музыкальных жанрах.

«Парсифаль» – опера в трех действиях, написанная Рихардом Вагнером (1813–1883). Впервые это музыкальное произведение было представлено публике в баварском городе Байройте. В основе либретто, написанного самим композитором, лежит средневековая немецкая легенда, которую он трактовал как мистерию об искуплении. Опера повествует о пути посвящения Парсифаля, невежественного и неопытного молодого рыцаря. Обнаружив священную реликвию, наделенную божественной силой, Парсифаль должен противостоять злым силам мага Клингсора и научиться владеть своей природой, чтобы стать настоящим рыцарем. «Парсифаль» считается одной из самых мрачных опер Рихарда Вагнера. Музыковед Эрнест Ньюман назвал ее «одним из трех или четырех самых трогательных духовных переживаний в своей жизни», но другие критикуют мелодические темы и зыбкую сюжетную линию.

Двадцать седьмого июля 1944 года немецкие нацисты расстреляли в Лионе пятерых бойцов французского Сопротивления – Альбера Шамбонне, Жильбера Дрю, Леона Пфеффера, Рене Бернара и Франсиса Шира. Казнь стала местью за произошедшее накануне нападение на кафе Le Moulin à vent, где отдыхали офицеры германской армии, гестаповцы и милиционеры. После войны в память о казненных на том самом месте, где состоялся расстрел, воздвигли мемориал. Он был торжественно открыт 4 сентября 1948 года. Памятник «Каменный страж» создан скульптором Жоржем Салендром (1890–1985) в соавторстве с архитектором Луи Тома (1892–1989) и составляет неделимое целое со зданием. К мощному пилону на углу здания примыкает трехметровая статуя – обнаженный юноша, опирающийся на стреловидный щит. Небольшая галерея позади пилона открывает настенные надписи: имена пяти убитых бойцов, названия мест, где нацисты совершили преступления, перечень лет, когда длилась Вторая мировая война, а также фраза «Passant, va dire au monde qu’ils sont morts pour la liberté» («Прохожий, иди и скажи миру, что они погибли за свободу»). В работе над статуей Жорж Салендр избрал в качестве образца скульптуру «Давид» великого ренессансного мастера Донателло.

Картина французского художника Эжена Лами (1800–1890) «Смотр национальной гвардии, нападение Фиески» была написана в 1846 году. На ней изображено нападение корсиканца Джузеппе Фиески на короля Луи-Филиппа 28 июля 1835 года, в день празднования Июльской революции. Во время королевского смотра национальной гвардии Джузеппе Фиески открыл огонь по толпе из сконструированного им оружия. Восемнадцать человек были убиты, но король остался невредим. Картина шириной более двух с половиной метров и высотой 57 см поражает своей реалистичностью и степенью проработки. В цветовой палитре преобладают цвета французского флага – синий, красный и белый. Композиция строится на сопоставлении нижней и верхней частей – переднего плана с изображением толпы и плотной городской застройки на заднем плане.

На картине «Бой на улице Роан 29 июля 1830 года» изображен один из ключевых моментов Французской революции 1830 года, вошедшей в историю как Июльская революция. Восставшие парижане бились против короля Карла X в течение трех дней. Последняя битва бунтовщиков с королевской армией произошла 29 июля 1830 года на перекрестке улиц Роан и Сент-Оноре.

И. Леконт. Бой на улице Роан 29 июля 1830 года. 1831 © Wikimedia Commons

Через год художник Ипполит Леконт (1781–1857) написал картину, в подробностях воссоздав это историческое событие: группы вооруженных повстанцев, раненый всадник, лежащие на земле трупы… Художник воспроизвел царившую в тот день атмосферу хаоса и героического противостояния. Сейчас картина хранится в Музее Карнавале в Париже.

А вы знаете?

Полотно Леконта осталось в тени другой картины, получившей мировую известность и затмившей даже само событие: «Свобода, направляющая народ», написанная Эженом Делакруа в 1830 году и посвященная Июльской революции.

Французский художник и писатель Адольф Леон Виллетт (1857–1926) издал свои первые карикатуры в 1877 году. Выпускник парижской Школы изящных искусств, Виллетт стал публиковаться под псевдонимом Нокс. Политическая активность и смелые карикатуры вскоре принесли ему известность. Помимо рисунков, он создавал картины маслом, рекламные плакаты, обложки для книг, декорации для ресторанов, театров и кабаре и даже меню для пивных. В 1881 году Виллетт участвовал в создании знаменитого парижского кабаре Le Chat Noir, а в 1889-м его пригласили расписать «Мулен Руж». В 1888 году художник открыл в Париже свою первую выставку. Количество его работ очень велико, и сегодня они находятся в музеях по всему миру.

В этот день в центре города Ножан-сюр-Марн, во дворе нового жилого комплекса «Маленькая Италия», установили бронзовую статую. Скульптура имеет два названия – «Вальнурийка», то есть жительница Валь-Нуре (долины под Пьяченцей в Италии), и «Перьевщица», что означает мастерицу по работе с птичьим пером. Статуя высотой два с половиной метра была выполнена скульптором Элизабет Сибо. Памятник был задуман как дань уважения итальянским работницам-иммигранткам рубежа XIX–ХХ веков. Идея исходила от городского совета, состоявшего на тот момент из представителей правых сил и симпатизировавших президенту Николя Саркози. Монумент привлек большое внимание СМИ и вызвал гнев оппозиции, поскольку моделью для статуи стала первая леди, итало-французская певица Карла Бруни-Саркози. В результате разгоревшихся дебатов городские власти отказались внести половину стоимости статуи, как планировалось изначально, и всю сумму – около 80 000 евро – выплатил застройщик жилого комплекса. Официальное открытие памятника состоялось через несколько дней после установки, в сентябре 2012 года.

В 1896 году на церемонии открытия первой Олимпиады современности в Афинах (Греция) прозвучал гимн, написанный греческими авторами – композитором Спиридоном Самарасом и поэтом Костисом Паламасом. Однако тогда он не стал обязательным элементом Олимпиады: ни на парижских Играх 1900 года, ни в Сент-Луисе в 1904 году его не исполняли, а в Лондоне в 1908 году звучал гимн Британской империи.

В 1936 году немецкий композитор Рихард Штраус (1864–1949) написал новый гимн и на открытии Олимпиады в Берлине дирижировал оркестром. Эту версию сочли самой удачной, однако после обвинений композитора в сотрудничестве с нацистской Германией от нее отказались. Наконец, в 1958 году Международный олимпийский комитет объявил сочинение Самараса и Паламаса официальным олимпийским гимном.

А вы знаете?

Олимпийский гимн звучит на каждой официальной церемонии во время Игр. В особенных случаях он также заменяет национальный гимн на церемонии вручения медалей.

Бельгийский скульптор Пол ван Хейдонк (1925–2016) создал алюминиевую скульптуру «Павший астронавт» в память о погибших космонавтах. Второго августа 1971 года экипаж «Аполлона-15» высадился на Луну, и один из его членов, Дэвид Скотт, установил статуэтку на ее поверхности. Алюминиевая табличка, дополняющая памятник, содержит имена 14 советских и американских героев космоса и комментарий: «Они отдали свою жизнь, исследуя неизвестное». На сегодняшний день это единственное произведение искусства, нахождение которого на Луне подтверждено. Предположительно миссия «Аполлона-12» в 1969 году тайно доставила на спутник Земли Лунный музей, созданный Форрестом Майерсом, но доказательств этому нет.

Единственный городской театр в Милане уничтожил пожар, и герцогиня Мария Терезия Австрийская заказала спроектировать новое здание архитектору Джузеппе Пьермарини (1734–1808). Так появился театр Ла Скала. Во время торжественного открытия 3 августа 1778 года состоялась премьера оперы Антонио Сальери «Признанная Европа». С тех пор театр представил множество премьер и завоевал репутацию мирового оперного центра. Здесь выступали такие известные артисты и дирижеры, как Артуро Тосканини и Риккардо Мути. Поврежденный во время Второй мировой войны, театр был восстановлен и сейчас является одной из жемчужин Милана.

Театр Ла Скала. Милан, Италия. 1778 © Wikimedia Commons

А вы знаете?

Публика Ла Скала славится своей взыскательностью. Некоторые артисты поплатились за несовершенное пение в этом зале. Так, 10 декабря 2006 года во время исполнения оперы Джузеппе Верди «Аида» здесь освистали тенора Роберто Аланью. В конце первого акта певца вынудили покинуть сцену, и его экстренно заменил Антонелло Паломби: не успев переодеться в костюм, он вышел в джинсах и кроссовках.

В этот день американский журнал Billboard начал составлять еженедельный рейтинг 100 самых популярных в Соединенных Штатах песен – Billboard Hot 100. Изначально его составляли, ориентируясь на количество проданных синглов. Однако этот рейтинг одним из первых, помимо продаж компакт-дисков, стал учитывать другие показатели, что делает его особенно точным. В 1998 году за основу расчетов приняли частоту попадания в радиоэфир, а в 2013 году к критериям добавилось количество просмотров на YouTube. Сегодня музыкальные чарты Billboard входят в число самых влиятельных в мире. Музыкальная индустрия, СМИ и поклонники отслеживают эти еженедельные публикации и используют в качестве ориентира в мире современной музыки.

В этот день Леонардо да Винчи (1452–1519) выполнил пером и коричневыми чернилами рисунок «Пейзаж долины Арно». О дате свидетельствует авторская подпись в левом верхнем углу листа, и, таким образом, это самый ранний из известных на данный момент рисунков великого художника. Размеры листа – 19×28 см. Рисунок представляет собой вид на долину реки Арно с высот близ Флоренции. Леонардо да Винчи воспроизвел холмы, возделанные поля, сады и виноградники, а на дальнем плане – Флоренцию со знаменитым собором. Рисунок выполнен с высокой степенью детализации и воспроизводит такие нюансы, как тени облаков. В настоящее время он хранится в галерее Уффици во Флоренции – комплексе площадью 8000 кв. м, где находится одна из лучших в мире коллекций европейской живописи.

«Заморозка» (Freeze) – выставка современного искусства, проходившая на заброшенном складе в Лондоне. Ее организовали Дэмиен Херст и ряд других молодых художников – Гэри Хьюм, Майкл Лэнди, Сара Лукас и Фиона Рэй. Пресса проявила интерес к выставке, поэтому с нее началась карьера некоторых ее участников.

«Заморозку» также считают отправной точкой для художественного движения «Молодые британские художники» (YBA). Его представители провозглашали своей целью преодоление этических и институциональных границ. Дэмиен Херст даже использовал разрезанных животных. Неоднозначные жесты представителей движения привлекли внимание средств массовой информации. Группа стала доминировать в британском искусстве в 1990-е годы.

Песня Tik Tok с дебютного альбома американской исполнительницы Кеши Себерт (род. 1987) очень скоро после выхода заняла первое место в чартах нескольких стран, включая США, Великобританию и Австралию. Текст песни посвящен вечеринкам, отношениям и алкоголю. Сингл критиковали за поверхностное содержание, но хвалили за позитивную энергию, заключенную в нем. Tik Tok стала одной из самых продаваемых песен 2010 года и сделала Кешу международной звездой, а альбом Animal разошелся тиражом, превысившим 15 млн экземпляров.

А вы знаете?

Песня была выпущена за семь лет до появления мобильного приложения TikTok, позволяющего пользователям обмениваться короткими видеороликами. Приложение способствовало широкому распространению музыкальных видеоклипов, таких как Dance Monkey группы Tones and I, в записи которого участвовало множество танцоров.

Джексон Поллок (1912–1956) – американский художник, сыгравший ведущую роль в формировании абстрактного экспрессионизма. В 1940-х годах он разработал собственный стиль – капельную живопись (англ. drip painting). Он разбрызгивал краску по поверхности холста или стены, контролируя каждую каплю или, наоборот, экспрессивно размахивая кистью. Нанося различные краски, художник добивался сложных цветовых сочетаний. Картины Поллока выражают интенсивное эмоциональное напряжение, порой доходящее до страдания.

Восьмого августа 1949 года о художнике была написана большая статья в журнале Life, которая вознесла его в ранг звезды современного американского искусства. Карьера Поллока была прервана скоропостижно: в возрасте 44 лет он погиб в автокатастрофе. Тем не менее его творчество оказало неизгладимое влияние на американское и мировое искусство.

Последний концерт группы Queen с участием Фредди Меркьюри (1946–1991) состоялся 9 августа 1986 года в парке Кнебворт в Великобритании. Концерт стал одним из крупнейших событий в истории рок-музыки, собрав более 120 тыс. поклонников. Его завершили песни We Are the Champions и God Save the Queen. Также прозвучали композиции с последнего альбома A Kind of Magic. Это памятное для поклонников Queen событие высоко оценили критики, впечатленные выступлением группы. Это был последний раз, когда Фредди Меркьюри пел на публике до своей смерти, наступившей в 1991 году.

Луврский музей открылся под названием Центральный музей искусств Республики через год после падения французской монархии. Инициатором его создания выступил Национальный конвент. Первая экспозиция состояла из произведений искусства, конфискованных у дворянства и духовенства, а также из предметов королевских коллекций, – всего 537 предметов.

Сегодня постоянная экспозиция Лувра насчитывает более 38 000 предметов, и почти 500 000 находятся в хранилищах. Музей несколько раз расширялся, а некоторые залы были отреставрированы. В наши дни Лувр – один из самых посещаемых музеев мира, символ богатства и истории европейского искусства.

Ханс Мемлинг, фламандский художник эпохи Возрождения, родился в Германии около 1435–1440 годов. Бо́льшую часть жизни он провел в Брюгге. Наибольшую известность ему принесли религиозные картины. Его живопись отличает богатство цвета и фактур. Картина «Мадонна с Младенцем в окружении святых», хранящаяся в Лувре, считается одной из лучших работ фламандского Возрождения.

Художник умер во Франции 11 августа 1494 года. Хотя Ганс Мемлинг менее известен, чем итальянские художники эпохи Возрождения, такие как Леонардо да Винчи или Микеланджело, он оказал огромное влияние на свою эпоху, а его работы до сих пор считаются яркими образцами позднеготического искусства.

Пьер Сулаж – французский художник и гравер, родившийся в 1919 году в Родезе и умерший в 2022 году в Ниме. Один из величайших художников XX века, он наиболее известен своими работами в черном цвете. Сулаж начал писать в 1940-е годы под влиянием работ Пабло Пикассо и Жоана Миро. Вскоре он выработал собственный стиль – черные холсты или абстрактные композиции с использованием темных цветов. Картина «12 августа 1959 года» типична для этого стиля. На золотой фон художник положил несколько мазков черной краски. Работы Пьера Сулажа пользуются ослепительным успехом, некоторые из них продаются за несколько миллионов евро. В 2014 году в Родезе был открыт музей Сулажа, в котором выставлены работы художника.

Монолит Коатликуэ – это скульптура ацтеков, обнаруженная во время работ по выравниванию главной площади Мехико. Статуя весит 12 т и впечатляет размерами: ее высота составляет два с половиной метра, ширина – полтора метра и толщина – полтора метра. Она представляет ацтекскую богиню плодородия и земли: у нее две змеиные головы, орлиные когти, юбка – из змей, а ожерелье – из сердец и отрубленных рук. Согласно легенде, Коатликуэ – мать бога войны. Он родился, когда первые дети Коатликуэ пытались ее убить, и сам убил нападавших.

Монолит Коатликуэ. Мехико, Мексика © Leon Rafael / shutterstock.com

После обнаружения монолит был выставлен в Университете Новой Испании, а затем перезахоронен, чтобы потомки коренных жителей не поклонялись ему. Только в 1821 году, когда Мексика провозгласила независимость, статуя вновь была выставлена на всеобщее обозрение.

А вы знаете?

В 1964 году статую передали в Национальный музей антропологии в Мехико.

Древнегреческий миф о Данае стал источником вдохновения для многих знаменитых художников, например Густава Климта (1862–1918). Миф послужил основой для оперы, начатой немецким композитором Рихардом Штраусом и завершенной Клеменсом Крауссом в 1952 году, через три года после смерти Штрауса. Опера «Любовь Данаи» рассказывает историю девушки, которую отец заточил в башню, чтобы защитить ее от предсказания оракула. Согласно пророчеству, Даная должна была родить сына, который убьет ее отца, своего деда. Влюбившийся в Данаю Зевс сумел соединиться с ней, превратившись в золотой дождь. От этого союза родился сын Персей.

Хотя оперу критиковали за отсутствие ясности и драматической связности, музыка получила широкую известность благодаря красоте и изобретательности. Музыкальные темы богаты и разнообразны по интонации – от эротической чувственности до эпического величия.

Фестиваль в Вудстоке стал культовым культурным событием конца 1960-х годов. Он проходил с 15 по 18 августа 1969 года в Бетеле, штат Нью-Йорк. Фестиваль задумывался как праздник музыки, мира, любви и контркультуры. В концертной программе приняли участие крупнейшие музыканты того времени. Мероприятие привлекло более 400 тыс. человек, которые на три дня расположились в палаточном городке. На сцену вышли 32 исполнителя и группы, представляющие самые разные музыкальные стили, включая рок, блюз, соул и фолк. Среди исполнителей были Дженис Джоплин, Джими Хендрикс, The Who и Джоан Баэз. Некоторые выступления вошли в историю, например знаменитый кавер Ричи Хейвенса на песню группы Freedom или исполнение Джо Кокером песни With a Little Help from My Friends.

«Тайная вечеря» – картина, написанная Леонардо да Винчи на стене церкви Санта-Мария-делле-Грацие в Милане в 1495–1498 годах. На ней изображен последний ужин Иисуса Христа с двенадцатью апостолами накануне распятия. Леонардо да Винчи удалось создать динамичную и выразительную сцену, расположив фигуры вокруг U-образного стола с Иисусом в центре и апостолами по обе стороны от него. Это замечательный пример изображения перспективы, причем художник использовал оптическую иллюзию (trompe-l’œil), чтобы расширить комнату.

В ночь на 16 августа 1943 года церковь серьезно пострадала от воздушной бомбардировки. Были повреждены свод и одна из стен, после чего влага нанесла серьезный ущерб картине. Это событие потребовало проведения в 1947 году реставрационных работ. С тех пор эта невероятно хрупкая живопись находится под защитой системы температурно-влажностного контроля.

Голландская компания Philips и японская Sony в конце 1970-х годов разработали компакт-диски (CD) по соглашению о сотрудничестве, подписанному в 1979 году. Однако у компаний возникли некоторые разногласия, в частности по поводу размера диска (в итоге договорились о 12 см). В результате только 17 августа 1982 года первые компакт-диски сошли с конвейера, совершив осенью того же года революцию на рынке звукозаписи. Промышленное производство сделало возможным запись, хранение, транспортировку и воспроизведение звука на CD.

Частные лица приняли этот новый носитель не сразу. В то время CD стоил дороже винила и требовал дорогостоящего специального оборудования. В первые годы каталог записей также был очень ограничен. Лишь в 1987 году продажи компакт-дисков превысили продажи виниловых проигрывателей. Однако за последние несколько лет эта тенденция изменилась и в 2022 году винил снова обошел компакт-диски.

Импровизация Джими Хендрикса (1942–1970) на фестивале в Вудстоке стала историческим выступлением американского гитариста. Первоначально выход музыканта на сцену был запланирован на воскресенье 17 августа в 11 часов вечера, но затянувшиеся выступления других групп вынудили его выступить на следующее утро около девяти утра, когда фестиваль уже закрылся.

В течение примерно двух часов Джими Хендрикс исполнял 18 песен, включая импровизацию на тему американского национального гимна. Это выступление вошло в историю как образец креативности и оказало огромное влияние на музыкальную историю. Оно стало символом контркультуры 1960-х годов.

«Салон М. Ириссона, 19 августа 1839 года» – картина французского художника-неоклассициста Проспера Лафайе (1806–1883), написанная в 1844 году. На ней изображена типичная для того времени жанровая сцена – вечерний прием в буржуазном доме. Гостиная богато украшена, гости в элегантных нарядах беседуют, танцуют и играют на музыкальных инструментах. Сцена освещена лампами, создающими теплую, интимную атмосферу. Художник воспроизвел светскую жизнь, роскошь и изобретения того времени.

Дата в названии картины указывает на день, когда Франсуа Араго, французский ученый и политик, заявил перед Академией наук и изящных искусств, что Французское государство приобрело лицензию на дагеротип – изобретение Луи Дагера, положившее начало фотографии, – чтобы «наделить им весь мир». Картина находится в Музее Карнавале в Париже.

Собор Мадонны Антверпена – готическая церковь в городе Антверпен, Бельгия. Это один из самых величественных готических соборов в Европе, в котором собрано множество произведений искусства, включая скульптуру, картины и витражи. Именно его великолепие сделало его мишенью для вандализма: в 1566 году, а потом в 1581 году протестанты, выступавшие против католицизма, разграбили и повредили собор. Церковная мебель была продана, а многие скульптуры и картины уничтожены или похищены. Это большая потеря для истории искусства, так как многие из погибших произведений не были даже описаны или зарисованы. Сегодня в церкви почти не осталось предметов, относящихся к Средним векам.

Это одна из самых знаменитых краж в истории. Картина «Мона Лиза», написанная Леонардо да Винчи, была украдена из Лувра 21 августа 1911 года. Кража была настолько поразительной, что охранник, заметивший пропажу картины вечером того же дня, не стал поднимать тревогу, уверенный, что произведение просто переместили. Французские власти отнеслись к этому делу очень серьезно и усилили пограничный контроль.

Сначала следователи подозревали поэта Гийома Аполлинера и художника Пабло Пикассо, которые купили финикийские статуэтки, украденные одновременно с картиной. После двух лет расследования «Мону Лизу» наконец нашли в Италии. Кражу совершил Винченцо Перуджиа, сотрудник компании, нанятой музеем для остекления картин. Он хранил картину в своей комнате в Париже в течение двух лет. Когда он попытался продать ее коллекционеру Альфредо Джери, тот позвонил в полицию с сообщением о продавце.

Who’s That Girl – песня американской певицы Мадонны, выпущенная 30 июня 1987 года. Ее написали и спродюсировали сама Мадонна и Патрик Леонард для одноименного фильма, в котором певица сыграла главную роль.

Песня имела огромный коммерческий успех, достигнув первого места в чартах в нескольких странах, включая США, Великобританию и Австралию. Двадцать второго августа 1987 года песня достигла первого места в Billboard Hot 100, став шестой победой Мадонны в этом чарте. Песня принесла певице номинацию на премию «Грэмми» 1988 года в категории «Лучшая песня для кинофильма». В ней соединены поп и электронная музыка, а запоминающийся текст на испанском языке демонстрирует интерес Мадонны к латиноамериканской культуре.

Гаргулья служит сливом для водосточных труб на фасаде здания, чем отличается от химеры, которая является не более чем украшением. Согласно легенде, гаргулья появилась благодаря святому Роману, епископу Руанскому VII века: он крестным знамением и молитвой победил монстра по имени Гаргуйль, терроризировавшего людей на берегах Сены. Голову чудовища горожане повесили на стену собора.

Во время последних реставраций храмов некоторые скульпторы взялись за создание гаргулий, придав им более современный вид. Какое лицо может быть у абсолютного зла сегодня? По словам скульптора Джея Холла Карпентера, нет никаких сомнений: это Дарт Вейдер! Двадцать третьего августа 1989 года созданную им гаргулью в виде знаменитого злодея из «Звездных войн» установили на одной из стен Вашингтонского национального собора.

Итальянский художник Джироламо Франческо Мария Маццола, известный как Пармиджанино, оставил множество картин, рисунков и гравюр. Среди его самых известных работ – «Обращение святого Павла» (1528), «Мадонна с Младенцем и святыми» (1529), «Мадонна с розой» (1530) и «Мадонна с длинной шеей» (1535). Пармиджанино родился в 1503 году, восьмым из девяти детей, вырос в семье художников и с ранних лет занялся живописью. Его первые работы были заказаны для религиозных зданий, в том числе для церкви Сан-Джованни Евангелиста в Парме. Его манера живописи сочетала в себе влияние классического искусства с более экспрессивным и романтическим чувством. Он отличался умением передавать красоту в портретах и мастерским использованием перспективы для создания драматических эффектов. Пармиджанино умер 24 августа 1540 года либо от острой лихорадки, усугубленной чрезмерным употреблением алкоголя, либо от отравления ртутью.

Конная статуя Генриха IV изображает короля Франции в доспехах на коне, увенчанного лавром и держащего в правой руке скипетр с флердоранжами. Она была установлена в Первом округе Парижа на площади Пон-Нёф и торжественно открыта 25 августа 1818 года. Во время открытия в скульптуру были вложены пергаменты, книги, медали и другие предметы, которые сейчас хранятся в Музее национальных архивов.

Ф.-Ф. Лемо. Статуя Генриха IV в Париже. 1818 © Wikimedia Commons

Бронзовую статую заказали скульптору Франсуа-Фредерику Лемоту. Говорят, что голову Генриха IV Лемот лепил с министра внутренних дел графа де Воблана, похожего на короля. С 1992 года статуя внесена в список исторических памятников.

А вы знаете?

Эта статуя изображена на одной из первых фотографий – дагеротипе 1837 года, сделанном Луи Дагером и Матюрин-Жозефом Фордосом. Снимок с видом на Пон-Нёф и памятник, перед которым стоят два человека, хранится в Музее искусств и ремесел.

Художник-экспрессионист Франсуа Рьё – современный французский графический дизайнер и живописец. В 2016 году в течение полутора месяцев проходила его выставка в замке Вершаус. Для стиля художника характерна работа быстрыми и порой бурными мазками, когда слои краски нарастают и дают жизнь нарисованным телам и формам. Границы изображенных человеческих тел размыты и растянуты, означая освобождение от органических барьеров. В сериях художника встречаются портреты таких личностей, как Дороти Дэй и Мари Дюран, а также такие темы, как «Тело в движении» и «Духи».

«Танец» – скульптура французского художника Жан-Батиста Карпо (1827–1875), созданная в 1865–1869 годах по заказу новой Парижской оперы. Скульптура выполнена из мрамора, ее высота составляет около двух с половиной метров. Пять обнаженных фигур изгибаются в танце и создают впечатление плавной, выразительной динамики. Однако сотрудники Оперы раскритиковали и отвергли работу за ее чувственность. В ночь с 26 на 27 августа 1869 года скульптура была окрашена черными чернилами. Тем не менее присланный на место происшествия химик сумел восстановить белизну мрамора. В итоге сотрудники приняли статую, которая стала одним из самых популярных произведений в Опере. Сейчас скульптура выставлена в музее Орсе в Париже.

Британская рок-группа Oasis была образована в 1991 году в Англии. Они добились огромного успеха и считаются одной из самых влиятельных групп десятилетия. Группа наиболее известна своим вторым альбомом (What’s the Story) Morning Glory?, выпущенным в 1995 году. Он содержит настоящие хиты – Wonderwall и Don’t Look Back in Anger.

Несмотря на успех, группа объявила о роспуске в 2009 году, после жестокого спора между основателями группы братьями Лиамом и Ноэлем Галлахерами. Это решение было принято после многочисленных конфликтов между братьями, иногда происходивших даже на сцене и за кулисами. Все закончилось перед очередным концертом: Ноэль покинул группу, по его словам, из-за агрессивного отношения со стороны брата.

Лиам Галлахер создал новую группу Beady Eye, а Ноэль занялся сольной карьерой.

В 2022 году на конкурс художественных работ штата Колорадо Джейсон Аллен представил работу, полностью созданную искусственным интеллектом. Картина «Театр космической оперы» была создана с помощью операционной системы MidJourney, которая генерирует изображения на основе ключевых слов. К всеобщему удивлению, Джейсон Аллен, гейм-дизайнер по профессии, получил первый приз в размере 750 долларов. Сгенерированное компьютером изображение футуристично, на нем представлены несколько человек в плащах, выходящие на сцену. За центральной фигурой расположено огромное круглое окно, сквозь которое виден пейзаж.

Когда был объявлен победитель, некоторые художники возразили, что работа, не созданная человеком, не может претендовать на победу в конкурсе. Джейсон Аллен ответил, что «искусственный интеллект – это инструмент, такой же, как кисть, и для приведения его в действие по-прежнему необходим творческий импульс». Он утверждает, что потратил более 80 часов на работу и создал более 900 изображений, прежде чем пришел к этому результату. Директор конкурса Скотт Столлер заявил, что никакого жульничества не было.

Скульптура «30 августа 1991 года, Токио» посвящена мировому рекорду по прыжкам в длину, установленному спортсменом Майком Пауэллом. В этот день американскому спортсмену удалось прыгнуть на 8 м 95 см. Скульптуру создал брюссельский художник Пьер Лароза. Она дает представление о траектории такого прыжка, а также призывает прохожих попробовать силы в этой дисциплине. Работу дополняет 40-метровый подиум.

Заказанная в 2018 году, скульптура была торжественно открыта возле стадиона Roi Baudouin в Бельгии в 2021 году. Работа покорила совет Брюсселя: его члены пришли в восторг от такого соединения искусства и спорта. По словам представителя совета, «немногих художников ‹…› вдохновляет спорт – мир, в котором все эмоции переживаются в полной мере, как и в искусстве».

Диана Спенсер, принцесса Уэльская, погибла в автокатастрофе в Париже 31 августа 1997 года. Авария произошла в тоннеле под мостом Альма, когда автомобиль на большой скорости столкнулся с опорой. Смерть принцессы вызвала огромную волну эмоций и скорби во всем мире.

«Пламя Свободы» – памятник над тоннелем моста Альма – после аварии стал местом паломничества поклонников леди Ди: у него люди возлагают цветы, ставят фотографии и возжигают свечи в память о принцессе. Статуя из позолоченной меди является копией пламени на статуе Свободы в Нью-Йорке. Она была подарена Франции американцами в 1989 году в честь франко-американской дружбы.

Ванесса Паради (род. 1972) представила сингл Be My Baby в поддержку своего альбома, который спродюсировал Ленни Кравиц – американский певец, автор песен и на тот момент партнер артистки. Ванесса Паради жила тогда в Соединенных Штатах. Певица впервые исполнила песню, написанную полностью на английском, и получила международное признание: Be My Baby разошлась по миру тиражом более 800 000 копий. Ленни Кравиц сказал: «Я создавал музыку исключительно для Ванессы. Я пытался прочитать ее мысли, ‹…› понять, что она чувствует».

Роман двух музыкантов продолжался до 1996 года. Затем Паради встретила актера Джонни Деппа, и у пары родилось двое детей.

А вы знаете?

Как правило, международные хиты адаптируют для слушателей разных стран, но Be My Baby существует только в англоязычной версии, и лишь длительность песни различна в разных странах.

Эмили Кейм Кнгваррейе родилась в Австралии в 1910 году. На протяжении жизни она пасла скот и входила в совет старейшин племени. Рисовать Кнгваррейе начала только в 80 лет. В 1988 году она как член Ассоциации СМИ аборигенов Центральной Австралии представила ряд своих картин на выставке «Летний проект». С этого момента началась история ее успеха, и в 1999 году в Амстердаме состоялась ее первая персональная выставка за рубежом. Картина Кнгваррейе «Сотворение мира» (1995), проданная за 700 тыс. евро, стала самым дорогим произведением искусства коренных народов.

Кнгваррейе скончалась в 1996 году, оставив более тысячи картин. Работы художницы являются одним из важнейших образцов современного аборигенного творчества. Она передавала духовные верования коренных народов в абстрактных формах и ярких красках. Ее работы отражают связь между людьми, землей и сверхъестественными существами.

Джеймс Коломина (род. 1975) – французский уличный художник, создающий скульптуры из красной смолы. Произведения «уличного художника-гуманиста», как он себя называет, обличают отчуждение, насилие и расизм.

Художник-урбанист из Нанта Жан-Франсуа Перруа (род. 1957), более известный под псевдонимом Джеф Аэрозоль, – один из пионеров трафаретной уличной живописи. Эта техника представляет собой распыление пигмента на стену поверх шаблона с прорезями. Первую трафаретную работу Джеф Аэрозоль создал в 1982 году в Туре.

С тех пор сотни его росписей украсили улицы в Париже, Лиссабоне, Риме, Венеции, Амстердаме, Брюсселе, Лондоне и других городах. Необычные творения принесли художнику всемирную известность, в первую очередь – «Сидящий ребенок» на Великой Китайской стене (2020) и «Тссссс!» (Chuuuttt!!!) площадью 350 кв. м в Париже (2012).

Джеф Аэрозоль. Стрит-арт-композиция в районе Лаймхаус, Лондон, Англия. 2009 © Wikimedia Commons

Четвертого сентября 2013 года художник создал трафаретный портрет Джими Хендрикса, знаменитого американского гитариста, композитора и певца, в городе Ла-Лувьер в Бельгии. В 2022 году компания Jef Aérosol организовала выставку в 13-м округе Парижа в честь 40-летия карьеры художника.

А вы знаете?

Родоначальником трафаретного граффити считается Блек Ле Рат (настоящее имя – Ксавье Проу). В 1971 году в Нью-Йорке он впервые увидел граффити, но повторить его не сумел. Тогда ему пришла в голову идея использовать трафарет, о котором он узнал на уроках шелкографии. Так зародилось новое направление уличного искусства.

Речь идет не о канадском R’n’B-певце, а о бельгийском художнике и скульпторе Гильоме Корнелисе ван Беверло (1922–2010), работавшем под псевдонимом Корнейль. После обучения в Школе изящных искусств в Амстердаме Корнейль вместе с другими художниками основал экспериментальную группу «Рефлекс» (Reflex), издававшую одноименный журнал.

В 1948 году «Рефлекс» объединился с датской группой художников «Хёст» (Høst) и бельгийской группой сюрреалистов. Название этого интернационального объединения – «КоБрА» (COBRA) – сложилось из начальных букв трех столиц: Копенгагена, Брюсселя и Амстердама.

Корнейль участвовал в крупных выставках группы – в амстердамском музее Stedelijk и во Дворце изящных искусств в Льеже (1951). Художник призывал к свободе цвета и формы. Его основные мотивы – женщины, звери и солнце.

В честь 850-летия города в Москве организовали грандиозный концерт на Воробьевых горах, который длился больше двух часов. Хедлайнером шоу стал знаменитый французский музыкант Жан-Мишель Жарр. Его лазерное шоу открыли четыре истребителя «Русские витязи», пролетевшие на низкой высоте в ночном небе столицы. Жан-Мишель Жарр надел специальные очки, которые транслировали происходящее на главное здание МГУ. Ради этого студентам из расположенного внутри общежития запретили включать свет. Артист исполнил песни из последнего альбома Oxygène 7-13 в сопровождении хора Красной армии и танцоров Большого театра.

На концерт пришли более 500 тыс. зрителей, а с учетом тех, кто смотрел круглосуточную телетрансляцию праздника, – три с половиной миллиона. Этот концерт побил мировой рекорд по количеству зрителей.

Иногда определить подлинность картины непросто, и в оценке участвуют несколько экспертов. Картину Винсента Ван Гога «Закат в Монмажуре» (1888) – пейзаж с аббатством на заднем плане – официально признали оригиналом только 7 сентября 2013 года. Последний покупатель произведения считал, что это копия, и поэтому с 1908 года хранил ее на чердаке. Специалисты по Ван Гогу проанализировали технику живописи, а также исследовали рукописи художника на предмет упоминания картины. Они обнаружили письмо от 4 июля 1888 года, в котором Ван Гог упоминает, что нарисовал эту работу сразу после «Подсолнухов» в Арле.

Центральная работа Микеланджело «Давид» представляет ветхозаветного героя перед битвой с великаном Голиафом. Скульптор, которому на тот момент не было и 30 лет, работал над изваянием с 1501 по 1503 год.

Микеланджело. Давид. 1501–1504 © Wikimedia Commons

Статуя высотой 517 см высечена из цельного куска каррарского мрамора. Этот сорт добывается в Альпах и высоко ценится за свою идеальную белизну. «Давида» установили на площади Синьории во Флоренции и представили публике 8 сентября 1504 года. В 1873 году статую ради поддержания сохранности перевезли в галерею Академии изящных искусств во Флоренции. Сейчас на площади Синьории располагается ее копия.

А вы знаете?

Предоставленный Микеланджело блок мрамора был слишком узким и, кроме того, плохо поддавался обработке из-за многочисленных прожилок, так что сорока годами ранее два скульптора не смогли высечь из него статую. Микеланджело не побоялся экспериментировать: сделав левую ногу героя немного длиннее правой, он справился с особенностями камня и добился большей выразительности позы.

«Ночная терраса кафе» – картина Винсента Ван Гога, написанная между 9 и 16 сентября 1888 года. Ее легко отличить от других работ художника благодаря яркому желтому цвету, который редко использовали в живописи того периода. Кафе, изображенное Ван Гогом, находилось в Арле и называлось «Терраса» (Café Terrace). В одном из писем Ван Гог описал его следующим образом: «Огромный желтый фонарь освещает террасу, фасад магазина, тротуар и даже брусчатку, которая приобретает розовато-фиолетовый оттенок». Художник придал фасаду кафе желтый цвет, чтобы он сочетался со светом фонаря. Звезды на небе похожи на те, что изображены на картине «Звездная ночь над Роной», написанной вскоре, в конце сентября 1888 года.

Самой известной работой французского скульптора Эммануэля Фремье (1824–1910) является конная статуя Жанны д’Арк на площади Пирамид в Париже. Торжественное открытие позолоченного бронзового памятника состоялось в 1874 году. Недовольный результатом, Эммануэль Фремье в 1899 году заменил скульптуру новой версией. Фремье выполнял и другие государственные заказы, например неоготическую статую Святого Михаила, убивающего дракона, для аббатства Мон-Сен-Мишеле.

Эммануэль Фремье известен реалистичными скульптурами животных, которые были его постоянной темой. Он создал скульптуру «Молодой слон, попавший в ловушку» для Всемирной выставки 1878 года, которая с 1986 года находится во дворе музея Орсе в Париже. Гипсовая скульптура Фремье «Горилла, похищающая женщину» вызвала скандал, но в 1887 году за вторую версию он получил почетную медаль на Салоне Общества французских художников. Сюжет скульптуры вдохновил создателей других произведений – американского пропагандистского плаката Destroy this mad brut («Уничтожьте эту бешеную скотину») (1917) и культового фильма «Кинг-Конг» (1933).

My Chemical Romance – американская рок-группа, образованная в 2001 году в Нью-Джерси. Основатель группы Джерард Уэй до этого рисовал комиксы с текстами. Все изменилось для него 11 сентября 2001 года, когда он стал свидетелем террористической атаки на Всемирный торговый центр: Уэй решил оставить рисование и сосредоточиться на музыке. Помимо Джерарда Уэя, в состав группы вошли гитаристы Рэй Торо и Фрэнк Иеро, басист Майки Уэй и барабанщик Боб Брайар. Музыка группы сочетает в себе элементы панка и альтернативного рока, а песни охватывают широкий спектр тем – от любви до общественной критики.

Дебютный альбом I Brought You My Bullets, You Brought Me Your Love вышел в 2002 году и вызвал смешанную реакцию. Зато второй альбом Three Cheers for Sweet Revenge, вышедший в 2004 году, имел оглушительный успех. Третий же альбом The Black Parade стал культовым.

А вы знаете?

Группа распалась в 2013 году, но решила воссоединиться в 2019 году для участия в концертном турне. Однако из-за COVID-19 турне состоялось только в 2022 году. В мае того же года группа выпустила новый сингл The Foundations of Decay.

Великий композитор Густав Малер (1860–1911) начал писать Симфонию № 8 ми-бемоль мажор в 1906 году. Первое исполнение состоялось в Мюнхене, собрав более тысячи певцов и музыкантов. Композиция получила название «Симфония тысячи», и именно так ее чаще всего называют сегодня. Произведение длится около полутора часов. Для его исполнения требуется несколько типов голосов (детский хор, сопрано, альты и т. д.), струнные инструменты (скрипки, виолончели, арфы и т. д.), деревянные духовые (флейты, гобои, фаготы, кларнеты и т. д.), медные духовые (тромбоны, трубы и т. д.), ударные (литавры, цимбалы и т. д.) и клавишные (фортепиано, орган и т. д.).

В общей сложности Густав Малер создал 18 музыкальных произведений, включая десять симфоний. Несмотря на новаторство его музыки, композитор приобрел успех только после смерти, в 1960-е годы.

Sang pour Sang («Кровь за кровь») – 42-й студийный альбом Джонни Холлидея, выпущенный в 1999 году. Певец работал над ним с сыном Дэвидом и продюсером Пьером Жаконелли. В альбом вошли 13 треков, в том числе одноименная песня о том, как отец отсутствовал в важные моменты жизни сына. Дэвиду Холлидею удалось убедить отца включить эту песню с глубоко личной лирикой. Песня Sang pour Sang получила первое место во французских чартах и более двух миллионов продаж только во Франции. Этот альбом стал первым бриллиантовым диском Джонни Холлидея. Со дня выхода продано 250 тыс. копий альбома. Джонни Холлидей сегодня остается артистом, продавшим наибольшее количество альбомов во Франции (более миллиона).

Не менее знамениты другие песни этого альбома – Un jour viendra и Vivre pour le meilleur. Хотя большинство песен написаны в жанре рок-н-ролла, некоторые треки включают элементы блюза и соула.

Роми – статуя в виде женского бюста со скрещенными руками, созданная с помощью 3D-принтера из смеси нержавеющей стали, полистирола, стекловолокна и полиэстера. Ее изготовил художник Ксавье Вейлан. Власти Лилля приобрели ее и установили вблизи вокзала как «символ современного города». «Новая богиня Лилля», как окрестили статую в муниципалитете, теперь встречает путешественников, прибывающих в город.

Статуя высотой три метра и весом 50 кг действительно впечатляет. Она стоит на земле без пьедестала, чтобы не создавать иерархии между ней и публикой. Статуя заметна издалека благодаря ее желтой окраске. Однако для установки скульптуры пришлось снести старый фонтан, что вызвало неоднозначную реакцию. В ходе опроса 60 % местных жителей высказались против этой замены.

«Афинская школа» – одно из центральных произведений итальянского Возрождения. Ее написал Рафаэль Санти (1483–1520) между 1508 и 1512 годами. Размер картины превышает четыре метра в ширину и восемь метров в длину и находится в Ватиканском дворце. Композиция представляет группу ученых и философов Античности – Пифагор, Евклид, Сократ, Аристотель, Клавдий Птолемей, Гипатия Александрийская и др. Художник стремился воплотить идеал мудрости и знания.

Рафаэль Санти. Афинская школа. 1510–1511 © Wikimedia Commons

Национальная мануфактура гобеленов создала копию «Афинской школы», которую в 1879 году повесили в здании Ассамблеи (нижней палаты парламента). После трехлетней реставрации ее вновь выставили 15 сентября 2020 года в здании Парламента.

А вы знаете?

Калифорнийская группа Guns N’ Roses использовала «Афинскую школу» в оформлении альбома Use your illusion (1992). Артисты выбрали фрагмент с изображением молодого студента.

Метрополитен-опера – это оперный театр в Линкольн-центре в Нью-Йорке. Он открылся в 1883 году, но здание пострадало от пожара, произошедшего в августе 1892 года. В 1967 году его снесли. Амбициозный план – построить самый современный оперный театр в мире – поручили архитектору Уоллесу Харрисону.

Новое здание торжественно открыли 16 сентября 1966 года премьерой оперы Сэмюэла Барбера «Антоний и Клеопатра» в постановке Франко Дзеффирелли. С момента открытия в Метрополитен-опере прошли десятки оперных и балетных премьер, а также концертов классической музыки. На сегодняшний день Метрополитен-опера – один из самых престижных театров, куда стремятся попасть знаменитые артисты со всего мира.

Винсент Ван Гог в этот день сменил место жительства в Арле. Новый дом произвел сильное впечатление на художника, судя по тому, что переезд совпал с чрезвычайно плодотворным периодом его творчества. В течение первого месяца жизни на новом месте Ван Гог создал знаменитую картину «Желтый дом», дающую представление о его жилище. Это постройка в прованском стиле, с красной крышей и ярко-желтыми стенами. К дому, через сад с цветущими деревьями, ведет дорожка, а на заднем плане виднеется небо глубокого синего тона. Ван Гог писал эту картину, используя технику «чистого цвета»: он наносил чистые, насыщенные краски непосредственно на холст, что придавало картинам живой и яркий вид, столь характерный для работ Ван Гога.

Восемнадцатого сентября 2018 года принц Уильям открыл бронзовый памятник Фрэнсису Фоли в парке Мэри Стивенс в Стоурбридже. Фрэнсис Фоли (1884–1958) – английский шпион, работавший директором британского паспортного бюро в Берлине во время Второй мировой войны. Пользуясь своим положением, он выдавал визы многим евреям, помогая им избежать репрессий со стороны немецких властей. Он также вывозил евреев из концентрационных лагерей и прятал их в своей квартире. Фоли вышел в отставку в 1949 году. О его деятельности в годы войны никто не знал. Только в 1961 году его вдова рассказала его историю в газете Daily Mail.

Скульптура представляет Фрэнсиса Фоли сидящим на скамейке с чемоданом. Статуе намеренно придали сдержанный облик в соответствии с характером героя, известного скромностью и хладнокровием. Фоли получил награду Праведника народов мира по решению Израиля в 1999 году за проявленное в годы Второй мировой войны мужество.

Песню The Twist изначально написал певец Хэнк Баллард для своей группы Hank Ballard and The Midnighters в 1958 году. Однако трек, опубликованный в 1959 году, не получил признания. Всемирным хитом стала версия Чабби Чекера (род. 1941). Записанный в 1960 году, кавер вышел в качестве сингла 19 сентября того же года и быстро набрал популярность. Более того, The Twist стал единственной в истории песней, которая дважды достигла первого места в американском чарте Billboard Hot 100 – в 1960 и 1962 годах. В 2008 году журнал Billboard назвал The Twist самым главным американским хитом всех времен. Именно этот сингл запустил моду на танец твист с незамысловатыми энергичными движениями.

Песня Sugar, Sugar группы The Archies достигла первого места в Billboard Hot 100 20 сентября 1969 года и продержалась на вершине в течение месяца. The Archies – одна из первых вымышленных музыкальных групп. Музыку записали студийные музыканты, а группа появилась в комиксах про Арчи, мультфильмах и живых шоу с участием актеров, которые синхронизировались с заранее записанной музыкой. Вымышленная группа состояла из подростков – солиста Арчи Эндрюса, барабанщика Джагхеда Джонса, бас-гитариста Реджи Мантле, Вероники Лодж на клавишных и Бетти Купер на тамбурине.

Группа Earth, Wind and Fire записала песню September за один месяц. Сингл вышел в 1978 году и сразу стал хитом, так как группа на тот момент была уже популярна. В то время в музыкальный коллектив входили трое участников – Морис Уайт, Аль Маккей и Алли Уиллис.

Со временем успех песни September вырос за счет множества ремиксов, а также звучания в культовых фильмах – «Ночь в музее» (2006) и «Неприкасаемые» (2011). В честь первых слов песни – «Помнишь ли ты ночь 21 сентября?» – Лос-Анджелес провозгласил 21 сентября днем «земли, ветра и огня».

В этот день болгарский художник Христо Явашев и Жанна-Клод де Гийебон создали художественную инсталляцию «Упаковка Пон-Нёф в Париже». После этого в течение двух недель тканевый покров моста увидели более трех миллионов посетителей, а затем его сняли и отправили на переработку. Упаковать один из самых известных мостов в Париже стоило около 3 млн евро. По контракту с городом все расходы оплатили сами художники. Акция вызвала множество споров о том, как современное искусство задействует общественное пространство. Несмотря на разногласия, художественный дуэт продолжил создавать подобные инсталляции в других странах.

В сентябре 2008 года мэр Парижа представил публике необычный мемориал, посвященный памяти депортированных еврейских детей. По заказу Национального совета Франции художники Мириам Бекстрём и Карстен Хёллер создали аудиоинсталляцию. Они разместили потайные динамики с микрофонами и усилителями звука в аллее Праведников рядом с мемориалом Холокоста. Микрофоны улавливают уличные шумы и преобразовывают их в высокие звуки, напоминающие голоса тысяч детей, которых депортировали. Акустика создает впечатление, что голоса доносятся отовсюду.

Nevermind – второй студийный альбом американской рок-группы Nirvana. Альбом, который первоначально назывался Sheep, был записан в студии Sound City в Калифорнии с продюсером Брайаном Вигорсоном и вышел 24 сентября 1991 года. Этот альбом группы получил мировое признане, несмотря на скромные средства продвижения, и получил высокие оценки критиков. Такой успех удивил саму группу и даже звукозаписывающую компанию. На альбоме представлены такие культовые синглы, как Smells Like Teen Spirit, Come as You Are и Lithium, которые заняли первое место в музыкальных чартах в США, Франции и Канаде. С тех пор было продано более 30 млн копий, и альбом остается одним из самых продаваемых в мире.

Французский художник Жан-Батист Симеон Шарден (1699–1779) начинал с того, что рисовал игральные карты. Обратившись к натюрморту, он вскоре стал признанным мастером этого жанра, поражая знатоков уровнем проработки деталей и фактур. Две работы Шардена, «Скат» (1727) и «Буфет» (1728), открыли ему двери в Королевскую академию живописи и скульптуры: 25 сентября 1728 года художника внесли в списки академиков за «талант в изображении плодов и животных».

Шарден прославился и в бытовом жанре. Он написал множество картин с изображением людей за работой, приготовлением блюд или за настольными играми. Шарден получал множество заказов от французской знати.

Французский художник Теодор Жерико (1791–1824) на протяжении своей недолгой жизни (он скончался в возрасте 32 лет в Париже) создал множество шедевров, в том числе знаменитый «Плот “Медузы”» (1818–1819). Картина изображает выживших после кораблекрушения, дрейфующих на плоту. Это самая известная работа художника и уникальный пример романтизма – направления, которое можно охарактеризовать как поиск эмоционального, где чувства преобладают над разумом.

После обучения в Школе изящных искусств в Париже Жерико сосредоточился на иппическом жанре (от греч. hippos – «лошадь»). Жерико получил много наград, включая золотую медаль Салона за картину «Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку».

Скульптор Пьер II Биар (1592–1661) в 1634 году получил от кардинала Ришельё заказ на бронзовую конную статую Людовика XIII. Кардинал полностью оплатил работу, чтобы установить памятник на Королевской площади, которая сегодня называется площадью Вогезов. Ришельё надеялся таким способом прекратить происходившие на площади многочисленные дуэли. Чтобы скорее справиться с задачей, Биар взял за основу незаконченную статую коня 1567 года, которую в свое время заказала Екатерина Медичи, и дополнил ее фигурой короля. Памятник установили в центре площади и 27 сентября 1639 года торжественно открыли.

К сожалению, во время Французской революции скульптуру переплавили на пушки. В 1821 году на том же месте установили новую статую, выполненную Жан-Пьером Корто из белого мрамора.

Одиннадцатый студийный альбом Милен Фармер, Désobéissance («Непослушание»), состоит из 12 песен. Певица написала совместно с французским диджеем Федером все синглы, включая Rolling Stone, N’oublie pas, Désobéissance и Des larmes.

Альбом тепло приняли музыкальные критики, высоко оценившие в нем сочетание зрелости и новаторства, а также безупречное вокальное исполнение. Сразу после выхода альбом имел бешеный успех. Он возглавил чарты во Франции и всего за восемь дней дважды стал платиновым диском. В 2019 году в поддержку этого альбома Милен Фармер провела серию концертов, которые собрали в общей сложности 235 тыс. зрителей.

Советский композитор Дмитрий Шостакович (1906–1975) написал три оперы, шесть концертов, 15 квартетов и 15 симфоний. Симфонию № 14 он завершил 29 сентября 1969 года и посвятил британскому композитору и дирижеру Бенджамину Бриттену. Ее исполняют струнные, ударные инструменты и солисты. Симфония состоит из 11 поэм, восемь из которых посвящены любви, власти, а также смерти. Последняя тема раскрыта в симфонии под влиянием произведения Модеста Петровича Мусоргского (1875–1877) «Песни и пляски смерти».

Десятиметровый живописный триптих «Июнь – октябрь 1985 года», написанный Чжао Уцзи (1920–2013), был продан на аукционе в Гонконге за 65 млн долларов, в три раза выше эстимейта. Это самая дорогая азиатская картина на холсте в мире. Торги прошли 30 сентября 2018 года, через пять лет после смерти художника.

После эмиграции во Францию в возрасте 30 лет Уцзи писал портреты, натюрморты, пейзажи в различных стилях – реалистическом, абстрактном, а также в традициях китайской живописи тушью.

Вандомская колонна – знаменитый монумент, расположенный в первом округе Парижа. Возведенная между 1806 и 1810 годами и изначально увенчанная бронзовой статуей Наполеона, она достигала 44 м. Ее гранитные барельефы прославляли победы Наполеона, из которых самыми значительными считаются те, что были одержаны в битвах при Аустерлице (1805), в Йене (1806) и при Фридланде (1807). Наполеон Бонапарт издал постановление о возведении колонны, оговорив все детали. Памятник разрушили 18 мая 1871 года во время восстания, последовавшего после поражения армии Наполеона III в войне с Пруссией. Колонну сочли «памятником варварства, символом грубой силы и ложной славы, утверждением милитаризма». Однако ее восстановили в 1873 году по просьбе маршала Мак-Магона. Со временем сооружение приобрело характер исторического памятника, символизирующего страницы французской истории.

Второй альбом Oasis – одной из ведущих рок-групп конца 1990-х годов – вышел в продажу только через четыре года после его создания, и первоначально назывался The Rain. Во время записи альбома в состав группы входили братья Лиам и Ноэль Галлахеры, Пол Артурс, Пол Макгиган и Алан Уайт. Огромный коммерческий успех принесли такие песни из этого сборника, как Wonderwall, Roll With It, Champagne Supernova, Don’t Look Back in Anger, причем последняя стала гимном группы. Альбом с тиражом более 22 млн копий стал третьим в списке самых продаваемых на тот момент британских записей. Музыка Oasis повлияла на многие группы, включая Coldplay, The Libertines, The Strokes, The Killers, Snow Patrol и Arctic Monkeys.

Клод (1928–2008) и Франсуа-Ксавье (1925–2019) Лаланн – супружеская пара французских художников, вдохновлявшихся миром природы и животных. Их сюрреалистические скульптуры всегда выполняют определенную функцию: это столы в форме деревянных носорогов, ванна в форме бегемота, стулья в виде птиц и т. д. С момента знакомства – в 1952 году на выставке Клода – супруги не переставали работать вместе, и им постоянно способствовал успех. Самые богатые коллекционеры, в том числе знаменитые Ротшильды, Шарль и Мари-Лор де Ноай, Ив Сен-Лоран быстро проявили интерес к их творчеству. Работы Лаланнов до сих пор регулярно бьют рекорды на аукционах. Так было и 3 октября 2021 года, когда одну из скульптур продали за 1 млн 230 тыс. евро.

Мемориал «Гора Рашмор» в американском штате Южная Дакота строился в течение 14 лет. Группа скульпторов во главе с Гутзоном Борглумом создала гигантские головы четырех самых влиятельных американских президентов – Джорджа Вашингтона, Томаса Джефферсона, Теодора Рузвельта и Авраама Линкольна. Ширина каждой скульптуры превысила восемь метров, высота достигла 18 м. Работа велась с использованием динамита, отбойных молотков и зубил. Стоимость мемориала обошлась в 900 тыс. долларов, и сегодня «Гора Рашмор» – важная туристическая достопримечательность и национальный символ США.

Гора Рашмор. Южная Дакота, США. 1927–1941 © Naya Dadara / shutterstock.com

А вы знаете?

За головой президента Линкольна находится потайная комната, созданная по задумке Гутзона Борглума. Несмотря на то что ее не достроили из-за нехватки средств, там все еще находится хранилище с документами, повествующими об истории США и процессе постройки мемориала.

Граффити «Девочка с воздушным шаром» (Girl With Balloon) обнаружили в 2002 году на стене одной из лондонских улиц. Автором оказался уличный художник, известный под псевдонимом Бэнкси (род. 1974). Девочка, протягивающая руку к красному воздушному шару в форме сердца, стала не просто визитной карточкой легендарного граффитиста, но едва ли не эмблемой современного уличного искусства. В 2006 году Бэнкси написал на холсте авторскую копию граффити, и в октябре 2018 года картину продали на лондонском аукционе Sotheby’s за 1,4 млн долларов. Однако с последним ударом молотка картина самоуничтожилась: сработал встроенный в раму измельчитель, разрезавший холст на мелкие полоски! Следом Бэнкси опубликовал в своем аккаунте видео, демонстрирующее установку измельчителя в картину. «Похоже, нас только что отбэнксили», – прокомментировал произошедшее директор аукционного дома Алекс Бранчик. В том же месяце Бэнкси официально переименовал картину в «Любовь в мусорной корзине» (англ. Love Is in the Bin). Это событие вызвало оживленную дискуссию: можно ли считать уничтожение произведения искусства художественным актом, или это не более чем проявление неуважения к покупателям и коллекционерам?

Бэнкси. Девочка с воздушным шаром. 2002 © Wikimedia Commons

А вы знаете?

Создание в городском пространстве граффити считается незаконным во многих странах, поэтому художникам этого направления приходится скрываться под псевдонимами. Анонимность стала важной частью имиджа Бэнкси. Для ее сохранения художник прибегает к услугам третьей стороны, подтверждающей подлинность его произведений. В 2013 году он нанял уличного торговца для продажи ряда его работ всего по 60 долларов. Такими акциями Бэнкси стремится доказать абсурдность торговых спекуляций на рынке искусства.

«Мулен Руж» – историческое кабаре в парижском районе Монмартр, символ ночной жизни Парижа. Жозеф Оллер и Шарль Зидлер открыли кафе с танцевальным шоу и концертами 6 октября 1889 года. Владельцы стремились превратить его в место, куда богатые люди приходили бы развлекаться. Для решения этой задачи они – одними из первых в Париже – предусмотрели архитектуру, позволявшую быстро менять декорации. Ключевым элементом успеха служил знаменитый французский танец канкан, исполнявшийся труппой танцовщиц в ослепительных костюмах. Вскоре «Мулен Руж» стал местом встречи художников и интеллектуалов того времени.

Иньяцио Беттуа (род. 1972) – швейцарский художник, выпускник Лозаннской школы искусств. Он создал знаменитую «Бургундскую жабу и принцессу» – бронзовый фонтан в виде жабы с зелеными глазами, которая приглашает прохожих поцеловать ее, чтобы утолить жажду. Скульптор также создал серию опор в форме креста в церкви Приоре в Швейцарии.

Статуя «Тони Смотритель» высотой около трех с половиной метров открыта в городе Глан. Она состоит из пяти длинных пластин из нержавеющей стали, соединенных в виде змейки. Иньяцио Беттуа сравнивает статую с «пожилым смотрителем – хранителем этих мест», появляющимся из глубин земли рядом с железнодорожной станцией.

Жан-Жозеф Кассанеа де Мондонвиль (1711–1772) – французский композитор и музыкант. Он начал музыкальную карьеру, играя на скрипке на публичных концертах во дворце Тюильри, более известных как «Духовные концерты» (Le Concert Spirituel). В то время это было одно из немногих заведений, получивших разрешение Королевской академии музыки (ныне – Парижская национальная опера) на организацию подобных мероприятий. В 1753 году Жан-Жозеф впервые успешно представил прославившую его оперу «Титон и Аврора». Создав несколько опер и балетов, он сосредоточился на написании мотетов – вокальных многоголосных произведений для религиозных церемоний. Кассанеа де Мондонвиль сегодня считается одним из самых значительных французских композиторов этого жанра.

Международная ассоциация доисторического наскального искусства выбрала 8 октября для своего «профессионального праздника», поскольку в этот день 1902 года известный французский археолог Эмиль Картальяк (1845–1921) написал историческое письмо: в нем он признал палеолитический возраст росписей пещеры Альтамира и других пещерных памятников, до него не признававшийся в научном сообществе.

Ежегодный праздник направлен на популяризацию и сохранение наскального искусства – свидетельства того, что художественная история человечества насчитывает несколько десятков тысяч лет. Главные европейские объекты наскального искусства проводят 8 октября день открытых дверей, привлекая внимание общественности к необходимости защиты этих объектов для будущих поколений.

Наскальные рисунки в Нуэво Толима, Сан-Хосе-дель-Гуавьяре, Колумбия © Jhampier Giron M / shutterstock.com

Охота на животных – самая распространенная тема в наскальной живописи, а вот пейзажи и растения среди обнаруженных на сегодняшний день изображений отсутствуют.

А вы знаете?

По оценкам экспертов, количество произведений, относящихся к наскальному искусству первобытного общества, составляет более 50 млн по всему миру. Древнейшим из них считается изображение свиньи, созданное более 47 тыс. лет назад в Индонезии. Стоит отметить, что пещерные надписи не относятся к наскальному искусству.

«Женщина без тени» – опера в трех актах, впервые представленная Рихардом Штраусом (1864–1949) и Гуго фон Гофмансталем (1874–1929) в Венской опере. Она является одной из самых успешных опер и до сих пор регулярно исполняется по всему миру. Действие происходит в воображаемом королевстве, где у бесплодной императрицы нет тени, поэтому она не может стать матерью. Опера отличается разнообразием: игра симфонического оркестра дополняется хоровым пением и вокальными партиями. Несмотря на то что опера была хорошо принята критиками, ее исполняли очень редко из-за ее сложности. Только после Первой мировой войны она достигла огромного успеха, которым пользуется и сегодня.

Статуя установлена перед входом в аэропорт Лион-Сент-Экзюпери, переименованный в честь писателя к 100-летию со дня его рождения. Написанная им книга «Маленький принц» до сих пор остается самой продаваемой французской книгой. Вдохновившись историей известного писателя и авиатора, три друга – Паскаль Жаке, Ален Равуна и Бенжаман Лебег – объединились для создания статуи. Благодаря собранным пожертвованиям они смогли отлить 800-килограммовую бронзовую статую высотой 3 м 20 см. Название памятника – Brila estonteco – переводится с эсперанто как «Сияющее будущее». Статуя представляет Сент-Экзюпери сидящим с протянутой к небу рукой и смотрящим в небо. Другой рукой он ласкает льва, расположившегося у его ног, что символизирует передачу знаний и мужества молодому поколению.

Памятник Антуану де Сент-Экзюпери в Лионе, Франция. 2017 © trabantos / shutterstock.com

А вы знаете?

В молодости Антуан де Сент-Экзюпери мечтал стать художником, вероятно под влиянием матери, которая была увлеченной художницей-любительницей. Однако позднее он поступил на службу в армию в качестве пилота.

Написанная американским художником Грантом Вудом (1891–1942) в 1930 году, картина «Американская готика» стала неотъемлемой частью истории американского искусства. Она правдиво отразила жизнь простых людей предвоенных лет в американской глубинке. Картина была написана вскоре после биржевого краха 1929 года, за которым последовала Великая депрессия, когда многие люди оказались в тяжелых жизненных обстоятельствах. На полотне художник изобразил скромно одетых фермера и его жену, стоящих на фоне дома.

Парижане впервые увидели этот шедевр на выставке, проходившей с 12 октября 2016 года по 30 января 2017 года.

«Певцы без границ» (Chanteurs sans frontières) объединились под руководством Антуана ди Заццо в 1985 году, чтобы собрать средства для жертв голода в Эфиопии. В марте 1985 года вышла пластинка, которая быстро разошлась тиражом 1,5 млн. Собранные 10 млн франков «Певцы без границ» пожертвовали ассоциации «Врачи без границ».

Тринадцатого октября прошел большой концерт, в котором приняли участие более 80 исполнителей. На сцене выступили такие звезды французской эстрады, как Джонни Холлидей, Даниэль Балавуан, Франс Галль. Хотя зрителей было немного, концерт собрал 23 млн франков. Средства направили в благотворительные фонды «Действие против голода», «Врачи мира», «Врачи без границ» и Les Restos du cœur («Рестораны любви»). Последний был основан популярным французским комиком Колюшем (1944–1986). Акция «Певцы без границ» вдохновила Колюша на создание музыкального благотворительного объединения Les Enfoirés («Недоумки») для поддержки своего фонда.

Say You’ll Be There – второй сингл британской поп-группы Spice Girls, состоявшей из Виктории Бекхэм, Мелани Браун, Эммы Бантон, Мелани Чисхолм и Джери Халлиуэлл. Сингл стал продолжением дебютного альбома Wannabe, получившего высокую оценку критиков. Эта песня занимала первое место в чартах в течение нескольких недель в ряде стран, включая Великобританию. Музыка группы популяризировала концепцию girl power (англ. «девичья сила»), поднимающую вопросы эмансипации женщин и гендерного равенства.

Клипы песен Spice Girls отличал высокий уровень исполнения и множество кинематографических отсылок. Их клип Say You’ll Be There получил премию Brit Awards в номинации «Видео года» и награду американского журнала Billboard за лучшее видео всех времен.

В 2000 году группа объявила о бессрочном перерыве в творчестве.

Статуя Мадонны Франции была создана скульпторами Роже де Вилье (1929–2013) и Раймоном Сюбсом (1891–1970) для Папского павильона на Всемирной выставке 1937 года в Париже. После выставки ее установили в церкви Сент-Оноре в Амьене. Позднее Мадонну Франции перенесли в Байе-ан-Франс, где ее торжественно открыли в присутствии более 50 тыс. человек. Для благословения статуи приехали кардинал и семь епископов.

Медная скульптура высотой более семи метров представляет Деву Марию, несущую на плече Младенца Иисуса с воздетыми к небу руками. После установки у подножия статуи построили молельню и небольшую часовню. В 2013 году прошла интернет-акция: жертвователи подарили статуе перезвон 50 колоколов.

Олафур Элиассон (род. 1967) – современный датско-ирландский художник. Пройдя обучение в Датской королевской академии изящных искусств, он продолжил писать картины в собственной студии. Цель его работы – исследование отношений между природой и технологиями, поэтому цвет и поверхность играют большую роль в его произведениях. Инсталляция The Weather Project, представленная в лондонском музее Тейт Модерн, прекрасно иллюстрирует этот подход. Она представляет светящееся солнце, создавая у зрителей иллюзию, что они находятся на облаках. Для этого был построен большой цилиндр, оснащенный множеством ламп. На потолке разместили зеркала, чтобы дополнительно создать иллюзию бесконечного пространства, а также был добавлен искусственный туман.

«Асканий в Альбе» – это опера в двух действиях на мифологический сюжет, написанная пятнадцатилетним Вольфгангом Амадеем Моцартом (1756–1791) за один месяц. В соответствии с поводом, по которому была заказана опера, – бракосочетание эрцгерцога Фердинанда Австрийского и Марии Беатриче д’Эсте, – действие повествует об истории любви Аскания и Сильвии. В этой опере Моцарт впервые активно использовал хоровое пение, которое прежде вводил очень неохотно. Задуманное как простая прелюдия к опере Иоганна Адольфа Хассе «Руджеро», произведение Моцарта имело большой успех.

Леопольд Моцарт надеялся убедить эрцгерцога Фердинанда принять его сына, Вольфганга Амадея, на службу. Однако императрица Мария Терезия прислала из Вены письмо, в котором назвала Моцартов «бесполезным семейством», и те были вынуждены вернуться в Зальцбург.

Осенний салон – ежегодная выставка, основанная 31 октября 1903 года по инициативе бельгийского архитектора Франца Журдена. Он проходил осенью, в отличие от других парижских салонов, открывавшихся весной. Экспонировались самые разнообразные произведения, включая картины, гравюры, рисунки и фотографии. Обретя успех у публики, салон переехал в более просторное помещение – Гран-Пале (Большой дворец). Торжественное открытие состоялось 18 октября 1905 года. Именно этот салон вошел в историю, поскольку на нем заявили о себе фовисты (от фр. les fauves – «дикие», «хищники») – Анри Матисс, Андре Дерен, Морис де Вламинк, Жорж Руо, Рауль Дюфи, Альбер Марке, Жан Метценже, Кес ван Донген, Жорж Брак.

Статуя Томаса Джефферсона, стоявшая в здании городской администрации Нью-Йорка на протяжении почти двух веков, стала предметом жарких споров в 2021 году. Толчком послужило нашумевшее убийство афроамериканца Джорджа Флойда белым полицейским в 2020 году. Дело в том, что Томас Джефферсон владел более чем 600 рабами и выступал за иерархию людей в обществе в соответствии с их происхождением. Cтатую демонтировали и перенесли в один из музеев Нью-Йорка, несмотря на протесты некоторых историков. Комитет городского совета единогласно проголосовал за то, чтобы не оставлять статую в здании городской администрации.

Сиднейский оперный театр, блестящий образец новейшей архитектуры, расположен в Сиднейской гавани в Австралии. Спроектированный датским архитектором Йорном Утзоном и открытый королевой Елизаветой II, он быстро стал самой узнаваемой достопримечательностью страны благодаря оригинальной форме, напоминающей парусник или раковину. Сиднейский оперный театр вмещает около 2000 человек. Здесь проходит более 1500 представлений в год – оперы, балеты, спектакли и концерты. В главном концертном зале расположен самый большой механический (то есть играющий без музыканта) орган в мире: высотой 15 метров, шириной 13 метров. В этом же здании располагаются рестораны, магазины и выставочные залы.

Сиднейский оперный театр. Сидней, Австралия. 1973 © Engel Ching / shutterstock.com

А вы знаете?

Во время долгого строительства здания, начавшегося в 1959 году, для строителей регулярно устраивали концерты в обеденное время. В 1960 году по просьбе промышленного союза строителей во время своего турне по Австралии выступил американский вокалист Пол Робсон. Он пел на бетонном фундаменте здания, на месте будущего концертного зала.

Каирское восстание – исторический эпизод египетской кампании Наполеона Бонапарта, завоевавшего Каир и Александрию. Двадцать первого октября 1798 года жители Каира восстали против нововведений французского правителя. Более десяти лет спустя французский живописец Анн-Луи Жироде (1767–1824) по заказу дипломата Вивана-Денона написал картину, посвященную этим событиям. Художник показал варварство обеих сторон, но самые ужасные детали искусно скрыты от взора. Представленная на Салоне 1810 года, работа была выставлена в галерее Дианы во дворце Тюильри. Сегодня она хранится в Национальном музее Версальского дворца вместе со всей наполеоновской коллекцией, состоящей из шедевров живописи, скульптуры и мебели.

Анн-Луи Жироде. Восстание в Каире. 1810

© Wikimedia Commons

А вы знаете?

Картину высоко ценил Эжен Делакруа, и, вполне возможно, именно она вдохновила его на создание знаменитой картины «Свобода, ведущая народ».

Префект французского департамента Мёрта Альбан де Вильнёв-Баржемон инициировал строительство статуи в честь Станислава I Лещинского (1677–1766) – короля Польши, который приходился тестем Людовику XV. Луи-Филипп I (правил в 1830–1848) одобрил проект в январе 1823 года и объявил сбор средств по подписке в трех департаментах Франции. В итоге было собрано более 40 тыс. франков. Изготовление статуи поручили скульптору Жоржу Жако (1794–1874). В процессе работы использовался новый легкоплавкий металл – сплав висмута, цинка и олова. Статую весом 7500 кг и высотой более четырех метров закончили 22 октября 1831 года и установили в центре площади Станислава в городе Нанси. Польский король, облаченный в военное снаряжение и задрапированный в королевскую мантию, держит в левой руке королевский посох.

Одна из самых известных музыкальных групп в мире выпустила более двухсот песен и продала более миллиарда пластинок. В 1965 году королева Елизавета II – впервые в истории поп-музыки – удостоила битлов ордена Британской империи, учрежденного королем Георгом V в 1917 году. В королевском указе о награждении значилось: «За вклад в развитие британской культуры и ее популяризацию по всему миру».

После распада группы в 1970 году ее участники продолжили выпускать музыку, сделав успешную сольную карьеру.

Э. Эдвардс. The Beatles. Ливерпуль, Англия. 2015 © Pduro / shutterstock.com

А вы знаете?

The Beatles стали первопроходцами звукозаписи, использовав множество новых техник и методов. Ливерпульская четверка первой начала серьезно относиться к дизайну альбомных обложек, задав тем самым тон для всей музыкальной индустрии; в частности, именно они начали печатать тексты песен на обороте обложек. На обложке альбома Yellow Submarine (1974) они поместили «дьявольские рога», ставшие с тех пор символом рок-музыки.

Американская R&B-группа Boyz II Men образовалась в 1988 году в Филадельфии, США. В состав группы вошли Натан Моррис, Ванья Моррис, Шон Стокман и Майкл Маккэри. Их первый альбом Cooleyhighharmony вышел в 1991 году. Продав более 60 млн альбомов по всему миру, группа оказала значительное влияние на историю американской музыки. Boyz II Men прославились эмоциональными балладами о любви.

Двадцать четвертого октября 1992 года группе удалось побить рекорд Элвиса Пресли: сингл End of the Road достиг вершины чарта и провел на этой позиции 13 недель. Несколько месяцев спустя этот рекорд побила Уитни Хьюстон с песней I Will Always Love You.

Памятник папе римскому Иоанну Павлу II торжественно открыли польский архиепископ, парижский кардинал-архиепископ и мэр Парижа. Автор бронзовой статуи высотой более трех метров и весом полторы тонны – российский скульптор Зураб Церетели. Все расходы на постройку взяла на себя Польская католическая миссия во Франции.

Памятник установлен на площади Жана XXIII, между собором Нотр-Дам и Сеной. Изначально планировалось установить статую возле церкви Нотр-Дам-де-л’Асомпсьон в Первом округе Парижа, но парижская мэрия выступила против из-за несоответствия его стиля архитектурному окружению.

Статуя Вильгельма Завоевателя (1844) установлена в городе Фалез в регионе Кальвадос (Франция), чтобы почтить память уроженца этого города – герцога Нормандского. В 1847 году французский скульптор Луи Роше, заручившись финансированием по национальной подписке, выступил автором бронзового памятника. На создание статуи его вдохновил гобелен из Байе: он представляет сцену подготовки нормандского завоевания Англии и битвы при Гастингсе, когда Вильгельм Завоеватель в боевом облачении обращается к своим войскам.

Спустя четыре года после начала работы четырехметровая статуя была торжественно открыта 26 октября 1851 года. В 1975 году к пьедесталу были добавлены шесть бронзовых фигур герцогов Нормандии – Ролло, Вильгельма I, Ричарда I, Ричарда II, Ричарда III, Роберта I. С 2006 года статуя внесена в список исторических памятников.

А вы знаете?

Во время Второй мировой войны при режиме Виши (1940–1944) переплавили множество статуй для отправки на нацистские заводы по производству боеприпасов. Статуя Вильгельма Завоевателя попадала в «группу риска», но в итоге власти решили ее не трогать.

Новый реализм – это авангардное движение, заявившее о себе «Манифестом нового реализма», опубликованным 27 октября 1960 года. Инициированный Ивом Кляйном, он подписан художниками Раймоном Хейнсом, Даниэлем Шпёрри, Жаном Тенгли и Марсьялем Райсом. Основная заявленная цель движения – показать повседневную жизнь без прикрас. Художники этого движения использовали для работ предметы повседневного обихода – плакаты, металлолом, выброшенные материалы, избегая так называемых «благородных материалов», например бронзу или камень. Они использовали рваные постеры и вырезки из модных журналов, мусор и предметы фабричного производства (например, комплекты женского белья) и т. д. Первая выставка группы состоялась в ноябре 1960 года. Последующие выставки группы больше походили на перформансы.

Самым известным стал проект Ива Кляйна «Антропометрия синей эры». Приглашенные девушки, обнажившись, покрыли себя синей краской – особенным оттенком, который Кляйн запатентовал как International Klein Blue. Они стали прикасаться телами к бумаге на полу и стене, оставляя визуальный след своих движений. В это время камерный оркестр играл симфонию «Монотонное молчание»: тянули ре-мажорный аккорд в течение 20 минут, а затем ровно столько же «создавали» тишину, оставаясь беззвучными. На обрушившиеся на художника обвинения в эксплуатации моделей Ив Кляйн заявил, что не ущемлял права натурщиц, а, напротив, освободил их от рабства, пригласив к сотворчеству.

Статуя Свободы, или «Свобода, озаряющая мир», – один из самых узнаваемых монументов мира. Она была символическим подарком, преподнесенным французским народом США в честь 100-летия американской независимости. Статую торжественно открыли 28 октября 1886 года в присутствии президента США Гровера Кливленда. Статуя в виде женщины, одетой в тунику, имеет высоту почти 45 м и весит 25 т. В правой руке она держит факел, а в левой – скрижаль с датами независимости Америки. Расположение монумента на острове Либерти в Верхней Нью-Йоркской бухте имело символическое значение: первым, что видели прибывавшие на кораблях иммигранты, пересекшие Атлантический океан, становилась «Свобода».

Идею монумента, построенного «общими усилиями двух народов», высказал французский писатель Эдуард де Лабулэ в 1865 году. Вскоре был сформирован франко-американский союз для сбора средств. Франция согласилась финансировать создание монумента и его переправку через океан: французы организовали благотворительную лотерею и собрали 2,25 млн франков. Америка взяла на себя расходы по строительству пьедестала. Руководство работами по созданию статуи взял на себя скульптор Огюст Бартольди. Перед отправкой в США голова «Свободы» экспонировалась на Всемирной парижской выставке 1878 года. Сегодня статуя входит в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Жюль Бретон (1827–1906) – французский художник и поэт XIX века, наиболее известный своими изображениями сельской жизни. Он также является одним из важнейших представителей французского реализма. В возрасте 23 лет по окончании Парижской школы изящных искусств он организовал свою первую выставку картин. Работы были высоко оценены за реалистичное и поэтическое изображение жизни французских крестьян. Двадцать девятого октября 1889 года художник был награжден орденом Почетного легиона, поскольку все свое рабочее время посвящал изображению французского народа, намеренно отойдя от академических тем. В 1899 году Жюль Бретон стал иностранным членом Лондонской королевской академии.

Моделью для картины Пабло Пикассо (1881–1973) «Женщина, сидящая у окна» послужила Мария-Тереза Вальтер, одна из возлюбленных художника. Хотя Пикассо дал нескольким картинам такое же название, это полотно отличается светлым колоритом и расположением женщины в профиль. В 2021 году на аукционе, длившемся всего 19 минут, она была продана за 103 млн евро. Эта цена в два раза превысила результат ее предыдущей продажи, осуществленной восемью годами ранее. Картина стала пятым произведением Пабло Пикассо, аукционная стоимость которого превысила 100 млн евро.

А вы знаете?

Пабло Пикассо в школе был двоечником. Он с трудом читал и писал, но обладал прекрасной памятью. По легенде, его первым словом, произнесенным в младенчестве, было «карандаш». Свою первую картину «Пикадор» со сценой корриды он написал в восемь лет.

«Статуя Единства» возведена в индийском штате Гуджарат в память о государственном деятеле Сардаре Валлабхаи Пателе. Присоединившись к движению гражданского неповиновения, инициированному Махатмой Ганди, Валлабхаи Патель в 1931 году был избран в партию Конгресса. Когда Ганди был убит, он сыграл значительную роль в политической интеграции Индии и предотвращении гражданской войны. Патель был главным сторонником Махатмы Ганди в его ненасильственном движении за независимость Индии от Великобритании. Его называли «Железный человек Индии» за решимость и мудрость в объединении 552 княжеств в единое государство.

Статуя Единства. Гуджарат, Индия. 2018 © Akhilesh Sarfare / shutterstock.com

Статуя высотой 240 м от основания является одной из самых высоких в мире (она в четыре раза выше статуи Свободы). Процесс изготовления статуи весом 1850 т потребовал пять лет, 3000 рабочих и 358 млн евро. Сотни индусов пожертвовали собственные сельскохозяйственные инструменты на переплавку для получения необходимого сырья. Статуя была торжественно открыта 31 октября 2018 года.

А вы знаете?

Вокруг этой статуи в Индии разгорелось много споров. Сардар Валлабхаи Патель не признавал прославление личности. Кроме того, привлечение китайской компании к возведению памятника было плохо воспринято многими представителями индийского общества.

ABBA – несомненно, самая известная шведская группа в мире. Коллектив основали две супружеские пары – Агнета Фельтског с Бьерном Ульвеусом и Анни-Фрид Люнгстад с Бенни Андерссоном. Их первым музыкальным хитом стал трек Waterloo, который победил на «Евровидении» в 1974 году. В следующем году успех группы закрепила песня Mamma Mia, а в 1976 году – Fernando, Dancing Queen и Money, Money, Money. Аранжировки, хореография и костюмы певцов ассоциируются с диско – лидирующим стилем того времени.

ABBA в общей сложности написала 329 песен, а суммарные продажи группы превышают 400 млн дисков по всему миру. Певцы участвовали в съемках документального фильма «Да здравствует ABBA» (Vive ABBA), выпущенного в 1977 году, а также в известном мюзикле Mamma Mia! 1999 года. Обе пары в итоге развелись, из-за чего группа в 1982 году распалась.

Сингл Майкла Джексона (1958–2009) Thriller вышел 2 ноября 1983 года, а альбом представили публике 30 ноября. Выход песни сопровождал музыкальный клип, по сути являвший собой короткометражный фильм длиной 14 минут. Ролик быстро набрал популярность и сейчас считается «самым известным музыкальным видео всех времен», по данным Библиотеки Конгресса. Это первый музыкальный клип, который включили в Национальный реестр фильмов в 2009 году. На тот момент Thriller стал самым дорогим клипом за всю историю музыки: инвесторы выделили на съемку 900 тыс. долларов. Майкл Джексон и его танцевальная труппа, изображавшая зомби, исполняли хореографию, ставшую культовой.

Картину «Король Франции Карл X посещает художника Гро в парижском Пантеоне» написал художник Луи Николя Лемасль (1788–1876) по заказу самого короля. Он изобразил монарха наблюдающим за тем, как художник Антуан-Жан Гро расписывает купол Пантеона в 1824 году. Впечатленный произведением, король заявил: «В этой колоссальной композиции есть нечто большее, чем талант: в ней звучит гений».

Одна из фресок Пантеона – «Апофеоз святой Женевьевы» (1811) – изначально представляла коронацию Наполеона Бонапарта. Однако после того, как последний в 1814 году отрекся от престола, было решено заменить фигуру Наполеона на Людовика XVIII, чтобы произведение пришлось по вкусу находившимся тогда у власти роялистам.

В этот день Моцарт представил симфонию, ставшую одним из самых его известных произведений. Продолжительность композиции составляет 38 минут. Всего Иоганнес Хризостом Вольфганг Теофил Моцарт (1756–1791) создал более восьмисот произведений, в том числе 41 симфонию, 23 фортепианных концерта, пять концертов для скрипки, 18 месс и 22 оперы.

И. Н. де ла Кроче. Портрет Вольфганга Амадея Моцарта. 1780 © Wikimedia Commons

История этой симфонии невероятна. Тридцатого октября 1783 года Моцарт и его жена Констанция Вебер по пути в Вену остановились в Линце, в доме отца композитора. Городские власти пригласили Моцарта дать концерт в местном театре, но там не оказалось ни одной его партитуры. Моцарт сочинил новую симфонию всего за несколько часов и представил ее публике, скорее всего без репетиции. Супруги Моцарт вскоре покинули Линц, узнав о смерти сына.

А вы знаете?

Композитор принадлежал к масонам и сочинял музыкальные пьесы для флейты, предназначенные для собраний масонской ложи.

Карла Бруни долгое время работала моделью: позировала для престижных журналов и в течение десяти лет (1987–1997) была музой бренда нижнего белья. В 1997 году Бруни решила обратиться к музыке и 5 ноября 2002 года выпустила дебютный альбом Quelqu’un m’a dit («Кто-то мне сказал»). Певица работала над ним с Луи Бертиньяком, гитаристом и одним из основателей группы Téléphone. Альбом ожидал успех: его тираж превысил два миллиона копий.

Второй альбом, No Promises («Без обещаний»), вышел только в 2007 году, а третий, Comme si de rien n’était («Как будто ничего не произошло»), – в 2008 году. Им не удалось повторить успех дебютного диска.

Хотя Карла Бруни известна как модель и певица, с 2007 года она находится в центре внимания как жена Николя Саркози, занимавшего должность президента Франции до 2012 года. Бруни использует свою известность для поддержки Фонда Бруни-Саркози, который содействует развитию культуры, в частности посредством программы, привлекающей молодежь к занятиям искусством.

Благотворительный музыкальный коллектив Les Enfoirés («Недоумки») не имеет постоянного состава: каждый год в него на определенный срок входят разные известные исполнители. Устраивая концертные турне, они собирают средства для благотворительной организации Les Restos du cœur («Рестораны любви»), созданной в 1985 году французским комиком Колюшем.

В 1989 году, с 6 по 14 ноября, проходило первое турне Les Enfoirés по Франции. В нем приняли участие звезды французской эстрады Жан-Жак Гольдман, Джонни Холлидей, Майкл Джонс, Эдди Митчелл, Мишель Сарду и Вероник Сансон. В альбом Tournée d’Enfoirés, выпущенный на основе этого турне, вошли 18 треков.

В 2013 году телевизионная трансляция Le Bal des Enfoirés собрала рекордные 12,7 млн зрителей, диск также возглавил чарты продаж. Всего в концертах Les Enfoirés принимали участие более 260 артистов, которые ежегодно собирали для организации от 10 до 20 млн евро.

Хоа Хакананайа – каменная человеческая фигура (моаи) высотой почти два с половиной метра на острове Рапа-Нуи, более известном как остров Пасхи, в Тихом океане. Статую нашел мореплаватель Ричард Пауэлл 7 ноября 1868 года во время британской морской экспедиции. Он доставил ее королеве Виктории, и сейчас статуя находится в Британском музее. Мэр острова Пасхи запросил, чтобы Великобритания вернула украденную статую, и предложил взамен копию, высеченную местными мастерами.

Хоа Хакананайа © Wikimedia Commons

А вы знаете?

Возвращать ли произведения, вывезенные в прошлом из колоний, – животрепещущий вопрос для европейских музеев. Французские ученые Бенедикт Савой и Фелвин Сарр считают, что «большинство произведений в музеях Франции приобретены в результате войн, грабежей или куплены по заниженной стоимости». Во французских музеях насчитывают 90 тыс. предметов африканского искусства.

Бодлианская библиотека, одна из старейших и крупнейших в Великобритании, находится в Оксфорде. Ее история началась в 1602 году, когда библиотекарь и филантроп сэр Томас Бодли решил возродить старую библиотеку Оксфордского университета, подарив ей собственное собрание книг. Бодли не только передал свои коллекции, но и заключил соглашение с Гильдией издателей, обеспечив библиотеку правом на обязательный экземпляр каждой книги, изданной в Англии. Это соглашение действует и по сей день, благодаря чему библиотека обладает огромным собранием, насчитывающим более 13 млн книг и манускриптов, включая старинные рукописи на латыни, греческом, арабском и многих других языках. С момента основания библиотеки действует строгий запрет на вынос книг: ни одна из них не покидает здание, чтобы обеспечить сохранность фондов для будущих поколений.

В 2020 году в Паленсии, городе на севере Испании, начали реставрировать фасад 100-летнего здания. Во время работ у одной из статуй в виде молодой пастушки отвалилась голова. Мэр города поручил одному начинающему художнику восстановить скульптуру, однако результат не оправдал надежд. Пользователи социальных сетей возмутились: они сравнивали лицо статуи с картофелем, мультяшным персонажем и даже с Дональдом Трампом.

Реставрировать старинные произведения всегда непросто, но Испанию неудачи в этой области преследуют особенно часто. Многие мэры, желая сократить расходы, привлекают к работе необученных специалистов, что приводит к плачевным последствиям.

А вы знаете?

Среди неудачных реставраций, несомненно, достойна упоминания картина Ecco homo Элиаса Гарсии Мартинеса, за которую в 2012 году взялся 80-летний реставратор. В итоге картина оказалась настолько испорчена, что не осталось ничего общего с оригиналом.

Итальянский композитор Эннио Морриконе (1928–2020) изучал классическую музыку в Римской консерватории. После того как на экраны кинотеатров в 1964–1968 годах вышла «Долларовая трилогия» Серджио Леоне, к нему пришла настоящая слава: в культовых «спагетти»-вестернах остросюжетное действие разворачивается на фоне завораживающей музыки Морриконе.

Композитор написал саундтреки для пятисот с лишним фильмов, а тираж его дисков уже превысил 70 млн. В 2007 году Морриконе получил почетный «Оскар» «за выдающиеся заслуги в кинематографе», а в 2017 году стал кавалером Большого креста ордена «За заслуги перед Итальянской Республикой».

Синдром Стендаля – психологическая реакция, возникающая у некоторых людей во время сильных эстетических переживаний. Произведение искусства способно вызвать внезапный нервный приступ, сопровождающийся эйфорией, беспокойством, головокружением, нарушением зрения, слуха или памяти. Синдром назвали в честь французского писателя Стендаля, который описал такого рода опыт, пережитый им в 1817 году перед картиной Вольтеррано во Флоренции. В науке этот синдром впервые зафиксировала итальянский психиатр Грациелла Магерини. В публикации 1980 года она высказала мнение, что наиболее уязвимыми для него являются женщины европейского происхождения от 26 до 40 лет.

В 2017 году авторы Орели Эрру и Сагар Форни опубликовали книгу «Синдром Стендаля», и 11 ноября издательство Glénat и Центр современного искусства имени Ж. Помпиду организовали ее обсуждение и дебаты на тему этого явления.

У картины великого голландского живописца Яна Вермеера (1632–1675) изначально не было названия. С 1970-х годов ее стали называть «Девушка с жемчужной сережкой», поскольку она представляет молодую женщину в желто-голубом тюрбане и с крупной жемчужиной в левом ухе. Полотно иногда именуют «Северная Мона Лиза». Наряду с другой выдающейся работой Вермеера, «Молочницей», эта картина считается шедевром голландского искусства XVII века.

Google ежегодно вспоминает Вермеера 12 ноября, так как в 1995 году в этот день открылась большая ретроспективная выставка художника в Национальной галерее искусств в Вашингтоне. Экспозиция включала в себя также «Девушку с жемчужной сережкой».

Картина «Впечатление. Восход солнца» хранится в музее Мармоттан в Париже. Клод Моне (1840–1926) изобразил рассвет над Гавром в Нормандии. Эта работа считается первым произведением, написанным в импрессионистической стилистике, и, таким образом, знаменует начало новой эры в истории живописи.

Картина написана пастозными мазками в технике алла при́ма (от ит. alla prima – «с первого раза»), то есть в один слой и за один сеанс до полного высыхания красок. Именно импрессионисты придали алла прима статус самодостаточной живописной техники. Если сеансов требовалось больше, то работа велась над отдельными частями композиции. До импрессионистов художники писали по академической системе, в которой алла прима применяется лишь для подмалевка (базовой прорисовки), поверх которого в определенной последовательности наносятся следующие слои, после полного высыхания предыдущего.

В Живерни, где находится фонд Клода Моне, можно посетить дом художника и увидеть некоторые его работы. Рядом с домом располагается большой сад с прудом – излюбленное место Моне, представленное им в 324 картинах.

Знаменитую американскую песню Georgia on my mind написали Хоги Кармайкл (музыка) и Стюарт Горрелла (слова) в 1930 году. Однако всемирную известность ей принесла интерпретация Рэя Чарльза (1930–2004), написанная в 1958 году для альбома The Genius Hits the Road. Чарльз вырос на юге США и вложил в композицию собственные чувства. Его глубокий вокал и душевная манера исполнения в сопровождении мягких звуков фортепиано передают тоску по родному краю. Четырнадцатого ноября 1960 года именно эта интерпретация заняла первую строчку в американском хит-параде Billboard Hot 100, а годом позже Рэй Чарльз получил за нее премию «Грэмми». После такого успеха песню взяли в репертуар многие известные исполнители: Элла Фицджеральд, Луи Армстронг, Уилли Нельсон, Майкл Болтон и Ашер.

Стоимость произведений изобразительного искусства определяется не только соотношением спроса и предложения, но также их редкостью и непреходящей ценностью. На сегодняшний день в рейтинге самых дорогих картин лидирует «Сальватор Мунди» («Спаситель мира»), приписываемый Леонардо да Винчи. Пятнадцатого ноября 2017 года картину продали на аукционе за 450 млн долларов, что стало очередным рекордом арт-рынка. Покупатель приобрел произведение от имени наследного принца Саудовской Аравии Мохаммеда бен Салмана, и на сегодняшний день никто не знает, где оно находится.

В каталоге аукциона было заявлено, что картина написана около 1500 года. На полотне изображен Иисус Христос с поднятой в благословляющем жесте рукой и с прозрачным шаром, символизирующим мир, в другой руке. Существуют серьезные сомнения в подлинности этой картины. Многие признанные специалисты считают, что она была написана не самим Леонардо да Винчи, а его учениками. С момента приобретения картина ни разу не выставлялась на всеобщее обозрение, поэтому у экспертов не было возможности тщательно ее исследовать.

Игра на повышение на рынке искусства приносит художникам и поддерживающим их институциям существенную прибыль, но имеет оборотную сторону, способствуя коммерциализации и недоступности искусства.

В 2010 году Служба древностей Египта обнаружила 12 статуй сфинксов эпохи фараона Нектанеба I недалеко от храмов Карнака. По словам генерального секретаря организации Захи Хавасса скульптуры были созданы в 370 году до н. э., незадолго до вторжения персов, а затем греков в Египет.

В Древнем Египте сфинксы воплощали львиную силу и интеллект, поэтому их изображали с телом льва и головой человека или сокола. Египтяне считали, что сфинксы охраняют священные места, поэтому их часто помещали рядом с храмами и гробницами.

Императорская Академия художеств была главным в Российской империи учебным заведением для художников. Основанная по указу Елизаветы Петровны, она окончательно сформировалась при Екатерине II. Академия давала классическое образование: здесь преподавали живопись, архитектуру и скульптуру по образцам Античности и Ренессанса. Ученики изучали анатомию, композицию и перспективу в течение 15 (!) лет. В завершение курса выпускники писали картину на заданную тему, после чего получали диплом, а лучшие из них – медаль. Медалисты допускались к конкурсу на большую золотую медаль, победители которого отправлялись в Европу для продолжения обучения.

Г. К. Михайлов. Вторая античная галерея в Императорской академии художеств. 1836 © Wikimedia Commons

Академию окончили многие мастера, сыгравшие ключевую роль в русском искусстве: Карл Брюллов, Александр Иванов, Илья Репин, Иван Айвазовский, Василий Суриков, Михаил Врубель и другие. Тем не менее уже во второй половине XIX века Академия стала подвергаться критике со стороны художников и публицистов за приверженность классическому стилю, начавшему терять свои позиции. После Октябрьской революции, в 1918 году, Академия была упразднена.

А вы знаете?

В 1863 году в Академии произошел скандал, вошедший в историю как «Бунт четырнадцати». Во время конкурса на большую золотую медаль 14 лучших выпускников отказались писать картины на заданные сюжеты из скандинавской мифологии. Они попросили разрешить им самостоятельно выбрать сюжет, однако их ходатайство не было удовлетворено. В результате все 14 отказались от участия в конкурсе и основали первую в России Артель художников, достигшую вскоре заметного экономического успеха. Часть группы – Иван Крамской, Константин Маковский и другие – в 1870 году составили ядро Товарищества передвижных художественных выставок, членов которого называли передвижниками.

Французский художник и изобретатель Луи Дагер (1787–1851) начинал карьеру как художник-декоратор и был успешным создателем панорам и диорам. В 1830-х годах Дагер работал с физиком Жозефом Нисефором Ньепсом, который создал первую фотографию, но умер до завершения их совместных экспериментов. Дагер продолжил работу и в 1839 году представил свою технологию – дагеротипию, дававшую детализированные изображения на серебряной пластине. Этот метод стал первой коммерчески успешной фотографической техникой: он быстро завоевал популярность и стал основой для дальнейшего развития фотографии.

Национальный музей Прадо содержит впечатляющую коллекцию живописи, скульптуры и графики обширного периода от Средневековья до конца XIX века. Коллекция включает работы великих испанских мастеров Диего Веласкеса, Франсиско де Гойи и Эль Греко, а также других европейских художников – Рубенса, Тициана и Босха.

Музей расположен в здании королевского дворца, построенного в начале XIX века. Примечательное архитектурное строение окружают роскошные сады, где можно прогуляться после выставки. В среднем за год музей посещают около трех миллионов человек.

В 1929 году галерея Goemans устроила первую выставку Сальвадора Дали в Париже. Французская публика уже была знакома с Дали благодаря фильму «Андалузский пес» (1929), но выставка закрепила за художником статус главного сюрреалиста. Галерея представила 11 работ художника – странные образы, навеянные фантазиями и навязчивыми идеями. Во время выставки французский писатель и основоположник сюрреализма Андре Бретон официально принял Сальвадора Дали в сюрреалистическое движение. Однако Дали не отказывал себе в провокационных высказываниях и заявил: «Сюрреализм – это я!», так что в 1939 году художника исключили.

Carl Van Vechten. Портрет Сальвадора Дали. 1939 © Wikimedia Commons

Сальвадор Дали создал параноидально-критический метод, вдохновленный работой Зигмунда Фрейда о сновидениях. Его подход позволяет автору раскрыть глубинную природу реальности, наблюдая бессознательные процессы. Дали призывал исследовать собственную паранойю и перенаправлять ее в творческий поток.

А вы знаете?

Сальвадор Дали был уверен, что некоторые картины хранят секреты. Он убедил сотрудников Лувра сделать рентгеновский снимок картины Жан-Франсуа Милле «Анжелюс» (1857–1859). В результате под красочным слоем обнаружили черный ящик, похожий на маленький гроб. Это перевернуло представление о смысле образа, созданного Милле: крестьянская чета молится, как выяснилось, не над трапезой, а над гробом своего ребенка.

В современной истории уже не раз разворачивались идеологические войны на художественном поприще. Подобно спортивным соревнованиям, которые державы используют для демонстрации «мягкой силы», уличное искусство порой берет на себя функцию оружия в политической борьбе.

В Газе, крупнейшем городе сектора Газа, где на протяжении нескольких десятилетий арабское население противостоит Израилю, искусство граффити стало ярким культурным феноменом. Французская газета 20 minutes опубликовала 21 ноября 2014 года результаты обширного опроса, показавшие, что уличное искусство помогает жителям справиться с гнетущим напряжением, вызванным чередой войн и эмбарго. Граффити – менее дорогой и рискованный способ противостояния властям, чем распространение листовок. Некоторые рисуют, чтобы свободно самовыражаться, другие – чтобы оповещать о происходящем, третьи используют рисование как форму политической борьбы.

А вы знаете?

Одним из самых известных граффити в Газе стал образ ребенка с поднятым кулаком, нарисованный перед разрушенным бомбардировкой полицейским участком. Под рисунком написано: «Свобода».

Музыкальный автомат изобрели основатели Тихоокеанской фонографической компании – Луи Гласс и его бизнес-партнер Уильям Арнольд. Это торговый автомат, который за некоторую сумму денег транслирует музыкальную композицию. Доступные для выбора песни предварительно записывали на цилиндры, а со временем перешли на пластинки.

Идея сразу стала прибыльной, но золотой век музыкальных автоматов пришелся на период с 1940-х по 1970-е годы. Кроме того, считается, что они сыграли значимую роль в расцвете рок-н-ролльной музыки в Соединенных Штатах. Первое устройство разместили 22 ноября 1889 года в Сан-Франциско, в одной из гостиных Королевского дворца. Послушать единственную доступную композицию можно было за пять центов, но не более двух минут.

А вы знаете?

Для работы музыкального автомата требовался фонограф, который механически воспроизводил звук. Фонограф изобрел в 1877 году Томас Эдисон, и затем устройство усовершенствовал Эмиль Берлинер, создав граммофон.

Фредди Меркьюри, солист группы Queen, считается одним из величайших певцов всех времен. Двадцать третьего ноября 1991 года Меркьюри публично рассказал о своей болезни. Согласно врачебному диагнозу, певец заявил: «Я хочу подтвердить, что у меня положительный результат теста на ВИЧ. У меня СПИД. Я считал правильным держать эту информацию в секрете до сегодняшнего дня, чтобы уберечь родных и близких. ‹…› Я надеюсь, что каждый присоединится к борьбе с этой ужасной болезнью».

Несмотря на то что еще в 1987 году Меркьюри поставили положительный диагноз, певец несколько лет хранил болезнь в секрете. Он согласился сделать объявление в СМИ за день до своей смерти от пневмонии, вызванной ВИЧ. Смерть артиста в возрасте 45 лет потрясла весь мир, и его заявление считается важным моментом в повышении осведомленности о ВИЧ и СПИДе.

Во Франции более чем в 95 % коммун[18] есть военный мемориал. Так, в период с 1920 по 1925 год власти возвели 35 тыс. обелисков[19]. В отличие от большинства подобных памятников, скульптура в коммуне Крейссан на юге Франции, открытая 24 ноября 1921 года, представляет французского солдата, прижимающего к груди флаг, и поражает психологической достоверностью. Воин стоит, опираясь на усеченную колонну, символизирующую оборвавшуюся жизнь. Мэр города, желая усилить впечатление, заказал художнице Лиди Плантежене фреску с фигурами солдат в человеческий рост позади статуи.

Статуя Фредди Меркьюри – работа чешского скульптора Ирены Седлецкой. Бронзовая статуя высотой три метра изображает музыканта в образе с открытия концерта на стадионе «Уэмбли» в 1986 году – в желтой куртке и белых брюках в полоску. Памятник воздвигнут в честь солиста рок-группы Queen, погибшего в 45 лет.

Скульптуру торжественно открыли 25 ноября 1996 года в присутствии членов семьи покойного. Она стоит перед Женевским озером в Монтрё, Швейцария, где певец когда-то останавливался. Мемориальная статуя является одной из главных туристических достопримечательностей региона. Местные власти даже продают ее миниатюрную копию из эпоксидной смолы в масштабе 1:14.

Статуя Фредди Меркьюри в Монтрё, Швейцария. 1996 © Colin Hutchings / shutterstock.com

А вы знаете?

Вторая статуя Фредди Меркьюри была открыта в Южной Корее в 2022 году благодаря стараниям фаната Пэк Сун-Епа, который восемь лет работал над ее созданием.

Двадцать шестого ноября 1976 года британская панк-группа Sex Pistols, которую образовали в 1975 году Джонни Роттен, Стив Джонс, Пол Кук и Глен Мэтлок, выпустила свою первую песню Anarchy in the U. K. Трек вошел в альбом Never Mind The Bollocks, Here’s The Sex Pistols, выпущенный 28 октября 1977 года.

Anarchy in the U. K. считается одной из первых песен в жанре панк-рок и быстро заслужила статус гимна контркультуры припевом: «Я Антихрист/я анархист». В другом популярном треке, God Save the Queen, группа критикует королевскую семью и королеву Англии. На некоторых радиостанциях песню запретили транслировать.

А вы знаете?

Группа подписала контракт с лейблом EMI, но ее уволили за скандальное поведение во время телеинтервью. Участники группы становились действующими лицами и других скандалов: драка в аэропорту, бурные вечеринки и все более провокационные песни.

Испанский живописец XVII века Диего Веласкес (1599–1660) считается одним из величайших художников эпохи барокко. Быстро завоевав репутацию мастера цвета и света, в 1622 году он стал официальным художником при дворе Филиппа IV. Эта должность обязывала его писать портреты королевской семьи и придворных. По инициативе монарха Веласкес 27 ноября 1659 года получил скромный дворянский титул – идальго. Одна из самых известных работ Веласкеса – «Менины» (1656), на которой изображена племянница Филиппа IV инфанта Маргарита в сопровождении гувернантки и придворных. Эта работа считается одной из самых важных в истории искусства благодаря новаторской композиции и реалистичной технике живописи. Художник также является автором картины «Венера у ее зеркала» (1647–1651), которая среди знатоков считается одним из лучших образов богини любви в истории искусства.

Диего Веласкес. Портрет Марии Анны Испанской. Ок. 1630 © Wikimedia Commons

А вы знаете?

Диего Веласкес при испанском дворе выполнял поручения, превышавшие задачи художника. Он внес значительный вклад в заключение мирного соглашения между Францией и Испанией. В 1660 году, когда Филипп IV готовился к приему Людовика XIV на острове Фазанов, Веласкес украсил павильон, предназначенный для переговоров и подписания Пиренейского договора: он намеренно развесил картины, посвященные исключительно миру и воссоединению.

Французский художник-импрессионист Фредерик Базиль (1641–1870) ушел добровольцем на Франко-прусскую войну (1870–1871) и погиб в одном из сражений. Его биография как художника началась с поступления в Парижскую академию изящных искусств в 1862 году. Во время обучения он познакомился с художниками Клодом Моне, Огюстом Ренуаром и Альфредом Сислеем. Четверо друзей стали встречаться за пределами академии, чтобы вместе рисовать. Вскоре Фредерик Базиль стал активным членом сообщества художников-импрессионистов. Он участвовал во всех выставках импрессионистов, организованных между 1874 и 1876 годами.

Базиль получил известность как пейзажист и художник повседневности. Одним из его постоянных сюжетов были вечеринки и встречи с друзьями. Картины отличаются ярким и смелым колоритом. Неизвестные при жизни художника, его полотна сегодня привлекают большой интерес любителей живописи.

Всемирно известный итальянский композитор Джакомо Пуччини (1858–1924) обучался в Миланской консерватории. За свои сочинения он получил несколько наград. Музыку Пуччини отличают эмоциональная насыщенность и повествовательность. Под влиянием авангардной (для своего времени) музыки, прежде всего джаза, уже пожилой Джакомо Пуччини смело вводил новшества и смешивал музыкальные жанры.

Пуччини считается одним из величайших оперных композиторов конца XIX – начала XX века, и его произведения постоянно звучат по всему миру. Он сочинил 38 музыкальных произведений, преимущественно опер, из которых наибольшую славу снискали «Богема» (1896), «Тоска» (1900), «Мадам Баттерфляй» (1904) и «Девушка с Запада» (1910).

Проект «Глубокое хранение» – это массивная конструкция из стали, которую создал датский художник Кристиан фон Хорнслет. Скульптура высотой восемь метров напоминает звезду со множеством шипов. Она являет собой не только предмет искусства, но и генетический резерв: внутри конструкции содержатся образцы крови и волос 5000 добровольцев со всего мира, собранные на случай апокалипсиса. Тридцатого ноября 2013 года объект вывезли на лодке в Тихий океан и спустили на дно Марианской впадины, расположенной между Японией, Филиппинами и Индонезией, – самой глубокой океанической впадины, известной на сегодняшний день.

В 2018 году во время протестов «желтых жилетов» демонстранты частично разрушили статую внутри Триумфальной арки на площади Этуаль. Событие получило широкую огласку в СМИ, и представитель республиканцев Лидия Гиру заявила: «Обезображенная в Триумфальной арке Марианна – это опрокинутая Республика».

Триумфальная арка в Париже, Франция © Jakub Barzycki / shutterstock.com

Тем не менее поврежденная скульптура не является образом Марианны: это женщина во фригийском колпаке из фриза «Отъезд добровольцев в 1792 году» (1833–1836). Работу выполнил Франсуа Рюд по заказу короля Луи-Филиппа I. Монархию вовсе не интересовало развитие Республики. Фригийский колпак изначально был эмблемой свободы. Только в 1792 году съезд решил представлять Республику в образе женщины в этом головном уборе и назвал ее Марианной.

А вы знаете?

Как ни странно, официального образа Марианны не существует. Скульпторы изображают символ по-своему, и каждый мэр выбирает модель, которую он хочет продемонстрировать в ратуше. Среди приглашенных моделей были Брижит Бардо, Катрин Денёв, Мирей Матье и др.

«Коронование императора Наполеона I и императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 года» – одна из самых известных картин в мире. Масштабное полотно длиной почти десять метров и высотой более шести метров написано Жак-Луи Давидом и Жоржем Руже в 1805–1807 годах.

Художники изобразили исторический для Франции момент – переход от Первой Республики к Первой империи. Церемония состоялась в соборе Нотр-Дам в присутствии папы римского Пия VII, кардиналов и маршалов. Последних художники изобразили на полосе яркого света, в то время как остальные гости находятся в тени.

По легенде, Наполеон воскликнул, увидев картину: «Какой рельеф, какая точность! Это не живопись – мы ходим по этой картине». Жак-Луи Давид и Жорж Руже действительно являются предшественниками художественного реализма, расцвет которого во Франции пришелся на 1850 год.

Поль Сезанн (1839–1906) – один из важнейших французских художников в истории современного искусства. Его живопись существенно повлияла на возникшие в ту пору художественные течения – постимпрессионизм и кубизм.

Сезанн изучал право, но решил переключиться на художественное поприще. Однако его не приняли в Школу изящных искусств, и, провалив экзамен, Сезанн переехал в Экс-ан-Прованс. Там он начал писать пейзажи и портреты. Произведения Сезанна отличают простые геометрические формы и насыщенные цвета.

При жизни художнику было трудно зарабатывать творчеством, но сегодня его картины признают шедеврами и регулярно выставляют в музеях и частных галереях. Так, 3 декабря 2016 года в музее Гране в Экс-ан-Провансе открылась выставка «Новая встреча с Сезанном» (Revoir Cézanne), куратором которой выступил художник Энри Куэко.

Журнал Rolling Stone назвал Led Zeppelin «величайшей группой семидесятых». Рок-группа заявила о роспуске после смерти своего барабанщика Джона Бонэма, произошедшей 25 сентября того же года.

Британскую группу основали в 1968 году Джимми Пейдж, Роберт Плант, Джон Пол и Джон Бонэм. Led Zeppelin иногда сравнивали с The Beatles. Обе группы роднит, в частности, любовь к смешению музыкальных стилей: в их композициях можно услышать блюз, рок, фолк, регги, соул, джаз, классику, кельтские, индийские и арабские мотивы, поп, психоделический рок, кантри и т. д. С 1969 по 1979 год группа записала восемь альбомов, пять из которых в США стали бриллиантовыми (то есть проданы тиражом 10 млн). Сегодня группу считают пионером хэви-метал и хард-рока.

Десятого декабря 2007 года Led Zeppelin собрались ради того, чтобы дать единственный концерт на O2 Arena в Лондоне. Джона Бонэма на концерте заменил его сын, Джейсон Бонэм. На 20 тыс. доступных мест предварительный спрос превысил 20 млн, что стало мировым рекордом.

Константин Алексеевич Коровин (1861–1939) – мастер русского импрессионизма конца XIX – начала XX века. В юности он был одним из лучших учеников Императорской академии художеств[20]. Его живопись отличает яркий, свежий колорит. Среди его многочисленных работ множество пейзажей, городских и деревенских, – «Весна. Письмо» (1895), «Москва. Снег» (1896), «Зеленый уголок» (1901). С начала XX века художник обратился к театру: он создал многочисленные декорации и эскизы костюмов для постановок Ла Скала в Милане, Мариинского – в Петербурге, Большого и других московских театров.

После Октябрьской революции в России Коровин продолжил работать для театров и при этом много сделал для сохранения памятников искусства. Он даже организовал аукционы и выставки в пользу освободившихся политзаключенных. Тем не менее в 1922 году художник навсегда покинул СССР и поселился во Франции. Особенное место в творчестве Коровина всегда занимал Париж: он посвятил французской столице множество пейзажей, например знаменитый «Париж. Бульвар Капуцинок». Потеряв зрение, Коровин вынужден был отказаться от живописи. Художник сосредоточился на литературе: он написал более 400 рассказов, которые охотно публиковали эмигрантские издания.

Итальянский художник Маурицио Савини (род. 1962) получил идеальный, по его словам, материал для скульптуры, соединив стекловолокно и жевательную резинку ярко-розового цвета. Савини создал из этой массы немало произведений. Некоторые его образы вызывают грусть и меланхолию, но в большинстве из них преобладают темы любви, детства и нежности.

Творчество Савини вызывает споры, потому что его восприятие искусства сугубо личное. Тем не менее в 2005 году он получил награду Международного центра искусств в Париже, где регулярно проходили его выставки. На аукционе, состоявшемся 6 декабря 2012 года, художник расстался с небольшой скульптурой из жевательной резинки – Senza titolo («Без названия») в виде медведя.

Маурицио Каттелан – эпатажный итальянский художник. Получив независимое художественное образование, в 2000-е годы он добился успеха своими провокационными выступлениями. Каттелан открыл Wrong Gallery – псевдогалерею, где ничего не продавали и которая была постоянно закрыта. Он также основал журнал «Туалетная бумага» и создал ряд эпатажных скульптур: Гитлер, молящийся на коленях, разбитый метеоритом папа Иоанн Павел II, золотой унитаз. Последний украли во время выставки в Бленхеймском дворце в Англии.

В 2019 году художник решил продать на ярмарке современного искусства Art Basel в Майами… банан! Он приклеил фрукт к стене и назначил цену – 120 тыс. долларов. Торги проходили в формате аукциона. Один из трех экземпляров произведения приобрела основательница бутика Colette Сара Андельман; второй – некие Билли и Беатрис Кокс. Третий экземпляр желали купить многие, включая художника Дэмиена Херста. Но вдруг перед началом торгов грузинский художник Дэвид Датуна… съел экспонат. Он заявил, что устраивает перформанс Hungry Artist (англ. «голодный художник») и что он таким образом стал «первым художником, который отведал произведение другого художника». Банан в тот же день был заменен новым, и произведение Каттелана приобрел музей Соломона Гуггенхайма.

Back In Black – первый альбом всемирно известной хард-рок-группы AC/DC с новым вокалистом Брайаном Джонсоном. Спродюсированный Робертом Джоном Лангом, альбом вышел 25 июля 1980 года в память о предыдущем вокалисте Боне Скотте, умершем полугодом ранее.

Альбом Back In Black считается лучшей записью группы: он давно преодолел отметку в 50 млн копий и до сих пор занимает второе место в мире по количеству продаж. Признанный рок-классикой, он повлиял на многих артистов, включая Курта Кобейна и Мэтта Беллами. В декабре 2021 года журнал Rolling Stone Australia без колебаний объявил его «лучшим австралийским альбомом всех времен».

Франция – светская республика, провозглашающая равенство граждан перед законом вне зависимости от их происхождения, расы и религии. Одним из ключевых элементов устройства французского общества является закон об отделении церкви от государства, вступивший в силу 9 декабря 1905 года.

Важный для французского права, закон повлиял и на сферу искусства. Согласно 28-й статье, запрещено устанавливать религиозные символы в общественных местах. На основании этого постулата неоднократно сносились произведения христианского искусства. Так, в 2021 году «Национальная федерация за свободу мысли» подала иск о переносе статуи архангела Михаила, стоявшей перед церковью Сен-Мишель в приморском городе Сабль-д’Олонн. Референдум, однако, показал, что 95 % местного населения желают оставить статую на прежнем месте; более того, многие примкнули к протестному движению «Руки прочь от моей статуи». Тем не менее суд принял иск, и 16 декабря 2021 года статую переместили.

В июле 2018 года в городе Чиангмай установили гигантскую соломенную гориллу, чтобы создать новую туристическую достопримечательность. Скульптура стала пользоваться успехом, и несколько месяцев спустя площадку расширили, обустроили и поместили туда двух новых горилл. А 10 декабря 2018 года открылся целый зоопарк из соломы – гигантские статуи слона, буйвола и других зверей. В день открытия студенческие команды устроили конкурс и провозгласили животное-победителя.

Парк соломенных скульптур существует и по сей день. Он защищен от непогоды и позволяет посетителям отдохнуть прямо на траве, а начинающаяся в парке горная тропа ведет к водопаду. Экономика Таиланда в значительной степени зависит от туризма, поэтому подобные мероприятия позволяют местным жителям получить дополнительный доход.

Сикстинская капелла в Ватикане построена в 1473–1481 годах по проекту архитектора Джордже де Дольчи. В последующие два года лучшие художники итальянского Ренессанса – Боттичелли, Перуджино, Гирландайо и другие – расписали стены капеллы сценами из земной жизни Иисуса Христа и истории Моисея. Из 16 композиций на стенах сохранилось только 12.

Микеланджело Буонарроти. Плафон Сикстинской капеллы. 1508–1512 © Wikimedia Commons

Плафон капеллы расписывал великий Микеланджело. Именно здесь находятся его всемирно известные образы «Сотворение Адама» (1508–1512) и «Страшный суд» (1536–1541). Увы, уже в середине XVI века появились упоминания о том, что в капеллу просочилась вода. С тех пор было проведено несколько реставраций для спасения фресок Микеланджело. В последний раз работы проводились по заказу папы Иоанна Павла II в течение десяти лет. Официальное открытие Сикстинской капеллы для публики состоялось 11 декабря 1999 года.

А вы знаете?

Во время последней реставрации обнаружились оригинальные цвета фресок, отличные от тех, которые воспроизведены на сотнях тысяч репродукций. Один исследователь ренессансного искусства даже заявил, что теперь «все книги о Микеланджело следует переписать».

В 1907 году Пабло Пикассо завершил работу над картиной «Авиньонские девицы». Он писал ее более девяти месяцев, и по мере продвижения стиль художника стремительно развивался. Картина вобрала в себя черты нескольких культур: лица трех женщин слева отражают влияние иберийского искусства; женщин справа Пикассо писал последними, и их головы исполнены в африканском стиле. Пикассо вдохновлялся также живописью Жана Огюста Доминика Энгра и Поля Гогена. Сегодня «Авиньонские девицы» считаются краеугольным камнем кубизма – направления, в котором художник словно разбирает объекты на части и собирает в новом порядке.

Портрет Пабло Пикассо. 1962 © Wikimedia Commons

Двенадцатого декабря 1924 года «Девиц» купил кутюрье Жак Дусе за 25 тыс. франков. Затем в 1937 году картину Пикассо приобрела галерея Жака Селигмана за 150 тыс. франков. Наконец в 1939 году владельцем стал Музей современного искусства Нью-Йорка (MoMA), уплативший за полотно 200 тыс. франков.

А вы знаете?

Место действия картины – публичный дом, располагавшийся в Барселоне на улице Каррер д’Авиньо, а не во французском городе Авиньон, как принято считать. Художник хотел назвать работу «Бордель д’Авиньон», но, опасаясь цензуры, воздержался.

У картины «Спящая дама с черной вазой» венгерского художника Роберта Берени необычная история. В 1927 году она пропала без вести, а в 1999 году ее купили за 40 долларов в Калифорнии у антиквара. Одной съемочной группе для съемок фильма «Стюарт Литтл» потребовались декоративные предметы, и они купили картину, понятия не имея о ее истинной стоимости. Все обнаружилось в 2009 году, когда один из сотрудников Национального музея Венгрии случайно заметил картину в сцене фильма. Находку выставили на аукцион 13 декабря 2014 года и продали за 229 500 евро.

Роберт Берени (1887–1953) создавал живопись в стилистике кубизма и экспрессионизма незадолго до Первой мировой войны. Написанная им картина «Спящая дама у черной вазы» – типичный пример экспрессионистского течения в искусстве.

London Calling – третий альбом британской группы The Clash. Поскольку первые два не увенчались успехом, группа решила сменить менеджера и расширить музыкальный стиль. Третий альбом включает жанры панк, джаз, соул, регги и рок. Альбом вышел 14 декабря 1979 года в Соединенном Королевстве на лейбле CBS Records и стал эталоном, проданным тиражом два миллиона копий. Музыканты затрагивают темы безработицы, расовых конфликтов, ядерной угрозы, пороков капитализма, дикой рекламы и даже политики. The Clash доказали, что ангажированную музыку делают не только рэп-исполнители. В London Calling рок-группа не только не осуждает, но и призывает молодежь активно участвовать в улучшении будущего своей страны.

«Бык с Уолл-стрит» – это бронзовая скульптура, созданная итальянским художником Артуро Ди Модиком в 1989 году. По замыслу художника, животное воплощает «силу и могущество народа», который противостоял банкам после краха фондового рынка в 1987 году. Вес ее превышает три тонны, а изготовление обошлось художнику в 360 тыс. долларов. Сначала скульптуру незаконно разместили у Нью-Йоркской фондовой биржи, затем переместили в Боулинг-Грин-парк, недалеко от Уолл-стрит. Статуя стала популярной достопримечательностью города. В 2004 году художник заявил, что готов продать скульптуру при условии, что ее не перенесут в другое место. Тем не менее предложений о покупке не поступило.

Артуро Ди Модик. Бык с Уолл-Стрит в Нью-Йорке, США. 1989 (фрагмент) © Sebastian Olier / shutterstock.com

А вы знаете?

Статуя вызывает споры, и некоторые считают ее «слишком маскулинной».

Бык вдохновил художницу Кристен Висбал на идею скульптуры «Девушка без страха», которую в 2017 году установили напротив быка, а затем перенесли к Нью-Йоркской фондовой бирже.

Русский художник и теоретик искусства Василий Васильевич Кандинский (1866–1944) вошел в мировую историю художественной культуры как один из основоположников абстракционизма. В ранних работах он создавал яркие экспрессионистские образы, однако со временем пришел к новаторскому стилю, отказавшись от изображения реальных объектов. Он считал, что искусство посредством цвета и форм должно вызывать у зрителя духовные переживания.

В 1911 году Кандинский основал художественное объединение «Синий всадник», где вместе с Паулем Клее и Францем Марком разрабатывал принципы нового искусства. Позже он работал в Баухаусе в Германии, а после прихода к власти нацистов эмигрировал во Францию. Труды Кандинского оказали значительное влияние на развитие абстракционизма и утвердили его роль как одного из важнейших художников XX века.

Единственная лекция, прочитанная Сальвадором Дали в Сорбонне, называлась «Феноменологические аспекты параноидально-критического метода». Дали приехал в университет на черно-желтом автомобиле Rolls-Royce, набитом кочанами цветной капусты. Его выход к публике начался с раздачи капусты в качестве автографов, поскольку он питал особую страсть к этому овощу.

На лекции художник разразился длинной тирадой об «уникальности задней части пахидермы с подсолнухом». Он также противопоставил Францию, которую считал рациональной страной, Испании, по его мнению, наименее рациональной. Это событие укрепило статус художника как «гения эксцентричности».

«Синий всадник» – это художественная группа молодых экспрессионистов, объединившихся в Мюнхене в 1911 году под руководством Василия Кандинского (1866–1944). В нее входили художники Франц Марк, Август Макке, Габриэле Мюнтер, Марианна Веревкина, Генрих Кампендонк, Давид Бурлюк, Алексей Явленский, Пауль Клее и Альфред Кубин. Авангардисты стремились создать универсальное искусство, вобравшее в себя влияние многих художественных течений.

Группа просуществовала всего четыре года и распалась с началом Первой мировой войны. Тем не менее входившие в нее художники успели организовать несколько выступлений под названием «Выставка редакционного комитета Синего всадника». Каждая из них включала несколько сотен работ.

«Выставка 0.10» – так художник Казимир Малевич назвал выставку, открывшуюся в художественном бюро Н. Е. Добычиной в Санкт-Петербурге. Она длилась месяц и представляла работы 14 художников-супрематистов. Супрематизм – авангардистское художественное направление, близкое конструктивизму. Основой формообразования супрематистов были геометрические фигуры, нередко черные на белом фоне.

Самым известным произведением супрематизма, несомненно, является «Черный квадрат» Малевича. Эта картина на «Выставке 0.10» вызвала бурную реакцию. Однако Малевич пошел еще дальше и назвал стену галереи супрематической картиной.

«Портрет Сюзанны Блох» – картина Пабло Пикассо, написанная в Париже в 1904 году и с 1952 года находившаяся в Музее искусств Сан-Паулу. Портрет стоимостью 50 млн евро украли 20 декабря 2007 года. Спустя несколько дней полиция обнаружила трех воров.

Картина относится к «голубому периоду» (1901–1904) творчества Пабло Пикассо, в характерной сине-зеленой гамме и с интонацией глубокой меланхолии. В 1900-х годах Пабло Пикассо испытывал финансовые трудности, и тяжелая ситуация отразилась на стиле его живописи. За «голубым периодом» последовал «розовый» (1904–1906), связанный с переездом в Париж и счастливым временем в жизни художника.

В этот день тулузский художник Джеймс Коломина установил скульптуру президента Франции Эммануэля Макрона рядом с палаткой бездомного в Десятом округе Парижа. В тот день глава государства праздновал 43-й день рождения. Своей акцией художник выразил осуждение «тривиализации страданий бездомных, которые заперты на улице и часто остаются забытыми». Джеймс Коломина прославился своими «красными» скульптурами, которые устанавливал в общественных местах. В 2019 году в знак протеста против миграционной политики Франции он разместил работу «Мигрант» в нескольких знаковых местах Парижа.

В 1892–1894 годах Клод Дебюсси сочинил симфонию по мотивам поэмы Стефана Малларме «Послеполуденный отдых фавна» (1876), которую композитор Морис Равель назвал «уникальным чудом». Однако прелюдия – вводная часть симфонии – получила самостоятельное значение и стала со временем едва ли не самым известным произведением композитора. Премьеру прелюдии как отдельного произведения исполнил оркестр Национального общества музыки Парижа, поддерживавшего французскую музыкальную культуру.

Дебюсси, в отличие от своих коллег, старался не использовать доминирующий ритм. Это придает его композициям уникальное мягкое звучание.

В ночь на 23 декабря 1888 года произошел один из самых сенсационных и странных случаев в истории искусства. После ожесточенной ссоры с художником Полем Гогеном Винсент Ван Гог бритвой отрезал себе ухо. Через две недели он написал «Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой». На портрете голова художника перевязана белой тканью.

Винсент Ван Гог. Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой. 1889 © Wikimedia Commons

До сих пор событие остается загадкой. Вероятно, у художника случился нервный срыв, усугубленный алкогольной абстиненцией. Некоторые исследователи говорят о том, что Ван Гог страдал от расстройства личности и недоедания. Как бы то ни было, после этого он лег в психиатрическую больницу, где продолжал создавать работы до самой смерти. Ван Гог скончался 29 июля 1890 года, через несколько дней после попытки самоубийства.

А вы знаете?

Газета Le Petit Provençal сообщила, что Ван Гог завернул отрезанное ухо в ткань и отнес в бордель в Арле, где передал его одной из местных работниц.

В этот день четыре художника – Даниэль Бюрен, Оливье, Мишель Парментье и Ниеле Торони – основали движение, дав ему название по первым буквам фамилий участников: BMPT. Несмотря на одобрительный прием со стороны французских СМИ, через год объединение распалось.

Группа заявляла, что отвергает любую интерпретацию, кроме той, что представлена на холсте. Художники BMPT создавали так называемые программные картины, в которых повторялись написанные черной краской элементы – лучи, полосы, круги и мазки кистью. При этом они не представляли зрителям никакой дополнительной информации. По словам куратора их выставки Мишеля Клора, «эти картины ничего не представляют. В них не нужно искать ни утешения, ни вызова».

Четверть века назад лейбл Columbia Records предложил Мэрайе Кэри написать рождественскую песню, но и теперь, спустя несколько десятилетий после выхода, All I Want for Christmas Is You остается главным хитом праздничного сезона. В канун Рождества 2022 года музыкальная интернет-платформа Spotify объявила, что песня побила мировой рекорд: ее прослушали более 21 млн раз! Мэрайя Кэри стала «королевой Рождества», а сингл – самой продаваемой рождественской песней всех времен.

Певица выпустила по мотивам песни детскую сказку, анимационный фильм и множество тематических продуктов. Она даже хотела зарегистрировать официальную торговую марку, но ей отказали.

А вы знаете?

Успех пришел к Мэрайе Кэри в 1988 году, когда генеральный директор Sony Music Томми Моттола помог ей выпустить первый студийный альбом Mariah Carey. Впоследствии они поженились, но в 1997 году развелись.

Парфенон – древнегреческий храм, расположенный на скалистом холме в Афинах. Это самый известный памятник афинского святилища Акрополь. Строение грабили и переделывали не раз, оно побывало и христианским храмом, и мечетью. С 1456 года армия Османской империи использовала Парфенон как опорный пункт и даже устроила внутри пороховой склад. В 1687 году в Парфенон попал снаряд венецианской артиллерии, и центральная часть храма рухнула.

Афинский Парфенон, Греция © shipfactory / shutterstock.com

В 1801–1802 годах британский посол в Константинополе Томас Брюс решил демонтировать и отправить в Лондон барельефы Парфенона. Однако затея оказалась крайне неудачной. Многие фрагменты потеряли или повредили во время демонтажа и перевозки, а один и вовсе затонул. Часть скульптурного декора сейчас находится в Британском музее в Лондоне.

А вы знаете?

В 1860 году, через 59 лет после частичного демонтажа Парфенона, сын Томаса Брюса Джеймс Брюс, верховный комиссар Великобритании в Китае, снес пекинский Летний дворец в отместку за пытки и казнь 20 пленных британцев.

Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906–1975) – крупнейший советский композитор, чьи произведения стали выразителями духа и драматизма времени. Одной из самых известных его симфоний является Седьмая, или «Ленинградская», написанная им в 1941 году и впервые исполненная в осажденном Ленинграде в августе 1942 года. Симфония стала мощным символом надежды, мужества и стойкости советского народа перед лицом фашистской агрессии.

Седьмая симфония сочетает в себе напряженные, мрачные интонации с торжественными мотивами победы и жизни. Центральная ее часть, знаменитая «тема нашествия», нарастает, подобно военной угрозе, и завершается мощным аккордом сопротивления.

Художник и критик Феликс Валлоттон родился в Швейцарии и в 17 лет приехал в Париж, чтобы поступить в Академию Жюлиана. Во Франции он вскоре сделал себе имя, в основном благодаря своим ксилографиям. Его образы просты для понимания, реалистичны и приправлены юмором. Валлоттон писал пейзажи, обнаженную натуру, военные сцены, портреты и натюрморты. За всю жизнь он создал не менее 1704 картин и 237 гравюр по дереву.

Бронзовая статуя «Тяньтань Будда» («Большой Будда») находится на острове Лантау в Гонконге и принадлежит монастырю По Лин. Скульптура высотой 34 м весит более 250 т. Работу над ней начали в 1990 году и завершили 29 декабря 1993 года. «Будда» сразу заинтересовал туристов, ведь на многоуровневую статую можно забраться. Во время подъема все желающие подходят к реликвии – останкам Шакьямуни, одного из духовных лидеров буддизма.

Тяньтань Будда на о. Лантау, Гонконг, Китай. 1993 © Top Virtual Tours / shutterstock.com

А вы знаете?

Изображения Будды обычно обращены на юг, но эта статуя – исключение из правил. Как только ее изготовили, монастырь По Лин настоял, чтобы скульптуру развернули на север, в сторону Пекина, чтобы Будда мог присматривать за китайским народом.

У каждой страны есть награды и звания, которые в знак благодарности присуждают выдающимся гражданам. Звание кавалера ордена Канады равноценно ордену Почетного легиона во Франции. Тридцатого декабря 2009 года Канада наградила автора-исполнителя Нила Янга.

Нил Янг играл на гитаре в нескольких группах, прежде чем прославился на весь мир как сольный исполнитель. В 1972 году он выпустил альбом Harvest, соединивший в себе жанры рок и кантри. Альбом разошелся тиражом в несколько миллионов экземпляров, став культовым. В 2011 году он попал на 17-е место среди лучших гитаристов всех времен по версии журнала Rolling Stone.

«На дне» Максима Горького была впервые поставлена в Московском художественном театре. В вечер премьеры на сцене играли величайшие актеры – Константин Станиславский, Иван Москвин, Василий Качалов, Ольга Книппер и Леонид Леонидов.

Пьеса стала настоящей новацией в русском театре, нарушив традиционные эстетические нормы. Зрители были потрясены откровенностью и жестокостью постановки. Однако многие приняли замысел драматурга: под «грязью», в «смердящей» обстановке сохраняется благородный человеческий дух. Хотя пьеса и не была откровенно политической, ее постановка в период растущего политического напряжения в России была воспринята как выражение революционных настроений. Часть зрителей и критиков увидели в ней вызов существовавшему социальному порядку.