Без уверенного знания наизусть текста и пьесы невозможно приступать к этапу работы со сценическим волнением – это необходимое условие для дальнейшей подготовки к выходу к зрителю, Произведение должно исполняться в правильном темпе, заявленном автором, с динамикой, с правильными штрихами, акцентами, темповыми отклонениями, Оправдания в стиле «я разволновался и забыл текст на экзамене» не должны быть спасительным островком. Где тонко – там и рвется, нужно это усвоить, Недоученные части пьесы, трудные соединения, неотработанные пассажи обязательно дадут знать о себе во время выступления. Только подготовив качественное и уверенное исполнение, можно приступать к подготовке концертного выступления. Рассмотрим методы и способы работы с возможными трудностями, которые могут встретиться на этапе подготовки.

Умение сыграть пьесу на репетициях быстрее, чем нужно, поможет исполнителю во время выступления на сцене, «Полезно играть с техническим запасом» – этот совет часто можно услышать от опытных музыкантов, Иначе на сцене выступление будет проходить на пределе возможностей, а нам этого не нужно, Хорошо, когда у исполнителя есть чувство уверенности в себе: «Я без проблем сыграю в нужном темпе, потому что на репетициях я играл быстрее». Также большой плюс игры в быстром темпе – возможность лучше запомнить текст наизусть, В умеренном темпе мы чувствуем себя спокойно, уверенно, есть даже время подумать, какая впереди нота или какой аккорд, Быстрый темп не оставляет исполнителю такой возможности, на размышления времени нет, Пальцы должны точно знать все движения, нельзя тратить время на то, чтобы вспомнить текст, все должно быть доведено до автоматизма.

Мы с ученицей Моей вот уже три недели готовили прелюд Маттео Каркасси к техническому зачету. Произведение написано в технике арпеджио. Мая играла его в умеренном темпе, уверенно, без запинок и остановок, в таком виде можно было бы выносить его на зачет и рассчитывать на хорошую оценку, но это означало довольствоваться удовлетворительным результатом. Никогда не стоит бояться испытать свои возможности. Может, ограничения нам только кажутся, а на самом деле за ними открываются новые горизонты?

После трех недель работы я предложила Мае попробовать сыграть прелюд существенно быстрее, чем она играла раньше. Главное, в подобные моменты объяснить ученику, что ошибки неизбежны, не нужно их бояться.

– Ошибки закономерны, ведь ты еще не играла этот прелюд в таком быстром темпе, но, медленно ползая, бегать не научишься. Одно условие: если собьешься – не останавливайся, не старайся исправить ошибку, играй дальше и все время подгоняй сама себя. Сейчас наша задача не отработать трудные места, а приучить руки к быстрому темпу. На третий или четвертый раз пальцы уже немного привыкнут, ошибок станет меньше. Чем дольше будешь отрабатывать быстрый темп, тем меньше будет ошибок. Дома надо будет отдельно поработать над трудными местами прелюда в быстром темпе.

Для начала мы сыграли прелюд вместе на двух гитарах. Я играла с Моей, не позволяя ей вернуться к привычному и удобному среднему темпу. Были и ошибки, и желание остановиться и их исправить, но я не позволяла этого сделать. На третий раз Мая уверенно играла прелюд в быстром темпе и не сделала ни единой ошибки. Текст был несложный, а техника арпеджио удобна для гитариста и позволяла достичь довольно быстрого темпа исполнения.

– Надо же, теперь кажется, что раньше я играла очень медленно! – удивленно сказала Мая.

Я попросила ученицу исполнить прелюд в таком темпе, который был бы удобен и который нравится ей самой, и она сыграла пьесу так быстро, как получилось у нас на уроке. Казалось, что Мая поднялась на высокую скалу, а теперь с удивлением смотрит, как же низко она стояла раньше.

Исполнять пьесу на репетициях в более быстром темпе нужно не все время, а лишь изредка, сделав это одним из вариантов подготовки, Таким образом музыкант почувствует себя свободнее. Во-первых, отработанные в быстром темпе трудные элементы в будущем пойдут на пользу. Преодолевая трудности, мы совершенствуем технику. Во-вторых, возможна такая ситуация: если во время концерта музыканта захватят эмоции, от волнения руки могут взять быстрый темп сами по себе, стремясь к кульминации все быстрее и быстрее, накалив музыкальное развитие до предела, Опасная ситуация, правда? Значит, предварительная отработка пьесы в более быстром темпе позволит исполнителю обеспечить запас беглости, поможет выдержать подобное ускорение и в итоге чувствовать себя гораздо свободнее, что, безусловно, очень хорошо.

Один из самых сильных страхов музыканта на сцене – забыть текст во время выступления, Да, такое случается: под пристальным взглядом десятков слушателей забываются текст, динамические оттенки и многое другое, Как справиться с этой трудностью?

Довольно часто ученики забывают текст пьесы на экзаменах и концертах, Любое публичное выступление сопровождается волнением, из-за которого можно забыть основную мысль устного доклада, стихи, ноты – все, что вы так старательно подготовили дома, Для музыканта это один из главных страхов. Чтобы такого не произошло, следует предварительно проанализировать форму пьесы, проговорить на уроке, где начинаются части, предложения, фразы. Эти точки и будут нашими «якорями», на которых держится пьеса, с них ученик всегда сможет продолжить играть.

Предварительно договариваемся с учеником, ведем разговор доброжелательно: если на сцене случится беда и он забудет текст, то всегда можно продолжить игру с обозначенных точек. Причем в кризисной ситуации, если он остановился и забыл текст, начинать следует от следующего «якоря», не от предыдущего.

К большому сожалению, каждый учитель может вспомнить случаи выступления нерадивых учеников, которые на сцене от волнения забывают текст, останавливаются, потом решают заново начать предложение и, снова забыв текст, повторно останавливаются в «заколдованном» месте пьесы. И ведь это может повториться несколько раз! Для юного исполнителя это огромный стресс, а происходит подобное потому, что злополучный эпизод вызывает страх и ожидание провала, Ученик начинает играть часть или предложение заново, а мысленно уже сжимается от волнения – забудется ли текст или на этот раз удастся проскочить? Семь шансов из десяти, что остановится снова.

Можно проиллюстрировать эту проблему на примере одного чудесного «Денискиного рассказа» Виктора Драгунского, Все читатели хохотали над эпизодом из «Где это видано?», когда Мишка и Дениска выступали на школьном концерте с песней «Папа у Васи силен в математике». Несчастный Мишка от волнения не мог соскочить с этой заколдованной фразы и повторял ее снова и снова, Веселились все: и зрители в школьном зале, и читатели книги. Вот только оказаться на его месте никому не хотелось бы.

Стоит потренироваться и на уроках начинать играть с таких ключевых мест, но не нужно делать чрезмерный акцент на подобной подготовке и заставлять ученика играть таким образом всю пьесу. Пусть это будет ненавязчиво и органично встроено в ход урока.

Ученик Влад исполнял на уроке сонатину Фернандо Карулли, а я внимательно его слушала. В кульминации мне захотелось больше forte, о чем я ему и сказала, пока он играл, и от неожиданности ученик остановился. На такое я не рассчитывала, мне хотелось, чтобы он добавил яркости и динамики во время исполнения кульминации, но раз уж так получилось и он остановился, то мы обсудили мое пожелание. Далее надо было продолжать играть, чтобы закончить пьесу. Влад предложил: «Я лучше начну с самого начала». В подобный момент будет уместно подключить навык исполнения от условного «якоря». Я ответила: «Нет, продолжай, пожалуйста. Начни со следующей фразы».

Так как на предыдущих уроках мы разбирали форму произведения, определяли начало частей, предложений и фраз, то эта задача оказалась для Влада посильной и он продолжил пьесу с начала следующей фразы, стараясь при этом исполнить forte, о котором я попросила.

Скорее всего, после качественной подготовки все пройдет хорошо, подобные уловки не понадобятся, Но для ученика даже простое знание, что он всегда сможет продолжить играть с этих хорошо известных ему мест в пьесе, придаст уверенность в своих силах и станет серьезным подспорьем для хорошего выступления на сцене.

У нашей памяти сложная структура, состоящая из разных разделов, Чтобы выучить текст музыкального произведения, полезно работать с разными способами запоминания, О ключевых моментах пьесы, «якорях», мы поговорили ранее, Используя метод исполнения с закрытыми глазами, можно проработать координационную, мышечную и слуховую память.

Скорее всего, с первого раза с закрытыми глазами сыграть хорошо не удастся, Во время игры на музыкальном инструменте мы постоянно помогаем рукам зрительным контролем, а когда «выключаем» зрение – остаются только звуки и тактильные ощущения. Приходится как будто заново узнавать свою пьесу, искать пальцами нужные ноты, пытаться осуществить мелодические скачки, Такой способ предварительной подготовки к концертному выступлению позволяет развить координацию и начать свободно ориентироваться, взаимодействуя с инструментом, Да, не все музыкальные элементы можно сыграть с закрытыми глазами, например, большие скачки в мелодии, но все же этот метод заслуживает внимания и проработки.

Не обязательно стремиться сыграть пьесу в нужном темпе. Если у ученика получится сыграть пьесу с закрытыми глазами от начала до конца, пусть даже с частыми остановками, – это уже станет большой победой. Таким образом пьеса прорабатывается на тактильном и координационном уровнях, В итоге во время концертного выступления внезапная помеха (какое-то происшествие в зале или неожиданное появление знакомого зрителя) не отвлечет от грифа или клавиатуры и не нарушит стройность исполнения, Даже соринка в глазу не испортит выступления, ведь ученик уже готов к игре без постоянного зрительного контроля.

Рискнем предположить и такую невероятную ситуацию, как случайное непредвиденное отключение освещения, – в жизни всякое может случиться, Даже сценический приглушенный свет может оказаться непривычным, недостаточным для того, чтобы хорошо видеть свой инструмент. Чтобы это не стало для музыканта неожиданностью и причиной плохого выступления, стоит использовать в своей практике метод предварительного проигрывания с закрытыми глазами.

Также очень важным плюсом проигрывания без участия зрения является другое восприятие своего исполнения – слуховое, оно позволяет услышать свое исполнение в чистом виде. Как у слабовидящих людей, когда отключается зрительный канал восприятия информации об окружающем мире и для компенсации обостряются другие органы чувств, При игре с закрытыми глазами мы, как исполнители, запоминаем свое произведение с другой, не менее важной стороны, активизируем слуховую и тактильную память.

Мы с джазовым ансамблем «Аккорд» участвовали в конкурсе, на который нужно было предоставить аудиозапись нашей программы. Возможность сделать запись на диктофон в телефоне мы даже не рассматривали – низкое качество совершенно не подходило для наших целей. Мы поставили перед собой серьезную задачу: добиться качественного результата, используя профессиональные микрофоны. Обстоятельства сложились так, что не мы поехали в студию, а студия приехала к нам: звукорежиссер привез все необходимое оборудование, и мы, расположившись в большом зале музыкальной школы, приступили к работе.

Полным сюрпризом стала для меня и ребят высокая чувствительность микрофонов. Казалось бы, этого следовало ожидать, но никто не предполагал, что слышимость будет настолько сильной! В наушниках нашего звукорежиссера Саши мир звучал как под увеличительным стеклом: паркет на сцене скрипел под ногами ребят, хотя обычно мы этих звуков не замечали, одежда громко шуршала при движениях рук гитаристов, любое слово, сказанное шепотом, становилось слышно всем. Над всей этой симфонией шумов самой большой помехой стало жужжание осветительных приборов, из-за которого выступление было просто невозможно записывать.

Звукорежиссер у нас был серьезный, ответственно подходил к своей работе, поэтому он принял трудное, но верное решение: «Готовьтесь, друзья, записывать будем в темноте!»

В силу обстоятельств на запись у нас был отведен только один вечер, за окнами уже стемнело, и, чтобы записать конкурсное исполнение без назойливого жужжания ламп, нам действительно пришлось выключить свет и играть в темноте. Слабый фонарик освещал только клавиатуру рояля. Темнота скрыла ребят, грифы гитар, клапаны саксофона, инструменты ударника, клавиатуру рояля. Нам пришлось играть, полагаясь на тактильную и координационную память рук. Пригодились наши тренировочные проигрывания с закрытыми глазами. Стоит ли говорить, насколько каждый из нас сосредоточился над тем, чтобы внимательно слушать друг друга, контролировать свое исполнение, совместное звучание и изменения в темпе? Все исчезло в темноте, осталось только общее, целостное звучание ансамбля. Наше любимое «Кафе 1930» из цикла Астора Пьяццоллы «История танго» никогда еще не звучало так выразительно. Музыка дышала, жила – это было прекрасно. А предварительная тренировка игры с закрытыми глазами нашла такую неожиданную и очень нужную в тот момент реализацию на сцене.

Перейдем к следующему типу запоминания – использованию зрительной и структурной памяти, Даже при выученном наизусть тексте никто не отменял проигрывание по нотам. После, когда исполнитель окажется на сцене, зрительная память поможет мысленно представить нотный лист с нужным фрагментом пьесы.

На уроках я слышу от учеников: «Мария Сергеевна, когда я играю наизусть, то иногда вижу мысленно перед собой ноты, мне это помогает». Умницы! Конечно, помогает. Бывает и наоборот: ученик играет на уроке наизусть, забывает текст, останавливается, и тогда я прошу представить нужный фрагмент в нотах: «Вспомни, это же самое начало второй страницы. Что там было?» Зачастую, хотя не всегда, ученик вспоминает нужный отрывок и продолжает играть.

Что гораздо более важно – этот метод развивает структурную память исполнителя, Благодаря периодическим повторениям по нотам музыкант запоминает четкую форму произведения, зрительно заучивает, где находится вступительная часть, начало каждого раздела, заключительное построение. Потом, на сцене, это помогает мысленно следовать тексту и контролировать выступление.

Маленький первоклассник Володя выступал на рождественском концерте нашего класса, который устраивался для родителей. Скажу честно, песенку «Во поле березка стояла» он знал не очень уверенно: иногда мог сыграть хорошо, а иногда память подводила и он забывал текст. «Где тонко – там и рвется», – напоминает пословица. На концерте во время выступления Володя забыл текст и остановился. Потом, конечно, собрался, начал со следующей фразы и закончил пьесу.

После на уроке я спросила ученика, что же произошло на сцене? Ответ был предсказуем: «Я потерялся. Забыл, в каком месте нахожусь».

Другими словами, Володя поддался волнению и не контролировал свою игру, не представлял нотный текст. Понадеялся только на тактильную память, что руки сами сыграют песенку от начала до конца.

Я бы не слишком доверяла фразе, которую часто повторяют: «Не волнуйся, если забудешь, на сцене руки сами все сыграют». Не стоит заниматься самообманом. Грамотный музыкант должен нести ответственность за то, как он играет.

Гармонический анализ произведения – один из главных и неотъемлемых этапов работы с пьесой и подготовки к выступлению. Он помогает исполнять произведение осознанно, а также способствует развитию гармонической памяти, Если ученик забудет текст в каком-либо месте, то знание гармонического плана пьесы подскажет ему нужный аккорд.

Легче всего учить гармоническую последовательность в произведениях в форме вариаций. Одна мелодия, повторяющаяся в разных вариантах, строится на одной последовательности аккордов, и, осознав это, пьесу легче запомнить, Если во время исполнения мы остановимся, то гармоническая память подскажет, какой нужен аккорд, какие басы можно взять и как сыграть дальше в правильном направлении, в нужной гармонии.

Не нужно заучивать гармонический план формально, Если вы с учеником хотя бы периодически будете проговаривать функции того или иного аккорда в пьесе, то он запомнится сам собой, будет связан с конкретным звучанием, а в дальнейшем интуитивно будет всплывать в памяти в нужный момент.

Знание гармонической канвы произведения очень выручит, если на сцене ученик забудет текст и придется импровизировать. Без понимания гармонической основы сделать это будет трудно. Гармоническим анализом нужно заниматься как на этапе разбора произведения, так и в процессе разучивания.

Красивую старинную английскую песню «Зеленые рукава» любят многие гитаристы, ученикам она очень нравится. У меня эта музыка вызывает в воображении образ чего-то старинного и таинственного, прекрасного и сказочного, словно празднование Нового года с ароматом живой елки и непременным ожиданием чуда. Вариации Зигфрида Беренда на тему «Зеленых рукавов» мы часто играем в классе в гитарном ансамбле или с аккомпанементом фортепиано, который я разучила на этом инструменте исключительно из большой любви к этой пьесе и желания поддержать учеников.

При разборе мы с ребятами анализируем гармонический план темы, прописываем карандашом буквенные обозначения аккордов над нотами, где меняется гармония, обозначаем, что будут использоваться аккорды Ат, С, G, Е.

Во время работы над вариациями я обращаю внимание ученика на то, что мелодия в каждой из них строится на тех же самых аккордах и в той же последовательности, что и тема. Тема опирается на звуки трезвучия, иногда используя проходящие звуки. Если ученик забывает текст и останавливается, то я могу помочь ему примерно следующим способом: «Забыл, какой здесь аккорд? А помнишь, в конце фразы было неустойчивое звучание? Какой неустойчивый аккорд ты играл в этом месте? Правильно, Е – это доминанта в ля миноре. Вот и здесь мелодия опирается на звуки ми – соль/f – си». Ученик вспоминает опорные ноты и достраивает мелодию. Вполне вероятно, что на концертном выступлении пьеса прозвучит уверенно благодаря выработанным ассоциациям: неустойчивое звучание в конце фразы – значит, надо играть по звукам доминанты ми – соль// – си.

Как видите, такую сложную и серьезную работу, как гармонический анализ, можно начинать уже в начальных классах в самых простых пьесах, не перегружая ученика сложными знаниями, а концентрируясь на ключевых элементах.

Задача педагога – подготовить ученика к разным ситуациям, которые могут возникнуть во время выступления, сделать его устойчивым к возможным трудностям, а исполнение – стабильным, Неожиданные резкие звуки, аплодисменты, громкая похвала прямо во время игры – все это может отвлечь неподготовленного исполнителя.

Некоторые учителя просят окружающих об абсолютной тишине на репетициях. Не стоит создавать такие стерильные условия – это медвежья услуга своему же ученику. Наоборот, резкие критические замечания одноклассников во время игры, посторонние разговоры, случайный хлопок дверью и другие отвлекающие факторы приучат юного музыканта играть, сосредоточившись на пьесе, и не отвлекаться, Используя этот метод в подготовке к концертному выступлению, вы объединяете теорию с практикой, связываете обучение с жизнью.

Попросите ученика исполнить программу в концертном варианте без остановок и запинок, предупредите его, чтобы не отвлекался на резкие звуки или другие посторонние факторы, Во время исполнения выйдите из кабинета и снова зайдите, сильно хлопнув дверью, Попросите другого ученика попробовать рассмешить товарища прямо во время игры, Также можете задать начинающему музыканту простой вопрос, требующий односложного ответа, Обычно такие тренировки проходят с хорошим настроением.

Игровые методы в обучении нужны всем – и детям, и взрослым, Игра помогает поддерживать интерес к учебе, выполняет важные функции: ученики эмоционально раскрываются, расслабляются, налаживается диалог с учителем, Юмор в сочетании с таким игровым методом очень привлекает детей, помогает им заново полюбить уроки музыки.

Осенью на городском празднике на разных площадках выступали детские музыкальные коллективы. Меня и моих учеников-гитаристов позвали сыграть в составе ансамбля мандолин из нашей музыкальной школы. Выступать нужно было на открытой сцене в красивом парке. Из-за того что периодически шли дожди, над сценой был натянут брезентовый навес. Ничто не предвещало беды. После очередного дождя ярко сияло солнце, настроение у всех было праздничное – словом, играй в свое удовольствие и ни о чем не беспокойся. И вот, прямо во время выступления, брезентовый навес не выдержал накопившейся ранее воды и выплеснул ее прямо над моей ученицей – гитаристкой Ирой! К такому сложно подготовиться, но Ира даже не остановилась. Девочка только ахнула, пригнувшись под потоком окатившей ее воды, и продолжила играть.

Такого не ожидал никто – ни слушатели, ни музыканты. Такая юная, но такая смелая Ира справилась и вышла из ситуации победителем. Мы еще долго вспоминали этот случай на уроках в музыкальной школе, не только с улыбкой, но и с уважением к выдержке девочки. Если на репетициях не избегать отвлекающих факторов, а учиться не замечать их, то можно, как Ира, выработать подобную реакцию.

Еще один случай можно привести в пример из моей практики в Университете информатики и радиоэлектроники. Там я работала всего один год в студенческом клубе с ребятами-программистами, но и за этот год у нашей команды состоялось очень много концертных выступлений.

Забавный случай произошел на Дне учителя в университете. Мы собирались порадовать зал чудесными мелодиями, взятыми из репертуара групп Scorpions и Metallica. Мы устроились на сцене с гитарами, расставили микрофоны. Все шло неплохо, все играли уверенно, пока у одного из ребят не начала крениться микрофонная стойка. Саша пытался поправить ее в паузах. Остальные все видели, но продолжали играть, хотя им было очень интересно, что случится дальше. Стойка кренилась все сильнее, пока, наконец, не упала, и микрофон с громким треском не стукнулся об пол. Остальные члены ансамбля только этого и ждали. Смеялись много, но все равно на стройность нашего исполнения ничто не повлияло. Все продолжили играть и закончили выступление. Студенты – веселый и смелый народ, на сцене смогли одновременно и посмеяться, и хорошо выступить.

Стоит добавить, что к тому времени наша команда существовала всего месяц и это было первое совместное выступление перед большим залом, где присутствовали и однокурсники ребят, и преподаватели. Думаю, если бы на репетициях мы создавали стерильные условия без малейших помех, то музыканты не смогли бы справиться с такой ситуацией и выступление бы не состоялось.

Во время выступления любой исполнитель волнуется, У начинающих музыкантов волнение может быть далеко не приятным и вдохновляющим, а пойти во вред. Сердце бьется сильнее, дыхание учащается, все заготовленные здравые решения куда-то исчезают. Бывает, что руки начинают слегка дрожать. Сценическое волнение влечет за собой довольно серьезную физиологическую трудность, В этом сложном состоянии сразу без подготовки ничего не сыграешь.

Я готовила ученика Федю на один из конкурсов-фестивалей сразу в двух номинациях – «Соло» и «Учитель и ученик». В первый день была номинация соло. Организация, к сожалению, была нечеткой и непродуманной. Нам пришлось ждать выступления три часа, после чего мы сделали вывод, что на этом конкурсе никто никуда не спешит. Разумеется, долгое ожидание отрицательно подействовало на выступление Феди.

На следующий день было назначено выступление участников в номинации «Учитель и ученик». Мы с Федей и его отцом снова пришли к назначенному времени; даже прибежали, потому что автобус не пришел по расписанию и нам пришлось добираться пешком. Не надеясь на пунктуальность организаторов, мы заранее приготовились долго ждать. Каково же было наше удивление, когда ведущий конкурса, услышав наши фамилии, сказал нам, что изменили порядок выступлений и все участники номинации «Учитель и ученик» уже отыграли, но раз уж мы пришли, то нас сейчас объявят и мы сможем выступить.

В тот момент нам нужно было собраться и хорошо сыграть. Представьте, мы бежали с Федей и его отцом минут двадцать из гостиницы к месту проведения конкурса, а когда ведущий вышел к жюри объявить наш выход, мы еще доставали гитары из чехлов и раскладывали подставки для ног. Вот уж где пригодилась практика игры после физической нагрузки.

И ведь хорошо сыграли! Возбуждение и спешка стали отличным подспорьем для выступления. «Испанский танец № 5» Энрике Гранадоса прозвучал с огоньком и горделивым напором. Вторая пьеса, «Toccata for a Wild Old Lady» Петера Хортона, тоже прозвучала вполне достойно. За это выступление нам присудили лауреата III степени.

Это всего лишь один из множества примеров, которые показывают, что репетиции после физической нагрузки оказываются очень полезными на практике. Никто заранее не рассчитывает, что придется опаздывать, вбегать в зал прямо с поезда, на ходу переодеваясь, но все же так бывает в жизни, И хорошо, когда вы к этому готовы.

Любой музыкант знает: исполнение пьесы в комнате с мягкой мебелью, тяжелыми шторами и коврами крадет красоту звука, В то время как проигрывание на кухне в квартире или, например, на лестнице между этажами в музыкальной школе творит со звуком чудеса, В полной мере раскрываются тембральные краски, обертона, исполнитель как будто заново слышит себя.

Особенно важны хорошие акустические условия для репетиций гитаристов, учитывая богатство тембральных возможностей инструмента и его относительно тихое звучание, Мы лучше контролируем звук, лучше слышна разница угла прикосновения пальца к струне, поворота ногтя, силы звукоизвлечения, не говоря уже о положении правой руки над грифом или у подставки, Vibrato начинает звучать более полноценно, чисто и прозрачно, Что и говорить, игра в хороших акустических условиях – наслаждение для музыканта!

Репетируя в помещениях, поглощающих звук, исполнитель может оказаться просто не готов к тому, что впоследствии на сцене каждый недостаток в звучании и бедность тембра будут преподнесены слушателям как под увеличительным стеклом. Поэтому так важны репетиции в хороших акустических условиях.

В нашей музыкальной школе есть камерный зал, в котором гитара звучит просто изумительно. Его можно назвать и самым красивым: огромные окна, сверкающие люстры, высокие растения украшают пространство. Для меня истинным наслаждением является возможность взять гитару и поиграть немного именно там. Хотя бы изредка я стараюсь дать каждому своему ученику возможность порепетировать в этом зале. Хорошие акустические условия помогают «смахнуть пыль» со звучания – они как будто умывают исполнение, делают его чистым, звонким, таким, каким оно и должно быть в идеале. Ребята чувствуют разницу в звучании своего инструмента по сравнению с игрой в кабинете и при этом заново открывают для себя красоту тембра гитары.

Если речь идет о домашних занятиях, я рекомендую ученикам периодически репетировать на кухне, Или в таком месте дома, квартиры, где они будут слышать свой инструмент так же хорошо, чисто и звонко.

Пробные проигрывания являются важной частью подготовки к выступлению на сцене. Исполнение перед публикой, пусть даже в рабочем порядке, выявит все недоработанные части пьесы, словно лакмусовая бумажка. Как бы идеально ни подготовил музыкант свою программу, во время выступления перед слушателем непременно обнаружатся недостатки, и лучше, чтобы это случилось при пробных проигрываниях, а не во время важного концертного выступления.

Варианты различны, Можно пригласить на свой урок другого преподавателя, чтобы он послушал, как играет ваш ученик. Можно дождаться, пока придет следующий ученик – пусть ваш будущий конкурсант сыграет своему товарищу, Можно организовать выступление ученика перед его группой по сольфеджио. Скорее всего, преподаватель с удовольствием уделит время в перерыве между уроками и вместе со всей группой послушает вашего ученика. Польза будет даже от того, если просто посадить ребенка в коридоре музыкальной школы и его будут слышать те, кто проходит мимо, Кстати, это очень интересная тренировка. Музыкант видит, что некоторые люди не задерживаются, некоторые останавливаются и начинают внимательно слушать, а некоторым настолько все равно, что они ведут беседу параллельно с музыкой, Подобные репетиции приучают к разной аудитории и к разной реакции слушателей.

Конечно, первый раз обыгрывать новую пьесу перед зрителем всегда страшно и волнительно, Ученик будет стесняться, отказываться, упираться, Постарайтесь донести до него мысль, что либо его первое публичное проигрывание пьесы состоится сейчас, перед немногочисленными зрителями и в привычной обстановке, либо он окажется с программой сразу на сцене (или даже на конкурсе), где ему придется справляться с переживаниями, страхом и волнением уже при полном зрительном зале, перед жюри и экзаменационной комиссией, При пробных проигрываниях ученик может ошибиться, сыграть невыразительно, но у него будет шанс сделать вывод из этих ошибок и исправиться, дополнительно попрактиковаться дома, Лучше немного расстроиться из-за неудачного проигрывания перед группой одноклассников по сольфеджио, но захотеть доучить и все исправить до важного конкурса или концерта, чем испытать огромный стресс на сцене при первом публичном исполнении.

Можно привести множество примеров того, как важны предварительные проигрывания перед аудиторией. Расскажу про один из них. Мы с учеником знали, что для отбора на конкурс нас будет прослушивать завуч. Как бы мы ни тренировались на занятиях, я все равно чувствовала, что моему ученику не хватает уверенности. Пригодился этот метод. Я вызвала ученика на час раньше. Сначала он разыгрался в классе и повторил программу, потом я попросила другого педагога по гитаре послушать нас.

Ученик сыграл гораздо хуже, чем я рассчитывала, и это очень огорчило меня. После того как учитель высказал свои замечания и ушел, мы обсудили ошибки, проговорили, как их избежать, и зашли уже к другому преподавателю нашей школы. Теперь ученик гораздо лучше справился с волнением и сыграл довольно убедительно, его похвалили. Такое удачное проигрывание его подбодрило. Завучу он сыграл, будучи в хорошем настроении, был уверен в своих силах и выступил хорошо. Пьесы прозвучали ярко, технично, в правильном характере. В результате его взяли на конкурс.

Здесь работает правило предварительных публичных выступлений: вполне вероятно, что при первом проигрывании программы ученик покажет свой наихудший вариант и расстроит учителя. От волнения и страха вылезут наружу все ошибки и недоработанные места.

При втором проигрывании ошибок и недочетов будет уже гораздо меньше, Ученик привыкнет к состоянию, которое испытывает из-за выступления перед слушателями, страх перейдет в состояние волнения, ребенок поймет, как справляться с собой. При третьем тренировочном проигрывании перед слушателями ученик будет выступать настолько хорошо, что к вам вернется вера в него и в то, что он достойно выступит на предстоящем концерте. Разумеется, качество исполнения будет улучшаться, если после каждого публичного предварительного проигрывания вы обсудите с учеником допущенные ошибки и недоработки.

Очень важно воспитывать у ученика ответственное отношение к аудитории. Недопустима позиция «если плохо сыграешь – не страшно, слушатели все равно ничего не понимают в серьезной музыке, они даже ничего не заметят». Зрителей надо уважать, Мы же не готовимся выступать перед неадекватной, плохо соображающей публикой, которая во время концерта будет жевать и просматривать ленту новостей в смартфоне? Мы рассчитываем, что слушатели в зале будут внимательными, культурными, настроенными доброжелательно, Мы хотим поделиться красивыми произведениями.

Очень важно донести до учеников мысль: «Люди оставили свои ежедневные дела и пришли на концерт, чтобы послушать хорошую музыку, в том числе и твое выступление, Любой слушатель отметит уверенное и яркое исполнение и заметит неуверенность, остановки, вялость и отсутствие эмоций». Поэтому после предварительных проигрываний перед залом очень важно сделать с учеником правильные выводы, настроить его на интенсивную подготовку и доработку трудных мест в пьесах в оставшееся перед концертом время.

В отличие от предыдущего метода здесь идет речь о полноценном концертном выступлении, Перед важным экзаменом, конкурсом или концертом хорошо бы организовать юному музыканту выступление перед другими учениками или перед их родителями, Во время такого концерта слушатели будут заведомо доброжелательно настроены к юным исполнителям, а для самих учеников это станет потрясающей возможностью примерить на себя роль серьезного исполнителя, почувствовать ответственность перед зрителями и постараться сыграть как можно лучше, справляясь со сценическим волнением. Это уже не предварительное проигрывание перед новым учителем в классе, а полноценное концертное выступление перед публикой.

Выступление в концертной одежде, ожидание своего выхода на сцену, множество людей в зрительном зале, торжественность обстановки – все это нужно испытать молодому исполнителю в полном объеме перед тем как выйти на сцену республиканского, международного конкурса или просто очень важного и ответственного концерта.

В моей практике сложилась следующая схема работы: если мы с учеником принимаем решение об участии в конкурсе, то с самой осени мы начинаем работать над конкурсной программой. Это всегда требует много моего рабочего времени и также занимает почти все свободное время ученика. Бесконечные отработки трудных пассажей, соединений, работа над качеством звукоизвлечения, беглостью, техническими трудностями… Любой учитель знает, что подготовка к конкурсу – задача не из простых. Лично мне жалко тратить столько усилий ради одного конкурса.

Я стараюсь подобрать дополнительные один-два конкурса, помимо выбранного изначально, со схожими требованиями.

Со второклассником Женей мы замахнулись на конкурс-фестиваль в Испании. Когда знакомые слышали эту новость, они наперебой начали повторять: «В Тулу со своим самоваром не ездят! Неужели вы думаете, что переиграете на гитаре испанцев?» Однако и Женя у меня был не прост: во втором классе освоил очень бегло арпеджио, гитарное легато и другие приемы исполнения, а еще ему нравилась испанская музыка. Благодаря этому интересу мы выучили и довольно прилично отработали сложный «Танец мельника» из балета Мануэля де Фалья «Треуголка». Его мы и сделали гвоздем программы для выступления в Каталонии. Вторым произведением выбрали концертный этюд на гитарное легато.

Разумеется, к такому испытанию нужно было быть готовым. Мы запланировали выступление на более доступном белорусском конкурсе, который по срокам опережал Испанию на три месяца. Там Женя стал лауреатом третьей степени. Отличное полноценное выступление перед зрителями накануне важного выхода на сцену в другой стране! Конечно, Женя участвовал и в концертах.

Все эти важные выступления имели ценность и сами по себе, и в то же время служили большой цели – подготовить юного музыканта к выступлению в Испании. В итоге Женя достойно выдержал испытание и стал лауреатом второй степени конкурса «Musica del Маг», чем я очень горжусь.

Представим себе чудесный момент работы с учеником: программа хорошо отработана, соблюдается авторский темп, динамические нюансы работают на драматургию произведения, учитываются все штрихи. Мы решаем сделать аудиозапись, ожидая получить хороший результат, но внезапно, прослушав ее, понимаем, что вот сейчас работа только начинается! Сколько разных деталей в исполнении хочется исправить!

Сделав аудиозапись своего исполнения, вы получаете прекрасную возможность заранее узнать, что услышат зрители, когда вы будете выступать с этой пьесой на сцене, Все блестящие пассажи, душевно сыгранные фразы, которые понравятся вам в своей записи, отметят и похвалят слушатели, Все запинки и неудачно сыгранные фрагменты, которые вы услышите с диктофона, будут раскритикованы. Но так как это только запись, а не живое выступление, еще есть время, чтобы все исправить и наилучшим образом подготовиться к выходу на сцену, поэтому принимаемся за работу!

Практикуйте этот вид подготовки со своими учениками.

Аудиозапись своей игры является неотъемлемой частью подготовки к концертному исполнению. Достаточно один раз попробовать записать свое выступление, и музыкант услышит и поймет, что аудиозапись не прощает небрежного отношения к исполняемому произведению.

Как под увеличительным стеклом выявятся все недочеты. То, что казалось ярким звуком, в записи звучит форсированно и с треском, Быстрый темп только казался быстрым, а со стороны, прослушав исполнение, не отвлекаясь на преодоление трудностей, мы делаем вывод, что пьеса звучит вовсе не так подвижно, Бывает, что в записи слышны усилия, с которыми исполнитель продирается сквозь текст.

Любому ученику хотелось бы, чтобы музыка звучала легко, беспрепятственно, Довольно часто проявляются недоработки в отношении динамики: тихие части пьесы на самом деле недостаточно тихие, Еще много интересных открытий предстоит музыканту, который решил записать свое исполнение. Это очень полезный опыт.

Такие аудиозаписи можно делать на любом уроке, Воспользуйтесь диктофоном на смартфоне, Вы обратите внимание, что во время того как ведется запись, ученики становятся сосредоточеннее, Можно сказать, что в какой-то мере они волнуются из-за диктофона так же, как и перед живыми слушателями, ведь каждому хочется сделать хорошую запись без ошибок.

Мы с Ваней решили сделать запись его исполнения испанского танца булериаса композитора Калатауда. Когда ученик играл эту пьесу, он мог где-то делать микроостановки перед трудными соединениями аккордов, в недоученных местах пьесы. Думаю, сам Ваня даже не замечал в своей игре запинок, потому что был занят преодолением трудностей. При прослушивании записи все эти маленькие остановки стали очень заметны.

Я сказала: «Послушай внимательно, этот булериас совсем не похож на яркий испанский танец! Из-за этих досадных остановок музыка как будто не танцует, а хромает на одну ногу. Таким же и зрители услышат твое исполнение. Мы ведь не хотим, чтобы булериас звучал как спотыкающийся больной! Тебе надо дополнительно поработать дома с этими трудными соединениями».

Прослушав как бы со стороны свое исполнение в записи, Ваня прекрасно понял все недочеты. На следующем уроке он играл уже совсем по-другому – увереннее, интереснее, выразительнее. Его было приятно слушать. Результат проделанной работы порадовал и меня, и самого Ваню.

Вариант с аудиозаписью не исключает и видеозапись. В процессе подготовки к выступлению они выполняют разные задачи. Аудио дает полное представление о качестве и мастерстве исполнения пьесы, не отвлекая на визуальную составляющую. Видеозапись позволяет увидеть себя со стороны. Можно проанализировать осанку, походку, незаметные для нас самих движения, которые портят общее впечатление, Поклон, выход на сцену, как мы сидим, наши действия в перерывах между пьесами – все это нужно отрабатывать и смотреть, какой результат получает

Ваш ученик сам сделает выводы после такого просмотра, а вы подскажете ему, что улучшит общее впечатление и его умение держаться на сцене, Как исполнителю выходить на сцену? С какой стороны обойти стул, на котором будет сидеть? С какой стороны от концертмейстера встать?

Просматривая вместе с учеником видеозапись выступления, вы отметите такие детали, о которых раньше даже не задумывались, потому что были сосредоточены на исполнительских задачах,

Скрипачи могут неэстетично, как боксеры, разминать шею и плечи; духовики – слишком сильно шлепать губами в паузах; гитаристы, выходя к своему стулу, перелезают через подставку или пытаются засунуть гитару под мышку, пока располагают подставку на нужной высоте. Хорошо бы проработать подобные нюансы заранее, В общих чертах можно пожелать юным исполнителям на сцене не становиться к зрителям спиной, не чесаться, не поправлять галстук, четко знать последовательность действий: выйти на сцену, встать у рояля, посмотреть на концертмейстера, проверить строй инструмента, кивнуть, начать играть. Гитаристам и домристам необходимо выставить нужную высоту подставки заранее.

Скажу, что сама периодически записываю видео со своим исполнением соло или в ансамбле с учениками, и всегда получается найти то, что раньше оставалось незаметным, что хотелось бы улучшить, исправить. Где-то я начинаю играть слишком быстро, не выдерживая паузы между произведениями, где-то, наоборот, слишком долго раздумываю и теряю внимание слушателей, сутулюсь, прическа оказывается неудачной и закрывает половину лица, и так далее. Я делаю выводы, чтобы в следующий раз на сцене не допускать таких досадных промахов.

То, каким номером по счету вы (или ваш ученик) будете выступать на сцене, может существенно повлиять на выступление, Если концерт сборный и у вас есть возможность выбрать, когда выступать, то можно проанализировать ситуацию по разным критериям и постараться выбрать наиболее выигрышный вариант. Для начала универсальный совет – постараться не идти выступать первым. Здесь скажутся разные отрицательные факторы: первому всегда труднее, так как внимание публики может быть еще рассеянным, могут доноситься остатки разговоров, Можно сказать, что первый исполнитель работает «на разогреве», Есть вероятность, что микрофоны могут быть не настроены и на выступлении первого исполнителя их еще будут регулировать. Ужасная ситуация, конечно, но бывает и такое. Звукорежиссеры на концертах разные, по-разному относятся к своим обязанностям, От всей души желаю всем добросовестных и ответственных звукорежиссеров и организаторов на конкурсах и концертах!

Если пьесы поставить по принципу контрастов в характере и темпе, то они прозвучат хорошо, Если вы знаете, что некоторые исполнители на данном концерте слабее вашего ученика, то правильнее будет пропустить их вперед, а вашего ученика поставить после них, Разумно расставить исполнителей по мастерству, от слабого к сильному. Большие коллективы обычно завершают концерт.

На концерте гитаристов, в котором я должна была играть, порядок выступления не был утвержден заранее. Музыканты незадолго до начала решали между собой, кому за кем идти. Ведущий спросил, кто хочет выступать первым. «Почему бы и нет?» – подумала я и сама вызвалась открывать концерт.

Во время исполнения я прислушивалась к звуку, который транслировали колонки. Что-то с ним было не так, и, конечно, это не добавляло уверенности. Я, как могла, старалась, но все же со звуком творилось что-то неладное.

После концерта мои родители, которые пришли послушать нас, сказали, что звук на моем выступлении то проваливался, то был слишком громким. Звукорежиссер пришел к самому началу концерта и регулировал звук прямо во время выступления первого исполнителя, меня.

Вот так я узнала, что не все относятся к своим обязанностям добросовестно, а в этой книге появилось предупреждение о том, что не стоит торопиться оказаться на сцене первым.

Грамотное построение программы выступления лучшим образом подчеркнет достоинства выбранных пьес, Если вам или вашему ученику предстоит выйти на сцену с сольным концертом, стоит отнестись к этому вопросу внимательно.

Традиционно программа сольного выступления гитариста строится от старинной музыки к современной:

1. Барокко, старинная музыка;

2. Произведения гитаристов классического периода;

3. Романтизм;

4. Современная музыка: вторая половина XX – начало XXI века.

Как правило, первое отделение концерта длиннее, чем второе, и включает в себя старинную и классическую музыку. Второе отделение короче и включает в себя современную музыку.

Не раскрывайте перед публикой свои умения сразу, пусть порядок пьес поможет вам таким образом: первая неспешная пьеса познакомит слушателей с вами и вашей манерой игры, а у вас будет возможность справиться с волнением, Следующие пьесы продемонстрируют ваши умения и навыки в разных видах техники, а завершающая пьеса должна быть самой яркой и сложной, самой любимой и отработанной, «отлежавшейся в руках», как говорят музыканты, – чтобы стать жемчужиной вашего выступления.

Одно из неприятнейших условий выступления для музыканта – игра в холодном помещении. Иногда подобное может произойти в новом, незнакомом зале, значит, к этому надо быть готовым, Я не предлагаю специально искать для тренировок промерзлые залы, но и советую не избегать репетиций в таких условиях.

Для девочек этот вопрос особенно важен, Играть в полупрозрачном легком воздушном платье синеющими пальцами или утепляться и готовить нарядный концертный тулуп? Будет возможность решить заранее, а не расплачиваться на сцене за легкомыслие качеством исполнения.

Подготовиться к хорошему выступлению на сцене музыканту поможет репетиция в большом концертном зале, В идеале – в том же, где будет проходить концерт или конкурс. Играть для учителя на уроке, когда он находится на расстоянии вытянутой руки, и играть для учителя, который расположился в середине зрительных рядов и даже плохо виден за креслами, – разные акустические задачи, Музыку до слушателя нужно донести.

Задача исполнителя – наполнить звуком все помещение, в котором проходит концерт, чтобы его было хорошо слышно каждому зрителю во всех уголках зала. Именно поэтому в ходе подготовки к выступлению необходимы репетиции в большом зале – там, где планируется концерт. Разумеется, на таких прогонах будут вноситься корректировки в динамику, а также в звукоизвлечение. Выступление в большом просторном помещении психологически отличается от работы в маленьком кабинете. Камерность и уют сменяет концертная и торжественная обстановка.

Для инструменталистов, которые выступают с концертмейстером, очень важны репетиции в зале, где предполагается проводить концерт или экзамен. Им нужно найти акустически выигрышную точку – место на сцене, где звучание солиста раскроется максимально и при этом будет хорошо слышен аккомпанемент и виден концертмейстер, Все мы знаем, что на сцене есть места с акустическим провалом, где звучание инструмента скрадывается, «схлопывается». Также важно выяснить, как будет звучать на сцене рояль, и в зависимости от этого нужно скорректировать звучание солиста, чтобы соло и аккомпанемент звучали гармонично.

Со второклассником Женей мы готовились к важному конкурсу в Испании. Нужно было обязательно попробовать сыграть в большом зале, чтобы приспособить игру ученика к новым акустическим задачам, дать возможность почувствовать себя в торжественной концертной атмосфере.

Я пообещала Жене, что ему будет очень интересно репетировать на новом месте. Дорогу к большому залу мы представили для себя как приключение: за темным коридором нас ждала большая чугунная решетка, которая тяжело откатывается в сторону, открывая путь в большой зал. Мы проходим за кулисы и оказываемся на сцене перед огромным пустым зрительным залом.

Обычно дети, в первый раз пройдя в большой зал, замирают на месте и с восторгом осматриваются. Как будто из привычной рабочей обстановки класса мы перенеслись на сцену театра, хотя концерт еще не начался и зал не наполнился шумными голосами зрителей.

Перед Женей стояла задача сыграть со сцены ярко, выразительно, чтобы мне из зрительного зала хорошо были слышны все нюансы. Для его возраста пьеса, которую он исполнял («Танец мельника» из балета Мануэля де Фалья «Треуголка»), была сложной, но, как говорится, «взялся за гуж – не говори, что не дюж». Хочешь участвовать в конкурсе – будь готов работать с номерами на несколько порядков выше программных требований своего класса.

Я заняла место в середине зрительного зала. Женя этого не ожидал. Как донести звук до учителя, когда тот так далеко? Я объяснила, что на конкурсе члены жюри, скорее всего, будут сидеть посередине зрительного зала и его задача как музыканта – наполнить звучанием все помещение, чтобы в любом месте зала пьеса была хорошо слышна.

Вот над этим мы и работали на репетиции. То, что в классе звучало тихо и нежно, в зале рассеивалось и исчезало. Приходилось корректировать звукоизвлечение, показывая, как с помощью ногтей правильной формы и под правильным углом извлекать на гитаре звук тихо, но чисто и ясно, чтобы все услышали. Пришлось обсудить много подобных нюансов.

У каждого инструмента найдутся свои способы сделать звучание ярким и плотным, подходящим для концерта. Именно этого мы и добиваемся на репетициях в концертном зале. Конечно, впоследствии эти репетиции пошли Жене на пользу. Забегая вперед, могу с гордостью сказать, что через несколько месяцев на конкурсе в Испании Женю и второго нашего гитариста, Кирилла, испанцы отметили. Ребята стали лауреатами второй степени каждый в своей возрастной категории.

На сцене непривычная нарядная одежда, сковывающая движения, может помешать качественному исполнению, Взаимодействие музыканта с инструментом связано с физическими движениями: всем музыкантам приходится широко разводить локти в стороны, мандолинисты, балалаечники и домристы наклоняются к инструменту, все движения должны быть свободными. Концертный пиджак и красивая рубашка вместо привычной тянущейся трикотажной одежды во время выступления могут стать мелкой досадной неожиданностью, мешающей исполнителю. Решить вопрос внешнего вида надо заранее, Какую одежду подготовить? Где взять красивую концертную обувь? Если вы заранее не уделите внимание концертной одежде, то может статься, что потом, прямо на конкурсе или концерте, вы встретите ученика в повседневной одежде: джинсах и майке. Вас удивит, сколько таких недоразумений случается! Заранее объявляешь всему классу: «Друзья, на концерт все приходим нарядными, в белых рубашках, темных брюках и в туфлях». И всегда найдутся один-два человека, абсолютно уверенных в себе и нисколько не смущающихся своего повседневного, почти спортивного вида среди нарядных ребят.

Гитаристам во время концертного исполнения пиджак желательно расстегнуть или вообще обойтись без него. Если не прорепетировать заранее подобный момент, то на сцене окажется, что ваш ученик забыл про эту деталь, застегнутый пиджак сильно натянулся из-за разведенных рук и сковывает, мешая играть. Неудобство может помешать качеству выступления.

Может оказаться, что в повседневной жизни ученик носит исключительно джинсы и единственные концертные брюки надо для начала найти в шкафу, а потом проверить, впору ли они, Казалось бы, мелкий вопрос, не стоящий внимания, но можно оказаться в такой смешной ситуации: накануне важного концерта ваш ученик позвонит и скажет, что он вырос из своих единственных брюк и поэтому придет на концерт в рваных джинсах.

Мы с учениками готовились к выступлению ансамблем на очередном конкурсе. Решили, что все будем в строгом концертном виде. Я объявила дресс-код: белые рубашки, пиджаки, темные брюки, туфли. Все согласно кивнули. Хорошо, что я догадалась спросить Глеба:

– А ты в каких туфлях придешь?

– Выбирайте, Мария Сергеевна: красные кроссовки или рыжие ботинки? Это самое нарядное, что у меня есть.

Что же делать в таком случае? Выбирать не из чего. Не просить же покупать обувь ради концерта? Хорошо, что я подняла этот вопрос заранее, и хотя бы в день конкурса была морально готова, а красные кроссовки не стали поводом для скандала, что тоже немаловажно перед выступлением. Позже, уже на других выступлениях, мы

с ребятами поменяли мнение и проголосовали за рыжие ботинки. Оказалось, они неожиданно хорошо гармонируют с темно-синими брюками, пиджаками и белыми рубашками.

Впоследствии концертный стиль, включающий в себя белые рубашки, джинсы и кроссовки, стал нашей визитной карточкой. Не скажу, что мне очень нравился такой внешний вид, но именно в этом ансамбле он стал знаком уважения ко мнению моих юных друзей-музыкантов. Если в плане репетиций, аранжировки, трактовки музыки и выбора программы как руководитель все решала я, то внешний концертный вид ансамбля мы обсуждали коллективно – иначе ведь можно и задавить учеников авторитетом.

Об этом и многих других принципах работы с коллективами мы поговорим в третьей главе этой книги.

Дорога к месту проведения концерта или конкурса, репетиция за кулисами, в отдельном кабинете, волнение и многократные повторения – все это может утомить исполнителя, для яркого полноценного выступления на сцене уже просто не останется физических сил.

Начинающие музыканты, возможно, об этом не задумываются, но в день выступления от бесконечных повторений программы мы устаем быстрее, Учителя предупреждают, что не стоит слишком много играть перед выходом на сцену, чтобы не переиграть руки, но ученики все равно повторяют и повторяют текст, боясь его забыть. Именно поэтому нужно тренировать выносливость.

Пьесы на моторику (те, в которых большие объемы текста написаны одинаковыми мелкими длительностями без пауз) исполнители либо любят, либо избегают, опасаясь с ними не справиться.

У подобных пьес много достоинств, В рамках объемного музыкального материала, написанного однообразными шестнадцатыми, очень интересно работать с динамическими нюансами: можно показать медленное, но постепенное и равномерное развитие музыкального материала.

Гитаристы в таких пьесах могут показать тембральное богатство нашего инструмента: чтобы усилить драматическое развитие материала, начать можно тихо, почти неслышно, при этом используя мягкое звучание над грифом (sul tasto), постепенно увеличивая силу звука и выводя правую руку из закрытого камерного тембра в жесткий и блестящий у подставки (sul ponticello). Так можно сделать в знаменитом этюде Мауро Джулиани «Ручеек». Это всего лишь один из способов использовать тембры, вариантов может быть множество, Моторные пьесы, безусловно, позволяют раскрыться во всей красе с технической точки зрения, В подготовке таких пьес также потребуются предварительные тренировки на развитие выносливости.

Я очень люблю подобные пьесы, их можно подобрать и для начинающих, и для опытных учеников, Безусловно, моторные пьесы очень сложны. Одна из трудностей (возможно, самая главная) – выносливость, которую необходимо развивать для их исполнения.

Для начала следует добиться того, чтобы сложную моторную пьесу ученик проигрывал полностью, от начала до конца. Будет ошибкой работать только над отдельными частями, ожидая, что потом вся пьеса сама собой сложится в целостное произведение. Подобную задачу оставим на начальном этапе разучивания пьесы, При подготовке к выступлению нужно добиться, чтобы ученик без видимых усилий мог исполнить такого рода пьесу два раза подряд. Тяжело в учении – легко в бою, Руки ученика после таких тренировок окрепнут, впоследствии ему будет гораздо легче играть, В итоге на концертном выступлении сложная пьеса прозвучит легко и без видимых трудностей – этого мы все и добиваемся в исполнительском искусстве.

Прекрасную «Астурию» Исаака Альбениса знают многие музыканты. Ее исполняют на разных инструментах, включая саксофон и арфу, хотя пьеса была написана для фортепиано. Бесспорно, лучше всего «Астурия» звучит в переложении для гитары, сделанном Андресом Сеговией.

За эту жемчужину из гитарного репертуара мы и взялись с моим выпускником Максимом. Максим – довольно развитый в техничном отношении ученик, и нам обоим было очень интересно поработать с такой замечательной пьесой. Можно сказать, она стала своеобразным вызовом в профессиональном плане. Чтобы с ней справиться, обязательно нужно тренировать выносливость.

Начало этой пьесы может сыграть кто угодно. Замысел пианиста Альбениса был в том, чтобы сымитировать на фортепиано гитарную технику исполнения с чередованием большого и остальных пальцев правой руки, где басовую мелодию ведет большой палец. Переложение Сеговии очень удобно для гитаристов, но, несмотря на это, если у исполнителя не будет запаса силы и должной выносливости, руки устанут после первой страницы. Появляется множество барре, но надо по-прежнему продолжать моторное движение шестнадцатыми, и это становится довольно трудной задачей. Мы с Максимом понимали, что на пределе возможностей такую пьесу играть нельзя. Обязательно должен быть технический запас беглости и выносливости, поэтому на уроках мы над этим работали.

Когда настало время исполнить эту пьесу на конкурсе, тренировки Максиму очень пригодились. Конечно, мы прибыли в зал заранее, Максим успел разыграться в отведенном нам классе и даже не упустил возможности поиграть на сцене, когда у жюри был перерыв.

Во время конкурсного выступления перед жюри Максима, что называется, «понесло»: экспрессия захватила ученика, от волнения руки сами по себе взяли быстрый темп. Хотя я просила перед выходом играть с небольшим запасом в темпе, Максим взял такой, что был почти на пределе его возможностей. Это, несомненно, очень выгодно сказалось на художественном образе, на развитии пьесы, основной повторяющийся мотив раскручивался, как сжатая пружина, и стремился все сильнее к кульминации, а музыкальное развитие накалилось до предела. Максиму присудили степень лауреата. Я считаю то выступление Максима лучшим за все время, что мы с ним работали, но смог бы он сыграть настолько быстро такую сложную в техническом плане «Астурию», если бы не тренировал выносливость заранее, на репетициях?

Этот способ подготовки к исполнению подобных произведений будет уместным и в случае остальных пьес. Тренировка выносливости пригодится в подготовке к любой концертной программе, Умение грамотно распределять силы во время длительной нагрузки станет очень хорошим навыком для вашего ученика и пригодится в будущем в разных сферах жизни.

В первой части книги мы рассмотрели предварительную подготовку к концертному выступлению, Теперь ваш ученик уверенно справляется с программой, не боится зрителей, умеет играть в разных условиях: в большом концертном зале, при отвлекающих факторах и так далее, Пришло время выйти на сцену.

Все мы живые люди, Попадая в ситуацию, требующую повышенной ответственности, будучи под пристальным вниманием со стороны множества людей, любой из нас будет волноваться, испытывать небольшое физическое напряжение или зажим.

Ученик, которого вы так внимательно и старательно готовили к концерту или конкурсу, конечно, тоже волнуется перед выходом на сцену, Дома его поддерживали и напутствовали родители, сам он очень хочет хорошо выступить, не подвести ожидания учителя, хочет оправдать вложенные в его подготовку труд и время.

Конечно, все дети разные и все по-разному относятся к выступлению, у них разная степень ответственности перед учителем, зрителями, родителями. Среди них бывают несознательные, относящиеся к музыке без того уважения, на которое вы рассчитываете.

Однако, поверьте, никому из них не хочется специально публично опозориться на сцене, В глубине души каждый, даже внешне безразличный или насмешливо относящийся к выступлению ученик переживает, если ошибается на сцене, забывает текст и не может преодолеть трудное место в пьесе под пристальными взглядами зрителей.

Публичное выступление – испытание для любого человека. Взрослые концертирующие исполнители имеют большой опыт и лучше справляются со сценическим волнением, а юным ученикам обязательно нужна наша поддержка в таком серьезном и ответственном деле.

Худшее, что может сделать педагог в своей работе с конкретным учеником, – не уделить внимание вопросу подготовки к концертному выступлению, Выучили с учеником пьесу в классе – и шагом марш на сцену. Будто бросают в воду не умеющего плавать ребенка – справляйся сам, сражайся с трудностями! Или еще хуже: вместо подготовки ученика к концертному выступлению сказать прямо перед выходом на сцену: «Ты не волнуйся. Что тут страшного?»

Для готовящегося к выходу на сцену музыканта много страшного: ожидание зрителей, сердце стучит от волнения, пальцы вспотели – как в таких условиях хорошо сыграть?

Неудача на сцене, публичный провал, позор могут травмировать ученика и навсегда отвратить от выступления перед людьми. Впоследствии такие дети начнут бояться экзаменов, конкурсов, любых докладов и презентаций, мысленно «сжимаясь» перед публичным выступлением, как перед ударом.

Нам, учителям, не стоит забывать, что мы берем учеников в свой класс для того, чтобы познакомить их с прекрасным миром музыки, привить любовь и интерес к инструменту, а также вывести юного музыканта на сцену, пусть даже это будут только выступления на экзаменах и в концертах для родителей, Наша задача – дать знание и навыки игры на инструменте, а также возможность почувствовать радость, получить эстетическое наслаждение от своего исполнения, выступления на сцене, В идеале стоит стремиться сформировать чувство уверенности в себе благодаря учебным достижениям, Это заложит в детях фундамент для формирования чувства радости самореализации в творческой, профессиональной и других сферах жизни. Учитель должен помочь своим ученикам достойно справиться с этой важной частью работы музыканта.

Бывает, что юному музыканту совсем не хватает времени на подготовку к выступлению – только выучил текст пьес, а через пару дней уже пора идти на сцену. Как помочь ученику? В таких ситуациях просто используйте хотя бы один-два метода из предложенных в этой книге, пусть ученик хотя бы минимально подготовится к концертному выступлению.

Непосредственно во время выхода на сцену, несмотря на предварительную подготовку, эмоциональные и физиологические факторы так или иначе повлияют на состояние музыканта, Страх, взволнованность, холодные или вспотевшие пальцы, общая зажатость плеч и рук – все это может помешать исполнителю сыграть настолько хорошо, насколько он мог бы.

Давайте разберем способы, которые помогут нам справиться с этими трудностями.

Значение доброго напутствия от учителя сложно переоценить, В это трудно поверить, но встречаются преподаватели, которые запугивают учеников перед выходом на сцену, ставя ему ультиматумы: «Сыграешь плохо – больше не выставлю ни в одном концерте!» Или говорят об обязательствах ученика перед учителем: «Сколько я с тобой дополнительно занималась! Сколько ты мне нервов потрепал! Сейчас ты просто обязан выступить хорошо!» Возможно, действительно так все и было, и преподаватель потратил много нервов на подготовку, но в данный момент речь о другом, Мы выходим на сцену, чтобы поделиться с людьми музыкой. Самым уместным здесь будет настроить ученика, чтобы он был собранным, доброжелательным и даже немного расслабленным эмоционально, Он ведь подошел к подведению итогов работы над своей программой – представлению ее слушателям.

Бывает, что перед концертным выступлением ученику негде разыграться, И все, чем вы можете помочь ученику в такую минуту, это сказать добрые правильные слова.

Мы с учениками из ансамбля «Аккорд» приехали на джазовый конкурс. Там не было ни обычной для других конкурсов регистрации, ни комнаты для того, чтобы разыграться. Для меня это оказалось большой неожиданностью. Участники просто сидели за кулисами в ожидании своего выхода, и весь наш ансамбль расположился там же со всеми вещами. Нельзя было сыграть ни звука, потому что мы находились прямо за сценой, от выступающих и зрителей нас отделяла лишь ткань занавеса. В таких условиях не разыграешься. Любой бы в этой ситуации почувствовал неуверенность.

Мне, как руководителю, оставалось лишь на словах вполголоса поддерживать хорошее настроение ребят. Они и сами не унывали – шутили, слушали, что происходит на сцене. Я обращала внимание учеников на особенно выигрышные выступления других конкурсантов, подчеркивая, какие качественные выступления представлены на этом конкурсе и как здорово оказаться на таком большом и ярком празднике джаза и импровизации. Убеждала их, что наше выступление обязательно станет жемчужиной сегодняшнего конкурсного дня.

Двум солистам, саксофонисту и пианисту, я говорила, что на наших репетициях их импровизации часто получались яркими, выразительными, вполне достойными такого большого джазового конкурса. Я подчеркивала, как высоко ценю то, что их импровизации – настоящие, рождающиеся прямо на сцене, в отличие от тех, что некоторые участники готовят заранее. Я сказала мальчикам, что, даже если где-то во время нашего конкурсного выступления часть импровизаций покажется не совсем удачной, все равно живые импровизации дорогого стоят, это чистое творчество и ребятам стоит собой гордиться.

Во время того ожидания за кулисами весь наш ансамбль настроился оптимистично, горел желанием хорошо выступить. Эта словесная поддержка, правильная установка на то, чтобы получить радость от своей игры, помогла нам как никогда. Наверное, наше выступление было самым свободным и зажигательным во время исполнения пьесы «Hit the road, Jack!», и в то же время самым душевным и проникновенным, когда мы играли лирическое «Кафе 1930» Астора Пьяццоллы.

Родители моих ребят, сидевшие в зале, после конкурса благодарили нас за прекрасное выступление очень трогательно и доброжелательно, за что я им очень признательна. В этот день родители гордились и своими детьми, и всем ансамблем, что для меня было очень важно.

Очень важно, чтобы юные музыканты росли воспитанными людьми и проявляли уважение по отношению к другим конкурсантам и членам жюри, Во время участия во всевозможных концертах и конкурсах я наблюдала разное поведение учителей по отношению к психологической настройке своих учеников перед выступлением, В основном руководители коллективов старались сконцентрировать внимание своих учеников на разыгрывании, напоминая им основные задачи, которые предстоит выполнить в пьесах, Часто встречалось доброжелательное отношение к другим педагогам и другим выступающим.

К огромному сожалению, случалось видеть и такое, что учитель настраивает детей так, чтобы они испытывали превосходство над остальными участниками: вкладывает в головы, что у остальных конкурсантов слабее программа, а техника исполнения хуже, Такая установка преподавателей приводит к тому, что в случае проигрыша на конкурсе ученику говорится примерно следующее: «Да нас засудили! Мы объективно были лучше других! Они там играть не умеют, а призовые места заранее уже распределены по своим знакомым или куплены!» Согласитесь, это низко и недостойно, такие слова не делают чести ни одному преподавателю, С подобными установками они закладывают в учеников формулу: «Ты победишь, потому что ты сильный, а все остальные слабаки, а если и не попадешь в тройку лауреатов – значит, тебя засудили». Таким образом преподаватели настраивают ученика на неуважительное и пренебрежительное отношение к остальным конкурсантам и членам жюри.

Мое видение диаметрально противоположно, Гораздо лучше, если ученик будет настраиваться на выступление в рядах сильных конкурсантов, морально будучи готов к серьезности конкурса.

За пару недель до выступления я рассказываю ученикам, что в это время остальные участники тоже готовятся со своими учителями, стараются сделать свои пьесы как можно выразительнее, техничнее и красивее, что на конкурс пускают только самых сильных ребят, случайных людей там нет, Я объясняю, что задача – показать себя с лучшей стороны, максимально выложиться, чтобы после выступления не было желания переиграть и доказать жюри, что можешь сыграть лучше, Таким образом, настраиваю учеников, что когда выступать придется среди сильных конкурентов, тогда и победа будет достойной. Нам ведь не нужна ситуация, как в пословице: «Молодец среди овец, а против молодца и сам овца».

Я учу детей уважать других ребят-конкурсантов, ведь они тоже старались, отрабатывали часами гаммы, упражнения, фразировку и многое другое, чтобы сейчас отлично выступить на конкурсе. Про жюри я говорю так: туда приглашают опытных музыкантов, которые воспитали серьезных исполнителей, сами пишут музыку, судили многие другие конкурсы и далее в таком же духе. Я считаю правильным, если ученик будет идти на конкурс с мыслью, что выступать ему придется среди достойных соперников, а оценивать всех будут уважаемые, опытные профессионалы.

Также я не устаю напоминать ученикам перед каждым выступлением: не нужно воспринимать других ребят-музыкантов как конкурентов. Они стараются, поэтому вам стоит тоже стараться выступить как можно лучше и показать все, на что вы способны, когда инструмент у вас в руках. Главная победа – это победа над собой и своими ошибками, Главная задача – постараться вспомнить все замечания, которые давал педагог на уроках по поводу исполнения программы, и сыграть так, чтобы понравилось тебе самому, чтобы получить удовлетворение от собственного исполнения, Жюри пусть выполняет свою задачу – судит так, как посчитает нужным.

Принимая решение об участии в конкурсе, мы тем самым отдаем свое исполнение на суд людей, которых пригласили в жюри, заранее соглашаясь с их вынесенным решением, После реализации таких задач можно будет с чистой совестью после выступления сказать самому себе: «Я полностью выложился на сцене, сыграл так хорошо, как никогда раньше. Теперь пусть судят, как им угодно, я знаю, что был хорош!»

Скажу по секрету, в моей практике именно в таких случаях, когда ученик выкладывался на сцене максимально, не думая о конкурентах и строгих членах жюри, а просто играя в свое удовольствие и максимально старательно выполняя все нюансы в пьесах, ему присуждалось лауреатство первой степени, а ученик говорил: «Даже если бы я не занял первое место, я бы не сильно расстроился, потому что знаю, что сыграл отлично».

На большом конкурсе после объявления результатов я встретила знакомого гитариста от другого учителя. Я спросила: «Как твои успехи? Какое-то место занял?» Ученик хвастливо ответил: «Да, конечно, у меня первое место! Это естественно, ведь у остальных программа была гораздо слабее моей, да и играть они не умеют! Я был лучшим!»

Я поздравила его, а сама задумалась. Странно… Я ведь присутствовала на объявлении результатов. Конечно, конкурс большой и всех участников я не запомнила, но этого ребенка я не помню в числе лауреатов в его возрастной категории. Почему он говорит, что у него первое место? Впоследствии выяснилось, что маленькому заносчивому исполнителю присудили звание дипломанта 1-й степени. Возможно, если бы он серьезнее относился к подготовке, уважал соперников и не считал себя априори лучшим, то мог бы стать лауреатом, а не дипломантом.

Точная настройка инструмента непосредственно перед выходом на сцену – неотъемлемая часть успешного концертного выступления, Уже стоя перед зрителями, следует еще раз тихо и аккуратно проверить строй, Расстроенный инструмент испортит любое выступление, даже блестящее в техническом отношении.

Солисту обязательна подстройка с концертмейстером или оркестром, В ансамбле совместная настройка, конечно, тоже необходима, Исполнитель разыгрывается в отдельном кабинете, а в коридоре и за кулисами уже другая температура, другая влажность, инструмент реагирует на все эти изменения.

Опыт и понимание важности этого вопроса пришел ко мне во время первого выступления нашего ансамбля «Аккорд» на большой концертной площадке. Разыгрывались мы в просторном холле, в котором наши инструменты (гитары, скрипка, саксофон) адаптировались под окружающую температуру и более-менее держали строй. У нас был еще и кахон, но эти проблемы со строем его не касались. Наконец пришла наша очередь выходить на сцену. За кулисами было тесно, жарко и душно. Строй наших инструментов ожидаемо «поплыл», и я понимала, что нужно обязательно подстроиться в новых температурных условиях.

Перед выступлением на сцене все так или иначе волнуются, но проявляется это по-разному. Я, например, перестаю слышать строй инструментов. Вот и тогда, ожидая нашего выхода на сцену в душной и жаркой атмосфере закулисья, я разволновалась и не смогла проконтролировать точность настройки – старалась, внимательно слушала каждого, но все равно не смогла. Думаю, по нескольким причинам, в том числе из-за неточной настройки инструментов, нашему ансамблю присудили тогда только дипломанта 2-й степени. Зато этот печальный опыт подал мне отличную идею – теперь у каждого моего ученика есть электронный тюнер.

В любой пьесе всегда найдутся легкие (или относительно легкие) места, во время которых исполнитель может мысленно отвлечься или отдохнуть, Физическая зажатость может проявиться даже при хорошей и добросовестной подготовке ученика, На таких островках безопасности удается расслабить кисти и плечи непосредственно во время выступления. Исполнители на духовых инструментах могут во время пауз расслабить губы, струнники воспользуются паузами в пьесах, чтобы расслабить напряжение в плечах. Гитаристам (так же, как баянистам и пианистам) нужно учиться прямо во время игры на островках безопасности расслаблять плечи и кисти рук – у исполнителей на этих во время выступления инструментах нет возможности отдохнуть во время проигрыша концертмейстера. Также эти островки безопасности помогут ученикам, которые опасаются, что забудут текст.

Играя легкие места, в которых исполнитель абсолютно уверен, можно мысленно немного отвлечься и вспомнить, с каких нот или аккордов начинается следующий раздел.

Зажалась и напряглась рука? На этих легких фрагментах, островках безопасности, можно расслабиться, сбросить напряжение.

Во время выступления становится страшно забыть текст? На островках безопасности можно довериться механической памяти, эти несложные места руки сыграют сами, а исполнитель вспомнит, с чего начинается следующее предложение или в каком порядке дальше идут части.

Сюита «Куюн баба» композитора Карло Доменикони – мое любимое произведение для классической гитары на протяжении вот уже многих лет Поражает и вдохновляет, как глубоко итальянский композитор осмыслил турецкий фольклор и народные мотивы, история которых насчитывает многие века.

Гитаристы знают это прекрасное произведение, волшебная музыка которого рисует чарующие турецкие пейзажи, погружая слушателя в атмосферу величественности, силы, где каждая часть раскрывает основной образ с новой стороны, приходя к грандиозному, напряженному финалу. Четвертая часть этой пьесы – моторная, написана шестнадцатыми и состоит из частей, которые повторяются в определенном порядке. Мне было трудно запомнить именно порядок, и во время исполнения этой пьесы я боялась запутаться. Помог островок безопасности – первый из фрагментов, который периодически повторяется на протяжении всего финала. Играя его, я всегда могла мысленно отвлечься от того, что я играю прямо сейчас, и вспомнить, что идет по тексту дальше. Также на этом островке безопасности можно было расслабить кисть правой руки – за время долгого повторения шестнадцатых в быстром темпе мышцы руки зажимались, и периодическое расслабление на удобном легком фрагменте было очень кстати.

Островки безопасности очень нужны. Используйте их, вот мой совет!

Несомненно, на сцене исполнитель-инструменталист должен непрерывно контролировать свое выступление – тогда оно будет не эмоциональным прыжком в неизвестность («будь что будет, начну играть, а дальше – как пойдет, авось пронесет и получится хорошо»), а контролируемым и вдумчивым исполнением программы, Тот, кто во время выступления сосредоточен только на правильности исполнения, – Ученик. Он полностью погружен в процесс и старается выполнить все задачи: сыграть правильный текст, справиться с техническими трудностями, не забыть о штрихах, интонировании, динамических оттенках и агогике. Когда музыкант во время игры находится над процессом, контролирует исполнение, отмечает хорошо сыгранные, а также неудачные фрагменты, исправляет недочеты – он уже становится сам для себя Учителем.

Впоследствии ученик привыкнет самостоятельно контролировать свое исполнение. Нужно отвлечь его от модели «я полностью погружен в пьесу», дать почувствовать, что он может быть одновременно исполнителем, старающимся выполнить все музыкальные задачи, и учителем, наблюдающим за процессом со стороны и контролирующим его.

Маленьким детям действительно трудно справиться с этой задачей, Если во время выступления случается ошибка, то очень часто они так сильно расстраиваются, что это видно со стороны. Ребенок переживает, думает о допущенной запинке, портит все остальное выступление, допуская ошибку за ошибкой, – детей в таких случаях захлестывают эмоции, а это отрицательно влияет на все оставшееся выступление. Им очень трудно в такой момент быть для себя Учителем, сказать мысленно самому себе прямо во время исполнения: «Это всего лишь одна ошибка, надо сосредоточиться и аккуратно играть дальше, не допуская других».

На весенних каникулах мы решили собраться всем классом, чтобы сделать прогон экзамена и потренироваться играть на сцене друг перед другом. Мы собрались в том зале, в котором обычно проходят экзамены, и выступали по очереди. Я заметила повторяющуюся у разных ребят ситуацию: из-за одной ошибки во время исполнения они расстраивались, терялись и неудачно заканчивали все выступление. Тогда я решила привести детям пример из фигурного катания:

– Представьте, что фигурист выполняет программу на соревнованиях. У него есть набор разных элементов – аксели, тулупы, вращения и так далее, каждый из которых отдельно оценивается судьями по шкале, а потом эти цифры складываются в общую оценку. Причем отдельно ставят оценку за технику исполнения, отдельно – за артистичность. Что будет, если фигурист случайно упадет во время исполнения одного элемента? Предлагаю вам на выбор два варианта. Первый: спортсмен поднимется, соберется с духом, напомнит себе, что есть оставшаяся часть программы, которую надо хорошо исполнить, и докатает выступление до конца уже без ошибок. И второй вариант: спортсмен расстроится, заплачет и, повесив нос, будет небрежно и с ошибками выполнять оставшуюся часть программы, а еще хуже – загрустит и покатится к бортику плакать и переживать. В первом случае ему не засчитают только один неполучившийся прыжок, а вся остальная программа будет оценена по достоинству Во втором случае не засчитают всю программу. К тому же артистичность такого неудачливого спортсмена будет стремиться к нулю. Ваше право, друзья, выбирать, каким из этих путей вам идти после ошибки во время выступления на сцене.

Мои ученики призадумались после таких сравнений, а я увидела, что в последующих публичных выступлениях некоторые из них, сделав волевое усилие, заставляют себя после случайной ошибки собраться, чтобы продолжить свое выступление. Они смогли научиться контролировать исполнение, наблюдать за ним словно со стороны и делать самим себе замечания, за что я их очень уважаю.

Такое иногда случается у музыкантов. Волнение, ожидание своего выхода на сцену сковывают не только психологически, но и физически, Как с этим справиться? Сказать: «Не волнуйся, чего бояться?» Нет, Ученик будет волноваться, Все знают, что случится, если произнести: «Только не думай о белой обезьяне! О чем хочешь думай, только не о белой обезьяне!» Каждый, естественно, начнет думать именно о белой обезьяне.

Глупо и смешно рассчитывать, что ученик перестанет волноваться, если перед его выходом на сцену сказать: «Не волнуйся, все будет хорошо!» Ученик сразу задастся вопросом, волнуется ли он, Конечно, да, хотя бы немного, но волнение сейчас лишнее, Надо физически снять напряжение: заберите у ребенка инструмент, а он пусть поднимет повыше голову, расправит плечи, сделает несколько круговых движений назад, глубоко вдохнет, Можно пару раз подпрыгнуть, В зависимости от ситуации и от того, как это будет воспринято, можно погладить ученика по плечам и спине. Такие прикосновения действительно снимают мышечный зажим и действуют ободряюще.

У второклассника Миши было первое конкурсное выступление на уровне республики, с серьезным составом жюри. Представляю, как подействовала на совсем юного ученика атмосфера музыкального колледжа, закулисной суеты участников и вообще всего, с чем раньше он не сталкивался! Конечно, перед выступлением он немного волновался.

Чтобы отвлечь Мишу от общего ажиотажа, я нашла удобное место вдалеке в коридоре, где мы смогли спокойно разыграться. Чтобы снять физическое напряжение и освободить плечи, мы сделали небольшую гимнастику.

Когда пришло время выступать перед жюри, Миша держался спокойно и уверенно. Думаю, во многом это произошло благодаря правильной подготовке непосредственно перед сценой. Первая пьеса была сыграна просто отлично.

К сожалению, из-за ошибки во втором произведении он расстроился, потерял уверенность в себе и дальше сыграл хуже. Думаю, выступление, в котором две пьесы прозвучали так по-разному с точки зрения качества, стало для ученика хорошим опытом. Притом, я считаю, что Миша все равно молодец, он пересилил себя и выступил перед серьезной аудиторией. К тому же он приобрел «опыт, сын ошибок трудных».

Одной из досадных физических сложностей, мешающих выступлению музыканта, являются холодные потные пальцы, Они скользят по клапанам инструмента и по грифу, мешают техничности исполнения. Непонятно откуда взявшееся ощущение холода делает пальцы негнущимися, Это раздражает, вызывает недоумение: ведь только что при разыгрывании в кабинете все было хорошо, руки казались послушными и теплыми! Даже из-за трех минут ожидания своего выхода на сцену можно начать испытывать напряжение и холод.

Наверное, это явление больше психологическое – так наше тело реагирует на необходимость скорого выхода на публику, на предстоящее выступление, Ученики жалуются, учителя пытаются помочь, У каждого преподавателя наверняка найдутся на такой случай советы, проверенные временем: держать руки под мышками, когда стоишь за кулисами и ожидаешь своего выхода на сцену, согревать дыханием ладони и так далее, Я хочу поделиться с вами отличным способом, помогающим легко справиться с этой проблемой.

На курсах повышения квалификации было запланировано посещение открытого урока. Вся группа приехавших с разных концов республики учителей-гитаристов внимательно наблюдала, как проходит работа с учеником. В самом начале преподаватель показал разогревающую гимнастику для пальцев, чтобы подготовить руки к работе.

Мы, слушатели курсов, взрослые преподаватели, не сговариваясь, стали повторять движения. Растирающие движения были направлены на разогрев, растяжку и разминку, затем следовали движения каждым пальцем по отдельности, чтобы подготовить их к автономной работе. Стоило учителю и ученику закончить гимнастику, как мы посмотрели друг на друга и сказали практически одновременно одно и то же: «Пальцы как будто провели тренировку. Или как будто мы играли на инструменте гаммы и упражнения целый час!»

Отличные ощущения, скажу я вам, с такими подготовленными руками – сразу на сцену, радовать зал своим исполнением!

Тот открытый урок был хорош не только этим, Педагог не просто продемонстрировал профессиональную и грамотную работу, но и показал тактичную и ненавязчивую настойчивость по отношению к ученику, Все были рады возможности посетить этот открытый урок.

С излишней потливостью пальцев можно попробовать бороться спиртовым антисептиком в виде спрея: сбрызнуть пальцы, подержать ладони раскрытыми и дождаться полного высыхания. Желательно этот способ протестировать заранее – вдруг конкретному ученику антисептик сделает только хуже и лучше было просто протереть ладони платком?

Мысленное следование нотам во время выступления поможет ученику не оторваться от текста и не оказаться в неприятной ситуации, которые свойственны начинающим музыкантам, когда они думают: «Ой, а в каком месте пьесы я нахожусь?» Играл, заигрался, задумался и потерял контроль.

Со стороны, возможно, кажется, что музыкант на сцене полностью отдается чувствам и эмоциям, а его руки сами собой справляются со сложными пассажами и преодолевают технические трудности. Пусть слушатели так и думают, но исполнителю все время следует контролировать свое выступление и всегда четко знать, в каком месте текста он играет в данный момент и какая часть пьесы следует дальше. Этот полезный навык вырабатывается заранее, на уроках, а затем обязательно применяется во время выступления.

Разумеется, в идеале во время выступления музыкант не столько сосредоточен на технических задачах, сколько погружен в эмоциональную составляющую и музыкальный образ пьесы, и руководит потоком энергии, которым делится со слушателями. Вот такая сложная полифоничность должна быть в руках и в сердце настоящего музыканта.

После экзаменов или концертов я собираю своих учеников вместе, и мы по очереди делимся впечатлениями от выступления. Они с волнением рассказывают о своих чувствах во время исполнения, вспоминают сложности, с которыми приходилось справляться прямо на сцене, смеются над забавными происшествиями, случившимися на концерте.

В случае неудачных выступлений я очень часто слышу такие слова: «Я играю, но вдруг понимаю, что руки играют сами, а я не знаю, в каком месте текста нахожусь! Что делать? Пытаюсь вспомнить хоть что-нибудь». Давайте приучим наших учеников к постоянному мысленному контролю текста и сами в своих концертных выступлениях не будем пренебрегать этим полезным методом.

Правильная самостоятельная психологическая настройка очень важна и нужна, когда музыкант уже стоит на сцене перед зрителями, руки прикоснулись к инструменту и готовы начать играть. Дело важное, необходимое и занимает всего полминуты-минуту.

Если страх и волнение сковали исполнителя, то он может неверно взять темп – слишком медленный или слишком быстрый, И то, и другое плохо. Медленный темп не дает возможности в полной мере передать характер пьесы. Музыка как будто вязнет в липком страхе, который сковывает движение и развитие. Слишком быстрый темп из-за суетливости не позволяет раскрыть образ, сохранить нужный стиль, присущий пьесе. Мало того, взяв слишком быстрый темп можно просто не выдержать напряжения и испортить выступление. Да, мы тренируемся заранее в более быстром темпе, но это должен быть лишь запас возможностей – его нужно оставлять на самый крайний случай, Чтобы такого не случилось, всегда очень важно прямо перед началом игры на сцене мысленно представить начало пьесы: верный темп, громкость, характер и эмоциональный настрой.

На академическом концерте один из младших учеников, еще совсем неопытный, забыл об этих важных правилах, которые надо соблюдать перед началом каждой пьесы.

Первым в выступлении был довольно подвижный и веселый танец Маттео Каркасси. Далее шла более медленная и протяжная русская народная песня «Утушка луговая». Справившись с первым танцем, сыграв его уверенно и задорно, ученик настолько увлекся, что приступил к следующей пьесе без подготовки. Не закрыл звучащие струны после первого произведения, не подумал о характере и напевности «Утушки», не опустил руки в перерыве, а начал играть прямо по оставшимся звуковым «хвостам», причем так же быстро, как играл танец. Уже после первых тактов стало понятно, что мальчик спохватился, понял, что взял слишком быстрый темп, который здесь не нужен и который он не сможет выдержать до конца пьесы. Он стал замедлять темп прямо в процессе исполнения. Конечно, это плохо повлияло на общее впечатление от выступления.

Также сложно переоценить важность правильного эмоционального настроя исполнителя, Запомните: в концертах вы не отдаете себя и свои подготовленные большим трудом произведения на суд, на сцене вы не для того, чтобы строптивые критики разбирали пьесы по косточкам, высокомерно решая, где похвалить, где осудить, Нет, перед выступлением такие чувства надо гнать от себя. Ни у кого в зале нет таких мыслей, Они пришли послушать вас, Им будет очень приятно услышать хорошую музыку, Ошибкам исполнителя они будут сопереживать, сочувствуя, но не критикуя. Обязательно нужно донести эту важную мысль до своих учеников.

Много лет я присутствовала на школьных концертах и могу с большой долей уверенности сказать: слушатели в зале настраиваются на исполнителя, полностью проходя с ним путь эмоций от выхода на сцену до финальных аплодисментов.

Если человек на сцене держит себя уверенно и спокойно – зрители тоже успокаиваются и ожидают хорошей игры, Если музыкант играет чистым благородным звуком, технично и эмоционально – все слушают его, затаив дыхание. Если исполнитель сбивается или останавливается – слушатели сопереживают ему, Если ученик на сцене теряет уверенность и начинает играть с запинками, у зрителей рассеивается внимание.

Учителя в экзаменационной комиссии очень радуются, когда ученикам удается выступить ярко, чисто, выразительно.

Артист вышел на сцену, чтобы порадовать слушателей своим исполнением, Те пришли на концерт, чтобы послушать хорошую музыку: погрузиться в атмосферу изящной и строгой классики, яркой экспрессии испанского фламенко, душевной романтики, Цель одна для всех – прочувствовать вместе те эмоции, которые вызывает музыка.

Выступая на сцене, музыкант приводит свои долгие занятия к логическому итогу, к цели исполнить произведение перед аудиторией. И неважно, кто это: экзаменационная комиссия, слушатели на концерте, друзья, жюри на конкурсе или узкий круг семьи, Пусть эта конечная цель, публичное выступление, будет для исполнителя радостным событием, которое вдохновит на дальнейшие занятия музыкой.

Работа с ансамблем несет в себе новые особенности, трудности, о которых мы не задумывались, если прежде работали только с солистами. Индивидуальные уроки подчеркивают ценность ученика, его уникальность. Сам ученик и его родители видят, что для обучения каждого учащегося создается свой учебный план, подбирается оптимальная скорость его освоения, учитель ищет подход к характеру и темпераменту ребенка. На индивидуальных занятиях учитель выращивает юного музыканта, как цветок из семечка. В ансамбле же таких учеников несколько, и с индивидуальностью каждого из них учителю также придется внимательно работать, но уже в изменившихся условиях, Ансамбль правильнее рассматривать как дружную единую команду, где каждый выполняет свою уникальную роль, максимально творчески раскрывается, реализовывается, и все вместе участники только усиливают лучшие стороны друг друга.

Детям важно чувствовать себя частью единой группы, в которой все объединены общими целями, интересами и регулярными совместными занятиями для достижения поставленных задач, В моем понимании роль руководителя ансамбля заключается не только в организации нового для учеников процесса коллективного музицирования, но и, самое главное, в умении создать и закрепить целостный коллектив, где каждый будет ощущать свою ценность для всего ансамбля, будет стараться по максимуму реализовать свои исполнительские умения и где каждый будет получать радость от общения с единомышленниками и от коллективной работы над общими задачами.

В подготовке к концертному выступлению вам, в дополнение к уже рассмотренным методам, понадобятся новые способы преодоления разных трудностей, которые могут сложиться при разных жизненных обстоятельствах, Коллектив существует и работает по своим принципам, которые надо учитывать, чтобы вся эта сложная конструкция из ребят разных возрастов, характеров и исполнительского опыта не сломалась на сцене при первой трудности.

Рассмотренные далее способы подготовки ансамбля к концертному выступлению родились, как и методы из предыдущих глав, из моего собственного опыта работы с учениками, из многочисленных выступлений, моих ошибок как руководителя, разных непредвиденных ситуаций. Возможно, некоторые из этих методов покажутся вам неожиданными, непригодными в работе, а другие, напротив, найдут живой отклик.

За долгие годы появились свои наработки, выводы после работы с разными ансамблями: студенческим ансамблем гитаристов в Белорусском государственном университете информатики и радиоэлектроники, учебными гитарными ансамблями моего класса разных лет, эстрадно-джазовым ансамблем «Аккорд», состоящим из ребят, играющих на разных инструментах. Этими наработками я хочу поделиться с вами.

В ансамбле, как и в работе с исполнителем-солистом, очень важна работа с динамикой, В силу большего количества людей на сцене мы имеем более мощное средство выразительности в плане динамики, Не стоит пренебрегать таким отличным способом сделать свое выступление ярче.

Если нужно мощное crescendo, то не забудьте его качественно подготовить тихим нюансом, Надо навязать всему ансамблю хотя бы пару тактов piano — тихого нюанса. Обычно дети любят сразу прибавлять громкости, как только увидели в нотах знак crescendo. Удерживайте учеников от этого, Самая темная ночь – перед рассветом, Самое яркое нарастание силы и мощности звука – после подготовленного тихого звучания, При этом обращайте особенное внимание ребят на то, что этот яркий эффект получится выразительным, только если каждый из них постарается это сделать. И, конечно, в кульминации нужно бросить все силы ансамбля на forte, при этом поддерживать и не отпускать сильный громкий звук сразу же, когда достигли вершины громкости. Как и тихий нюанс перед creschendo, кульминацию тоже нужно продлить, не расслабляться сразу же. Тогда ансамбль зазвучит ярче, выразительнее. На своих занятиях я сравниваю стремление музыкального развития к кульминации с подъемом в гору и говорю ученикам: «Кульминация – это вершина, которой вы достигли. Не надо сразу же после первых громких звуков „уходить“ с этой вершины, ведь вы так настойчиво к ней стремились. Постойте на этой вершине, подержите громкое звучание, насладитесь достигнутой высотой».

Интересными вариантами работы с динамикой являются такие произведения, где мелодии проходят у разных исполнителей, у разных инструментов. У каждой мелодии свое развитие, иногда они развиваются вместе, иногда одна из мелодий выходит на первый план, в то время как другая прячется, уходит в тень. И эту игру очень интересно передавать с помощью динамического развития. Тогда музыка оживает, исполнители сами получают большое эстетическое удовольствие от такой интересной и выразительной игры.

Своим ученикам я не устаю говорить, что музыка без динамического развития – механическая, неинтересная, из такой музыки слушатели ничего не узнают о развитии главных мелодий, не прочувствуют характер, который заложил композитор в свое произведение, Музыка без смысла.

На репетициях мы стараемся даже отдельные фразы, фрагменты прорабатывать всегда с нужной громкостью, И я напоминаю ученикам: «Мало того, что вы знаете, что в этом конкретном месте текста creschendo, ваши руки тоже должны запомнить здесь усилие. Нужно, чтобы пальцы и мышцы выучили наизусть: здесь надо играть тише, легче, а здесь надо все силы бросить на в подготовке к выступлению на сцене кульминацию. Тогда потом, на сцене, пьеса обязательно прозвучит с общим единым динамическим развитием и ярким выходом на кульминацию».

Если в вашем ансамбле практикуется импровизация, то работа с динамическим развитием поможет менять приоритеты и расстановку сил между разными солистами.

На репетициях с джазовым ансамблем в некоторых пьесах мы использовали импровизацию у наших двух солистов – саксофониста Мурада и пианиста Максима. В переложении песни Рэя Чарльза «Hit the road, Jack!» играли проведение первой темы у саксофона, вторую тему отдали роялю, а потом ребятам была предоставлена свобода импровизировать в свое удовольствие. Сначала главным в импровизации был Максим за роялем, а Мурад на саксофоне только подыгрывал длинными педальными нотами и подголосками. Через определенное время саксофон выходил на первый план, все более усложняя и развивая мелодию. Мальчики за счет динамических оттенков могли без слов дать друг другу понять, что пора уже меняться ролями: Максим понемногу затихал за роялем, переходя в мелодии на более крупные длительности и оставляя только ритмическую канву аккордами вместе с гитарами, а Мурад выводил вперед партию саксофона, используя более плотное насыщение ритмического рисунка, в том числе выходя на усиление звука и выводя динамически за собой всю пьесу и весь ансамбль. Эта работа с импровизацией и динамикой велась, конечно, на каждой репетиции, что впоследствии давало возможность на сцене не теряться, понимать друг друга без слов.

Для хорошего качественного выступления на сцене правильно организовать свободное время для участников ансамбля так же важно, как и для солиста, Но ансамбль отличается тем, что ребят несколько, они влияют друг на друга, поддаются настроению друг друга, склонны руководствоваться призывами негласного лидера в коллективе.

На школьных репетициях все стандартизировано: репетиция – это коллективный урок под управлением учителя, его все более-менее внимательно слушают и выполняют требования. На выезде в другой город, страну или даже просто при выступлении на новой сцене дети чувствуют себя вырвавшимися на свободу из тесных и строгих школьных стен. На улице, в автобусе, поезде они больше группируются друг с другом, им интересно вместе посещать новые места, на выездном конкурсе им совсем не хочется той официальной атмосферы, которой они вынуждены подчиняться на уроках. Детям хочется приключений.

Мне как учителю тоже хочется немного отойти от четких указаний, распоряжений во время выездов на концерты и конкурсы, Не все же командовать, надо дать возможность немного расслабиться и себе, и ученикам. Но при всем при этом у меня выработалось несколько важных правил, которые организуют свободное время учеников, помогая в итоге хорошему выступлению на сцене, и которых я стараюсь придерживаться в наших замечательных поездках на конкурсы.

Слишком долгое ожидание своего выхода на сцену может отрицательно повлиять на конечное выступление, Бывает так, что, несмотря на регламент конкурса, время выступлений затягивается довольно сильно и следующим участникам приходится очень долго ждать.

Помните сказку про джинна? Человек нашел волшебный кувшин, открыл его и выпустил джинна. Счастливчик уже приготовился загадывать три желания, но джинн внезапно объявляет, что сейчас его убьет. Как так? А вот как:

– Когда я просидел в этом кувшине сто лет, я поклялся подарить все деньги мира тому, кто меня освободит! Но никто так и не освободил меня. Когда я просидел в кувшине еще сто лет, я поклялся подарить вечную жизнь тому, кто меня освободит! Но никто так и не освободил меня. И я просидел в этом проклятом кувшине еще тысячу лет. Я возненавидел весь мир и поклялся, что того, кто освободит меня, я убью! И вот ты освободил меня.

Так же дела обстоят и с долгим ожиданием. В моей практике бывало, что приходилось ждать выхода на сцену по четыре часа, что крайне негативно сказывалось на результате. По истечении сорока минут ученик разыгран, готов идти на сцену и всех удивлять своей игрой, Через два часа ожидания задор и энтузиазм заметно угасают. Через три часа усталость от бесцельного ожидания зашкаливает, ученики уже думают только о том, чтобы скорее уйти. Им уже не важно, как они отыграют свое выступление, А в ансамбле все эти неприятные чувства уныния, усталости и потери концентрации внимания увеличиваются, потому что участники смотрят друг на друга, незаметно для себя перенимают настроение, заражая весь коллектив недовольством, нытьем, Руководителю надо постараться не допустить такого развития событий.

Мы с ансамблем отправились на конкурс в небольшой городок. Успели спокойно расположиться в гостинице и приехали на место в обозначенное организаторами время – за час до своего выступления, зарегистрировались, разыгрались и были готовы выступать. Но время ожидания затягивалось. Настроение с боевого понемногу сменялось унынием и усталостью. Когда весь свой задор и решительную готовность выйти на сцену нельзя применить, тогда энергия не находит правильного выхода и уходит в раздражение, потом рассеивается.

Трудно было предугадать точное время выступления, потому что периодически подъезжали опоздавшие участники конкурса, которых пропускали перед нашим выступлением. Получается, мы находились в той ситуации, что вот-вот уже надо идти на сцену, но какое-то непредвиденное обстоятельство снова отдаляло наш выход на неопределенное время.

Мы с ребятами уже не знали, куда себя деть и чем заняться. После трех часов ожидания не осталось никакого желания играть. В итоге у нас было не очень удачное выступление. После того конкурса я думала, что мне следовало сделать в той ситуации? Может, отвлечь ребят и прогуляться по улице? А лучше всего было бы найти помощника, который мог бы вместо нас следить за очередностью выступлений, что не держало бы нас в напряжении в течение нескольких часов.

Успех концертного выступления во многом зависит от правильной расстановки участников ансамбля на сцене. Ее следует обязательно продумать заранее, чтобы потом неудачная расстановка не стала причиной ошибок.

Я настоятельно рекомендую как можно чаще проводить ансамблевые репетиции на большой сцене. Обычно музыкальные занятия, в том числе совместные, проходят в небольшом кабинете, В маленьких помещениях музыканты чаще всего располагаются тесным кружком, разворачиваясь корпусом в центр, – так хорошо видно и слышно друг друга. Это неплохой и даже полезный способ на начальных этапах работы, но рано или поздно придется выходить на сцену, где будет уже совсем другое расположение участников ансамбля – в один-два ряда, и все будут стоять лицом к зрителям.

На большой сцене исполнители располагаются лицом к зрительному залу, Таким образом ребята видят друг друга уже не так, как на репетициях в маленьком помещении, а только боковым зрением, Даже начало пьесы, когда участники должны вступить все вместе, как один, ставит для исполнителей трудную задачу в подготовке к выступлению на сцене из-за изменившейся рассадки. Гитаристы, скрипачи, все остальные исполнители на струнных инструментах, у которых есть гриф, будут смотреть влево, в сторону грифа, Это естественно, поэтому удобнее расположить струнников справа от остальных исполнителей, Тогда они будут смотреть влево, одновременно хорошо видя и других ребят, и гриф своего инструмента, Для исполнителей, у которых инструмент расположен фронтально, вопрос рассадки не так принципиален.

Руководителю, если он выступает вместе со всем ансамблем, логичнее будет найти такое положение на сцене, откуда он будет хорошо виден и слышен всем остальным, Так он сможет четко показывать вступления к частям пьесы и обозначать другие важные моменты.

Пианист за роялем видит только тех музыкантов, которые находятся перед ним или вблизи, по правую руку, Солистам не надо вставать у пианиста за спиной, поскольку они должны видеть друг друга, Здесь речь идет о детских и юношеских ансамблях, когда за роялем находится не профессиональный концертмейстер, а такой же молодой исполнитель, как и все остальные, В нашем джазовом ансамбле группа гитаристов сидела за спиной пианиста. Гитаристам было хорошо видно всех участников ансамбля, а также грифы гитар, а вот пианисту Максиму их было не видно. Я же была близко к роялю, Максим хорошо видел меня, и поэтому мы могли согласовывать вступления и другие важные моменты в пьесах. Все остальные гитаристы играли, глядя на меня как на концертмейстера группы гитар, – я стала связующим звеном между гитаристами и пианистом. Саксофонист находился перед роялем, и его было видно всем.

Располагаясь на сцене, музыканты также должны ориентировать свои инструменты на слушателя – разворачивать резонатором или раструбом духовых к залу. Звучание ансамбля для самих музыкантов из-за этого меняется – звук каждого инструмента оказывается направлен туда, куда повернут сам инструмент, и теперь друг друга слышно уже не так хорошо, как при круговой посадке. Мало того, большое пространство само по себе рассеивает звук, Далеко не во всех концертных залах такая хорошая акустика, которая позволяет инструментам звучать хорошо без микрофонного усиления. Ударник, по традиции, располагается позади всех участников – так его ритм хорошо слышен другим исполнителям, Если руководитель сам играет в ансамбле, то ему необходима помощь хорошего музыканта из зрительного зала – нужно послушать звучание ансамбля со стороны и дать рекомендации, Возможно, понадобится попробовать переставить участников.

Когда наш ансамбль «Аккорд» только начинал свой творческий путь, мы приехали выступать на один из своих первых конкурсов. Такие выступления всегда особенно волнительны, на сцене мы немного суетились. Два наших солиста, саксофонист и скрипачка, неожиданно для себя поменялись на сцене местами. Я находилась в противоположном углу сцены, помогала гитаристам поставить микрофоны и не заметила перестановки.

Выступление прошло вполне неплохо, мы даже стали лауреатами третьей степени, но тем не менее наша скрипачка очень расстроилась, что саксофонист занял ее место. Она рассказала, что эта неожиданная перестановка была для нее очень неудобна, она стала плохо слышать ансамбль. После этого случая я поняла, что расстановке участников на сцене надо уделять особое внимание и располагаться на сцене во время концерта так, как это было подготовлено на репетициях.

На серьезных конкурсах и концертах организаторы обязательно позаботятся о том, чтобы у каждого участника была возможность попробовать предварительно сыграть на сцене: поработать с микрофонами, адаптироваться к расположению усилителей, микрофонных стоек, музыкальных инструментов (например, ударной установки или рояля на сцене).

Для исполнителей крайне важно заранее услышать звучание своего инструмента в тех акустических условиях, в которых будет проходить выступление. Важна сама возможность постоять на сцене, психологически освоиться в концертном зале, услышать через усилители свое исполнение, Потом, когда соберется зал и настанет время выступать, не будет сюрпризов в виде ненастроенных микрофонов или неудобного расположения сценического оборудования. К выступлению на сцене надо быть готовым во всех отношениях, и поможет музыканту в этом акустическая репетиция. На нее отводится всего по несколько минут для каждого участника.

Саундчек ставят в перерывах конкурсных выступлений, когда меняются возрастные группы или номинации. За каждым участником концерта или конкурса закреплены три-пять минут для репетиции на сцене.

В подготовке к важному концерту акустические репетиции могут поставить за несколько часов перед самим концертом, В течение пары отведенных минут музыкант может подстроиться к микрофонам, попробовать сыграть на концертном рояле, за которым предстоит выступать, а большой ансамбль может адаптировать расстановку участников под новые условия сцены. Попробовать сыграть с микрофонами, определить для себя оптимальное расстояние от инструмента до микрофона – все это очень важно для хорошего выступления.

Максимальная польза от саундчека будет, если вы заранее позаботитесь о присутствии помощника, который расположится в зрительном зале в области столов для жюри и подскажет, насколько хорошо вас слышно, надо ли менять силу исполнения или все отлично и не стоит форсировать звук.

Наилучший вариант – если на саундчеке присутствует звукорежиссер, который активно включается в процесс адаптации настроек микрофонов, дает дельные советы исполнителям и заинтересован том, чтобы музыканты хорошо звучали, в том, чтобы достойно выполнить свою работу и удержать конкурс на высоком уровне.

Во время саундчека кто-нибудь обычно следит за соблюдением временных рамок, напоминая: «Ваше время закончилось. Предоставьте сцену следующему участнику». У жюри есть возможность отдохнуть и расслабиться, у музыкантов – собраться перед конкурсным выступлением и извлечь максимальную пользу для себя во время тренировочных пяти минут на сцене.

Бывает, что организаторы конкурса не утруждаются устраивать официальный саундчек. В нерегламентированных перерывах между номинациями участники самостоятельно стараются попасть на сцену хотя бы на несколько минут. Музыканты договариваются между собой о соблюдении очереди, и обычно никто не злоупотребляет временем – сыграют по маленькому отрывку из каждого произведения и освобождают место на сцене для следующего желающего.

Однако если перерыв в конкурсном прослушивании не расписан по времени на каждого участника и никто из организаторов не следит за тем, чтобы всем была предоставлена возможность попробовать поиграть на сцене, то на желающих времени может и не хватить. Поэтому настоятельно советую предварительно ознакомиться с регламентом конкурса, знать о времени перерыва и приехать заранее, чтобы обязательно попасть на сцену в свободное время.

Я, как преподаватель, всегда отношусь к акустическим репетициям серьезно. Сколько концертов и конкурсов – столько и разных интересных примеров саундчеков. Бывали замечательные по своей организации конкурсы и концерты с продуманными и регламентированными акустическими репетициями – «пробой сцены и микрофонов», как называют их музыканты. Я же хочу рассказать об одной неудачной организации конкурса.

Мы с ансамблем «Аккорд» поехали в другой город на республиканский конкурс. Номинация «Ансамбль» была назначена ближе к концу дня. Перед началом номинации был небольшой перерыв, во время которого я рассчитывала вывести наш ансамбль на сцену и немного порепетировать. Официального саундчека не предполагалось, поэтому все должно было проходить, как обычно бывает, в порядке живой очереди.

Наступил перерыв, члены жюри ушли на небольшой отдых, мы с ребятами только собрались подойти к сцене, как увидели, что там уже рассаживается большой оркестр. Как так? Оркестры, разумеется, всегда выступают в отдельной номинации, значит, у них еще была бы возможность попробовать сцену. Рассадка большого оркестра на сцене всегда занимает много времени: нужно устроить множество музыкантов, каждому найти стул и пульт.

Наше изумление стало еще сильнее, когда мы узнали, что это был оркестр той музыкальной школы, которая организовывает весь конкурс! То есть у этого коллектива была возможность репетировать на этой сцене хоть еженедельно, а они заняли перерыв между конкурсными выступлениями, отняв у участников из других городов единственную возможность попробовать сцену! Они играли весь перерыв. Только когда в зал возвратились члены жюри, их дирижер увел музыкантов и освободил сцену. С такой беспардонностью, признаюсь, мы столкнулись впервые.

Когда мы с ребятами вышли выступать перед жюри и стали играть, нас ожидал неприятный сюрприз – микрофоны не были настроены. Сильное эхо, отстающее от реального звучания примерно на одну секунду, делало практически невозможным соблюдение всем ансамблем единства. Пальцы прикасались к инструменту, музыкант настраивался на метроритм, а то, что слышалось из колонок, возвращало слуху отложенное во времени звучание. Нам надо было ориентироваться на наши реальные сильные доли, но громкий звук из колонок подменял пульсацию, перетягивая внимание на себя и сбивая всех музыкантов.

Первые секунды выступления мы все удивленно смотрели друг на друга, не понимая, что происходит, и пытаясь сориентироваться в этих сложных условиях, но практически сразу поняли – надо помогать друг другу. Мы внимательно смотрели на руки друг друга, на движения тела. Саксофонист Мурад набирает воздух, чуть поднимает плечи – значит, сейчас будет начало фразы. Я в тот раз играла на кахоне, заменяя Глеба, – пришлось движением рук и головы дублировать сильные доли, всячески показывать внешне ритмическую пульсацию, на которую ребятам можно было ориентироваться (думаю, что со стороны это выглядело забавно). Мы все старались синхронизироваться, помогали друг другу. Уже не в первый раз наш дружный ансамбль выручил негласный девиз: «Один за всех, и все за одного!»

Всем обстоятельствам назло мы сыграли очень хорошо. Родители учеников, приехавшие на конкурс вместе с нами, были очень довольны выступлением. Наш ансамбль стал лауреатом второй степени, но надо ли говорить, что больше я не стану возить учеников на этот конкурс?

Цените и не упускайте возможность попробовать сцену, Саундчек – это прекрасный шанс еще лучше подготовиться к концертному или конкурсному выступлению, добавить к своей долгой подготовке маленькую, но такую важную деталь – акустическую репетицию.

Во время концерта со стороны особенно четко можно увидеть, каковы отношения между участниками коллектива. Одни музыканты будут сосредотачиваться каждый на своем инструменте, на своем исполнении – даже не взглянут друг на друга, Другой ансамбль предстанет как дружная группа: между участниками есть зрительный контакт, видно, что все настроены помогать друг другу, слышат не только себя, Если они улыбаются, то заметно, что и за пределами сцены они – дружная команда, в которой царит взаимное уважение.

При работе с коллективом педагог должен подчеркнуть ценность каждого участника. Юный музыкант приходит в коллектив, потому что хочет стать нужным и незаменимым членом ансамбля, хочет, чтобы другие участники признавали индивидуальность и ценность каждого. Участники – всего лишь дети, могут задирать других, сравнивать, кто главнее: «Ты играешь всего лишь аккомпанемент, а я – солист, я важнее тебя!»

Руководителям нельзя допускать, чтобы кто-то чувствовал себя ненужным и неважным. Даже мелкие претензии участников друг к другу могут сыграть негативную роль при подготовке к выступлению, То, что для солиста кажется всего лишь безобидной шуткой, для ученика, исполняющего аккомпанемент, может стать поводом недовольства собой, своей ролью в коллективе, приведет к чувству неудовлетворенности от работы в ансамбле, что, конечно, никак не поможет яркому, согласному выступлению на сцене.

В гитарных ансамблях я меняю от пьесы к пьесе функциональную нагрузку каждого участника. Нельзя допускать, чтобы чуть более способный ученик всегда исполнял ведущие мелодические партии, а менее способный довольствовался аккордовым аккомпанементом.

Для начала мне, как учителю, нужно подобрать в один ансамбль ребят с примерно одинаковыми способностями. Бывает, что не получается придерживаться этого правила и в одном гитарном дуэте оказываются ученики, у которых разный уровень исполнения, опыт и способности, но и при такой расстановке сил нужно уважать желание каждого сыграть главную партию. Обязательно нужно чередовать распределение партий.

В одном из гитарных ансамблей так и получилось: Елисей был второклассником, а Ваня – пятиклассником. Несмотря на разницу в возрасте, я давала каждому возможность побыть ведущим, сыграть главную партию. В вариациях на тему белоруской песни Валерия Живалевского «Пастушок» Елисей исполнял первую партию, а Ваня – вторую. В другой пьесе, «Испанском танце» Лермана, я поменяла в подготовке к выступлению на сцене ребят местами – Ваня стал играть мелодию, а Елисею досталась аккордовая партия аккомпанемента. У каждого ученика была возможность сыграть в пьесе мелодию, взять на себя ответственность за выразительность исполнения, почувствовать себя на первых ролях. Этого принципа я придерживаюсь и в остальных гитарных ансамблях.

Бывает, что в общеобразовательной школе дети делают на «отлично» домашнее задание, а потом разочаровываются и грустят, если на уроке их не вызывают для ответа и поэтому не было возможности показать, как хорошо они подготовились.

Когда речь идет о музыке, дети тоже, конечно же, хотят показать себя с лучшей стороны, исполнить мелодию. Справедливо распределяя партии, мы поощряем интерес ребят к занятиям музыкой, к ответственному и качественному исполнению. Также мы не даем возможности посеять раздор в коллективе, изначально ставим как условие уважение к каждому члену команды, Если в ансамбле используются разные инструменты, то, скорее всего, уже сам состав будет располагать к тому, что каждый исполнитель будет подчинен определенному устоявшемуся распределению функций между инструментами, Одноголосные инструменты традиционно выступают как солисты и, скорее всего, в большинстве пьес будут играть главные мелодические партии, Не отдавать же духовому инструменту аккордовую партию? Рояль, гитары, баяны и аккордеоны с успехом исполняют как солирующие партии, так и гармонический аккомпанемент аккордами или арпеджио в различных ритмических рисунках. Каждый преподаватель знает возможности своего инструмента и варианты использования их в смешанных ансамблях.

При инструментовке новой пьесы для ансамбля я настоятельно советую изучить возможности каждого инструмента, чтобы позволить им как можно выразительнее раскрыться в общем звучании при помощи инструментовки.

В нашем ансамбле «Аккорд» помимо прочих всегда использовались звукоизобразительные инструменты из секции перкуссии: шейкер, посох дождя, керамическая свистулька-птичка, с которой можно было добиться удивительных мелодичных птичьих трелей. Мы применяли даже «музыку ветра» с металлическими палочками, чтобы добавить тонкое, хрустальное звучание, Мой ученик, гитарист Глеб, занял роль ударника в нашем ансамбле, исполняя ритмическую основу на кахоне и используя по надобности весь арсенал перкуссии, Мне кажется, что иногда у Глеба мелькали мысли о том, что этим инструментам принадлежит не самая большая роль в общем звучании ансамбля, с чем лично я категорически несогласна, Мое глубокое убеждение, что, играя на этих инструментах, Глеб наполнял звучание нашего ансамбля душой.

Я старалась делать переложения пьес таким образом, чтобы звук каждого инструмента в нашем ансамбле раскрывался максимально, используя все свои сильные стороны и интересные нюансы, Мне хотелось, чтобы гитары, саксофон, рояль и перкуссия заиграли индивидуальными красками, выгодно оттенили друг друга, зазвучали сильнее и интереснее, И конечно, мне не хотелось, чтобы кого-то из ребят посещали мысли о ненужности и неважности своей роли в ансамбле.

Жизнь сама расставила все по местам самым удивительным образом.

В поездке в Испанию на конкурс «Musica del Маг» наш ансамбль «Аккорд» выступал на гала-концерте в старинной полуразрушенной базилике города Тосса-де-Мар. Туристы и жители города собрались послушать выступление участников конкурса.

После того как концерт закончился и зрители с музыкантами стали расходиться, к нашему Глебу подошли восторженные зрители. На разных языках они пытались выразить восторг от его игры на птичке-свистульке и перкуссии. Вот так! Эта реакция продемонстрировала, что хорошая игра всегда находит отклик в сердцах людей, и не важно, идет ли речь о гитаре, свистульке или посохе дождя.

Справедливости ради стоит сказать, что в той поездке каждый из участников нашей группы нашел в солнечной Испании поклонников: член жюри Ирина Бронникова очень активно хвалила душевную игру нашего саксофониста Мурада, организаторы конкурса восторженно отзывались об игре гитаристов Кирилла и Жени, зрители гала-концерта горячо выражали восторг от игры Глеба на перкуссии.

Как видите, каждый исполнитель старался играть с душой и мастерством, и каждый нашел путь к сердцам людей, Разумеется, когда музыкант ощущает свою значимость для всего ансамбля, для общей задачи, тогда и результат будет отличным. Уважение к каждому участнику, осознание ценности каждого и здоровая атмосфера в коллективе станут отличным условием для блестящего концертного выступления!

Я всегда видела ансамбль как нечто большее, чем просто коллективное музицирование нескольких учеников, Ансамбли бывают разные – кратковременные, собранные для совместного музицирования только на один учебный год, или же сплоченные, сыгранные коллективы, ориентированные на совместное развитие и долгую перспективу.

Мне хочется, чтобы ансамбль привлекал учеников новыми возможностями, которые открываются как в отношении исполнения, так и для совместной дружной работы, где один исполнитель усиливает звучание другого, все работают на достижение общей цели, Это ведь так интересно – начинать с простых пьес, развиваться, покорять новые уровни сложности и в итоге выйти дружной командой на сцену для участия в конкурсах и концертах!

Для сплочения коллектива прекрасно подходит принцип взаимопомощи, провозглашенный знаменитой дружной четверкой мушкетеров Александра Дюма: «Один за всех, и все за одного!» В моем любимом ансамбле «Аккорд» он был основой отношений внутри коллектива.

Несмотря на периодические спорные ситуации и стычки между участниками (куда же без них в мальчишеском коллективе?), все твердо знали – в трудной ситуации мы можем положиться друг на друга.

После первого года работы ансамбля мы с ребятами и их родителями приняли важное и новое для нас решение: поехать на конкурс в другую страну Конкурс проходил в западной Польше на острове Волин.

В составе ансамбля были гитаристы: двое ребят и я, ударник, игравший на кахоне, и два солиста, саксофонист и скрипачка. Я добиралась до места проведения конкурса с мальчиками и отцом одного из ребят на микроавтобусе. Наша скрипачка вместе с мамой собирались приехать на конкурс отдельно, на поезде. Встреча должна была состояться в гостинице за день до конкурсного выступления.

И вот после некоторых трудностей, измотанные дорогой, мы с учениками прибыли в городок Междуводье, встретились с организаторами и заселились в гостиницу. Я сразу же позвонила маме нашей скрипачки, чтобы выяснить, приехали они или еще в пути, чтобы договориться о репетиции перед завтрашним выступлением. К полной своей неожиданности я услышала от мамы ученицы, что их нет в Польше и они не приедут, у них возникли проблемы с документами.

Буквально день назад мы репетировали в музыкальной школе, обсуждали детали поездки вместе со всеми родителями и непосредственно с ученицей-скрипачкой и ее мамой, и не было ни намека на возможные препятствия в связи с документами. И теперь, в Польше, уже приехав со всеми остальными участниками, я узнаю, что второй солистки с нами на конкурсном выступлении не будет!

«Из песни слов не выкинешь», как справедливо замечает народная пословица, а из музыкального произведения вряд ли получится убрать партию солиста без последствий для мелодической линии, для общей драматургии и развития пьесы. Я не знала, что нам делать, и в слезах пришла к ребятам и папе нашего ударника. Нам предстояло как-то найти выход из этой ситуации, сделать наш приезд не бессмысленным и выступить достойно.

Саксофонист Мурад взял решение проблемы на себя: недостающую партию скрипачки он решил заполнить импровизацией. Просто сыграть партию скрипки, а следом за ней и свою, было бы бессмысленно – партии были достаточно похожи мелодически и ритмически, одинаковый повтор двух партий саксофоном показался бы тавтологией. Импровизация была наилучшим выходом.

Не вдаваясь в подробности, отмечу, что отсутствие скрипачки в ансамбле повлияло на сольную программу выступления Мурада, которую он также планировал показать на конкурсе – одну пьесу пришлось поменять на более старую, которую мы играли давно. Мне, гитаристке, пришлось на ходу подбирать аккомпанемент на рояле.

Вот такие сложности свалились на нас как снег на голову. Было страшно и волнительно решиться на такой эксперимент за день до конкурса, но мы порепетировали и выступили. Я очень ценю эту помощь от Мурада. Смелость, решительность и взаимоподдержка сделали свое дело – наш ансамбль в первый раз стал победителем международного конкурса! Также и Мурад стал лауреатом первой степени в номинации «Соло саксофон». Один за всех и все за одного!

Забегая вперед, скажу, что потом представился случай всем коллективом поддержать и поблагодарить нашего саксофониста. Мы все согласились выступить не как самостоятельный ансамбль, а как аккомпаниаторы Мурада в одном джазовом конкурсе, и Мурад не только победил, но стал настоящей звездой конкурсной программы. Вот так друзья помогают друг другу. Сначала он спас весь ансамбль в безвыходной ситуации, а потом ребята поддержали его.

На сцене во время выступления случается множество форс-мажорных ситуаций, которые требуют от музыкантов гибкости и возможности альтернативного развития событий – хотя бы для того, чтобы само выступление состоялось.

В подготовке к концертному выступлению надо уметь предупредить возможность срыва выступления всего коллектива из-за внезапного отсутствия одного из участников, В жизни всякое бывает. Представьте: вы с ансамблем готовите несколько месяцев программу, с которой планируете выступить на нескольких конкурсах, Однако прямо перед ответственным выступлением кто-то из участников может заболеть или могут возникнуть обстоятельства, которые помешают кому-то приехать на конкурс и сыграть вместе со всеми. Учителю, как руководителю всего ансамбля, приходится нести ответственность перед всем коллективом и их родителями за грамотное планирование подготовки к конкурсам, а также за то, чтобы довести задумку до логического конца – проконтролировать, чтобы намеченное выступление на концерте или конкурсе состоялось. Если не продумать, как поступить в случае отсутствия участника в итоговом выступлении, то вы рискуете в момент форс-мажора сделать всю долгую и кропотливую работу большого коллектива бессмысленной, потраченное время и усилия пропадут зря.

Да, вы не виноваты в непредвиденной болезни участника или отсутствия его на конкурсе по любой другой причине, но отвечать перед остальными учениками и их родителями все равно вам, как руководителю. Срыв выступления – это очень опасно. В таких случаях ученики и их родители перестанут видеть смысл в совместной работе. Зачем тратить время и усилия на разучивание репертуара, если все в один момент может разрушиться и отмениться из-за одного человека?

На случай форс-мажора нужно продумать план «Б» – как заменить участников.

Какие могут быть варианты?

1. На случай отсутствия участника, исполняющего основную мелодическую партию, можно заранее заручиться поддержкой знакомого педагога – исполнителя на таком же инструменте. Не стоит поручать роль дублера ученику. Для ребенка морально довольно сложно готовить полноценную партию, уделять работе столько же времени, сколько тратят и остальные участники ансамбля, но знать, что ты всего лишь запасной вариант на случай неявки основного исполнителя. Учитель легче встроится в ансамбль в сжатые сроки, быстрее и качественнее исполнит партию отсутствующего музыканта и не потратит на это столько времени, сколько ученик, а самое главное – у учителя, в отличие от ребенка, мотивация не зависит от понимания своей функции «запасного», учитель не обидится, а будет рад помочь.

2. Работа с каждым участником коллектива над основами импровизации спасает ансамбль в таких неприятных ситуациях, как внезапная потребность заменить отсутствующего исполнителя, Однако этот способ уместен, если пьеса – эстрадная, а не академическая.

3. На мой взгляд, лучший способ защитить свой ансамбль на случай непредвиденного отсутствия кого-либо из участников в важном концертном выступлении – уметь самому руководителю заменить любого из участников. В ансамблях с однородным составом это сделать легко, В ансамбле цимбалистов педагог-цимбалист вполне легко заменит любого из участников, официально обозначив себя концертмейстером коллектива. В смешанном ансамбле сделать это сложнее.

4. Благодаря продуманной инструментовке можно снизить риск развалить ансамбль при отсутствии какого-либо участника. Функцию аккомпанемента можно продублировать, сделав партии немного отличающимися друг от друга для более насыщенной фактуры, но в расчете на то, что в случае отсутствия одного из исполнителей второй участник безболезненно вытянет функцию аккомпанемента в ансамбле, Партию ударника можно написать довольно сложной, но иметь резервный вариант партии с упрощенным ритмом на случай, если ударника придется заменить другим участником, Если заболел ударник, вы сможете снять одного из музыкантов, исполняющих аккомпанемент, и посадить его за перкуссию или кахон, которые можно использовать вместо ударной установки. С кахоном, при желании, справится любой ученик с хорошим чувством ритма, Продумывая инструментовку главной мелодии, можно не ограничиваться одним солистом, а распределить эту важную функцию между двумя исполнителями, Мелодия будет переходить от одного участника к другому, обогащаясь новыми тембрами, Во время исполнения мелодии одним солистом второй будет делать красивые подголоски, затем они будут меняться, Продумав исполнение мелодии двумя солистами, вы получите богатые возможности для интересных и насыщенных инструментовок и аранжировок.

Все эти способы могут казаться трудно применимыми на практике, но ведь вам, как руководителю, нужно будет что-то отвечать всем ученикам и их родителям, если концертное или конкурсное выступление окажется под угрозой срыва из-за того, что кто-то из участников отсутствует.

В моей практике, к сожалению, таких случаев было больше, чем можно себе представить. Приходилось брать на себя дополнительную работу, учить партии, сверхурочно занимаясь в музыкальной школе на инструментах, которых у меня дома нет, Я не могла заменить только саксофониста.

Можно надеяться, что все будет хорошо, что на протяжении года участники ансамбля будут регулярно ходить на репетиции, а когда придет время конкурсов, все дружно отправятся на выступление, зарубежные поездки не сорвутся и проблем с визами ни у кого не будет, но жизнь вносит свои коррективы. Присмотритесь к предложенным вариантам. Возможно, вы найдете для себя приемлемый способ подготовиться и предупредить форс-мажорную ситуацию, Может, найдете решение, как адаптировать предложенные способы для своего ансамбля, Я расскажу, как мне приходилось выходить из таких сложных ситуаций.

В ансамбле гитаристов было два участника: ученик и ученица. Весь год я готовила ребят к участию в трех конкурсах. Они не планировали связывать свою профессиональную жизнь с музыкой, подготовка к урокам в общеобразовательной школе занимала значительную часть свободного времени, но тем не менее ансамблю уделялось достаточно внимания, а интереса ребят хватало даже на дополнительные репетиции и участие в концертах.

Наступила весна, горячее время для конкурсов. В дистанционном чешском конкурсе ребята заняли третье место. Впереди ждали два очных конкурса на уровне республики, они проводились в других городах. Вместе с конкурсной порой пришло время итоговых контрольных в общеобразовательной школе. К моему огромному разочарованию, ученица отказалась участвовать в дальнейших репетициях и конкурсах, сославшись на сильную загруженность в школе. Вот так – весь год готовились, и в последний момент неожиданно один из участников выбывает из дуэта. Нам со вторым учеником совсем не хотелось, чтобы усилия оказались потрачены впустую. Я внимательно пересмотрела положение обоих конкурсов и приняла следующее решение: вместо номинации «Гитарные ансамбли малых форм» будем участвовать в номинации «Учитель и ученик». Мне пришлось отработать партию вместо выбывшей ученицы.

В первом конкурсе мы заняли третье место, зато в другом, преодолев все трудности, мы с учеником выступили блестяще и стали лауреатами первой степени.

С ансамблем «Аккорд» случилась еще куда более интересная история, касавшаяся непредвиденного выбывания участников.

В одном случае наш гитарист, который взял на себя функцию ударника, не смог поехать вместе со всеми на в подготовке к выступлению на сцене выступление, потому что находился на обследовании в больнице. В тот раз мне пришлось отказаться от партии гитары, чтобы играть на кахоне и шейкере. Гитарные партии были продублированы, и эта рокировка оказалась безболезненной. Меня даже отметили грамотой как лучшего концертмейстера. В другом конкурсе не смог участвовать гитарист. В нужный день он выступал в гитарном конкурсе как солист, и мне пришлось одной исполнять партию гитары.

Гораздо сложнее ситуация была в тот раз, когда мне пришлось заменять отсутствующего пианиста. Да, почти все из нас изучают фортепиано как второй инструмент, но, думаю, всем ясна разница между тем, чтоб ходить на занятия почти факультативно, не выступая на большой сцене перед зрителями, и между необходимостью достойно исполнять партию на чужом инструменте на концерте или конкурсе. Мне было очень трудно, все свои выходные дни я проводила в музыкальной школе за роялем, разучивая партии. Задача оказалась сложнее, чем представлялась мне сначала, однако на кон было поставлено выступление ансамбля. Первый концерт должен был пройти в музее, билеты были распроданы, номеров с фортепианной партией было достаточно много. Если бы я не захотела брать на себя фортепианную партию и приняла решение отменить концерт из-за болезни пианиста, пришлось бы платить музею неустойку.

В другом случае было запланировано участие всего ансамбля в конкурсе в Испании. Я заранее знала, что наш пианист не сможет с нами поехать, и могла бы все отменить, но остальные участники очень рассчитывали на возможность показать свое мастерство в другой стране.

Пришлось снова взяться за сложную задачу – выучить фортепианную партию. Это стоило мне нервов, свободного времени и сил, но результат все оправдал.

Впоследствии я замечала на джазовых конкурсах, что в серьезных ансамблях активно практикуется смена исполнителей за разными инструментами. Сначала музыканты играют одно произведение каждый за своим инструментом, а для исполнения следующего пианист и саксофонист меняются местами. Молодцы, отдаю им дань уважения!

В европейских странах музыканты-мультиинструменталисты встречаются куда чаще, поэтому я решила, что нужно не зацикливаться на трудностях, а брать пример с более сильных и активных музыкантов и не бояться подобных творческих экспериментов. Чего желаю и вам.